Art Deco 100 viktige arbeider
Fra utstillingsplakater til visjoner om maskinbyen, hundre malerier og grafiske arbeider for å forstå hvordan Art Deco ga en elegant, geometrisk og offentlig form til moderniteten.
#1 · Mistinguett på Moulin Rouge
Charles Gesmar, 1926
Total stil
Når man maler dialoger med gaten, scenen og bransjen
Begrepet "Art Deco" dukket opp etter den internasjonale utstillingen for moderne dekorativ og industriell kunst organisert i Paris i 1925, men stilen ble forberedt i god tid før den datoen. Den ble født fra skjæringspunktet mellom mote, grafikk, Ballets Russes, kubisme, futurisme, scenekunst, arkitektur og en ny fantasi om fart.
Denne klassifiseringen reduserer derfor ikke Art Deco til en samling viftemotiver. Han beholder verkene som direkte definerer stilen, men også de som forklarer dens dannelse og spredning: geometriske malerier, scenesett, monumentale fresker, reiseplakater, illustrerte omslag og amerikanske visjoner om byen eller landskapet.
Tamara de Lempicka, Cassandre, Erté, Jean Dupas, Paul Colin og Sonia Delaunay er fortsatt sentrale skikkelser i denne historien. Ruten plasserer dem i sin kritiske fortelling, samtidig som den favoriserer kontrollerte bilder og distinkte reproduksjonskoblinger for de hundre kartene.
Art Deco er ikke bare en setting: det er en metode for å gjøre moderniteten synlig, ønskelig og umiddelbart minneverdig.
Vinkler, sirkler, symmetrier og overlagrede plan gir bildet et lesbart rammeverk.
Tog, liner, fly, dans og publikum påtvinger nye visuelle rytmer.
Mote, parfyme og skuespill forvandler overflaten til et løfte om utmerkelse.
Plakaten, magasinet og det offentlige rommet bærer stilen langt utover galleriene.
De 100 maleriene og essensielle verkene til Art Deco
100 verkPlakaten finner opp en ny eleganse
Vis, parfyme, reise og handel pålegger et bilde som kan leses fra et enkelt blikk. Farge, silhuett og bokstav slutter å skilles.
Mistinguett på Moulin Rouge
En vifte av fjær, en kantete profil og en nesten glødende rød er nok til å gjøre Mistinguett til et utseende Gesmar beskriver ikke et presist tall: han kondenserer energien i musikksalen til en silhuett som kan gjenkjennes fra gaten. Forholdet mellom det svarte i bakgrunnen, den klare typografien og kostymets glans kunngjør Art Deco som en kunst av offentlig tilstedeværelse.
1900–1928 Se reproduksjon →
Vintersalg
Kauffer oversetter innspurten for salg til en spiral som suger opp silhuetter og bokstaver Bildet låner sin fart fra virvelisme, men effektiviteten forblir reklame: metroen blir den naturlige banen mot handelsbyen Få plakater viser så tydelig hvordan geometrisk abstraksjon kan bli et umiddelbart lesbart argument.
1890–1954 Se reproduksjon →
Anbud Parfyme
Barbier organiserer scenen som et dyrebart lite teater, laget av klare konturer, dempede farger og kalkulerte holdninger Parfyme er aldri representert direkte; det blir en sosial atmosfære, en blanding av eleganse, avstand og forførelse Denne raffinerte økonomien oppsummerer den luksuriøse og verdslige siden av parisisk art deco.
1882–1932 Se reproduksjon →
Monte Carlo
Broders forvandler middelhavskysten til et løfte om bevegelse: balustrader, vegetasjon og hav passer sammen i store, lyse områder Plassen kopieres ikke, den forenkles til den blir et mentalt reisemål Moderne reiser hit selges gjennom farger, skarphet i planene og balansen mellom arkitektur og landskap.
1883–1953 Se reproduksjon →
Charleston Rum
D'Ylen forbinder navnet på en dans med en karakter som ser ut til å hoppe ut av den svarte bakgrunnen.Den geometriske drakten, den røde bokstaven og stokkens kurve sirkulerer blikket uten unødvendige detaljer.Plakaten fanger 1920-tallets fascinasjon for rytme, natt og transatlantiske briller.
1886–1938 Se reproduksjon →
Dekor for Aelita
For den sovjetiske filmen Aelita, utgitt i 1924, designet Alexandra Exter sammen med Isaac Rabinovitch et Mars-univers laget av umulige trapper, sirkler og kostymer. Innstillingen søker ingen astronomisk realisme: den reflekterer et fremtidig samfunn gjennom geometri. Disse bildene overlevde i stor grad filmen og viser hvordan cubofuturisme kunne bli arkitektur, klær og populært skue.
1882–1949 Se reproduksjon →
Mennesket, kontrolleren av universet
Man, Controller of the Universe, tok i 1934 opp fresken som Rockefeller Center hadde ødelagt etter Riveras avslag på å fjerne Lenins portrett.På Palacio de Bellas Artes i Mexico kommanderer arbeideren plassert i sentrum en optisk maskin mellom kapitalisme, revolusjon, vitenskap og kosmos. Historien om maleriet er derfor også en kommisjon som litt sent oppdaget at kunstneren hadde meninger.
1886–1957 Se reproduksjon →
Jeg så figur 5 i gull
I Saw the Figure 5 in Gold hyller William Carlos Williams' dikt om en brannbil som passerer New York i regnet.I 1928 la Demuth over tallet fem, fragmenter av ord, lys og diagonaler for å gjenopprette et lyd- og lysminne. Portrettet av poeten går uten ansikt: navnet hans og rytmen hans er nok til å gjøre byen til en mental plakat.
1883–1935 Se reproduksjon →
Dazzle-skip i Drydock i Liverpool
Dazzle-skip i Drydock i Liverpool ble malt i 1919 av Edward Wadsworth, som hadde deltatt i krigen i den "blendende" kamuflasjen til britiske skip. Geometriske mønstre gjorde ikke bygninger usynlige; de forstyrret estimeringen av retningen deres. I nettet blir denne militære strategien et slående visuelt skue, med kaier, skrog og kraner arrangert i en nesten musikalsk disiplin.
1889–1949 Se reproduksjon →
Luft, jern og vann
Luft, jern og vann ble skapt for Palais de l'Air på Paris International Exhibition i 1937. Delaunay kombinerte propeller, skiver og samtidige farger i arkitektonisk skala, og feiret kreftene som forvandlet den moderne verden. Maleriet illustrerer ikke en bestemt enhet: det gir en felles form for flukt, metall og bevegelse, et stort program for tre veldig korte ord.
1885–1941 Se reproduksjon →
Byen
Byen, malt i 1919, er en av Fernand Légers store synteser etter krigen. Trapper, skilt, silhuetter og mekaniske fragmenter følger hverandre som den raske utsikten over en moderne gate. Maleriet fører ikke til noe fredelig sentrum; det tvinger øyet til å sirkulere blant signalene. Léger forvandler dermed urban metning til billedrekkefølge, uten å be byen snakke mindre høyt.
1881–1955 Se reproduksjon →
Brooklyn Bridge
Brooklyn Bridge tilhører malerier inspirert av Gleizes opphold i New York under første verdenskrig Kablene, buene og bygningsmassen er fragmentert for å gjenskape opplevelsen av overfarten fremfor en turistutsikt. Broen blir symbolet på en by bygget av ingeniørkunst og trafikk; Kubismen tilbyr den en ekstra struktur, heldigvis uten veiarbeid.
1881–1953 Se reproduksjon →
Prometheus
Prometheus ble malt i 1930 i refektoriet ved Pomona College, California, og var den første moderne meksikanske fresken som ble laget i USA. Orozco viser Titan som bringer ild til mennesker, omgitt av kropper som ønsker den velkommen eller vender seg bort fra den. Den eldgamle myten blir en refleksjon over kunnskap og dens pris. Brannen lyser opp scenen, men det lover ingen en behagelig historie.
1883–1949 Se reproduksjon →
Samtidige sirkler
Simultaneous Circles utvider Delaunays forskning på fargekontraster som ble startet før krigen. Ringene og skivene representerer ingen presis mekanisme, selv om de lett fremkaller hjul, mål eller elektrisk lys. Bevegelsen deres oppstår utelukkende fra kromatiske forhold. Denne abstraksjonen vil gi moderne dekor et umiddelbart gjenkjennelig vokabular, i stand til å animere et lerret som en hel vegg.
1885–1941 Se reproduksjon →
Komposisjon på blå bakgrunn (1929)
Komposisjon på blå bakgrunn, datert 1929, hører til øyeblikket hvor Léger forenkler formene sine for den store dekoren. Gjenstander, kroppsfragmenter og mekaniske elementer skiller seg ut mot en blå som forstørrer konturene deres i stedet for å skyve dem bort. Balansen virker enkel, men hver masse avhenger nøyaktig av de andre. Maleriet har åpenheten til en plakat og den visuelle soliditeten til en meget godt vedlikeholdt maskin.
1881–1955 Se reproduksjon →
Showgirl
Kostymet blir arkitektur: ermer, skjørt, frisyre og vifte konstruerer en figur som er større enn livet Gesmar skyver elegansen til det karikaturiske uten å miste kroppsbevegelsen Art Deco finner her et av sine favorittmotiver, den moderne stjernen formet av scenen, mote og belysning.
1900–1928 Se reproduksjon →
Utstilling av moderne kunst - London-gruppen
To svarte figurer, nærmest tegn, skiller seg ut mot en ramme av lyse rektangler Kauffer tilpasser de kubistiske bruddene til hurtiglesingen av plakaten og gir utstillingen en allerede moderne identitet før 1925 Innretningen beviser at Art Deco ble næret av avantgardene uten å gi avkall på kommunikasjon.
1890–1954 Se reproduksjon →
Vichy, festivalkomiteen
Broders oppsummerer kurstedet med svært klare planer, der relieff, bygninger og himmel er ordnet som en scene Den myknede paletten antyder elegant fritid mer enn sportslig innsats Plakaten viser hvordan turismen i mellomkrigstiden ble et stort laboratorium for dekorativ forenkling.
1883–1953 Se reproduksjon →
Brasils kafeer driver universet
Planeten blir en kopp, emblem og scene av opptog i en komposisjon som er både teatralsk og umiddelbart kommersiell D'Ylen spiller på overdrivelsen av gesten og på motstanden av rødt, blått og hvitt Bak humoren avslører bildet også den globale fantasien til moderne handel og dens snarveier.
1886–1938 Se reproduksjon →
Regina Camier
Icart pakker sangeren inn i en kjole som ser ut til å forlenge bevegelsen hennes De grønne, appelsinene og blomsterarabeskene beholder noe av jugendstilen, men den slanke silhuetten og layouten tilhører allerede smaken fra 1920-tallet. Plakaten gjør scenen til et moterom like mye som skuespill.
1888–1950 Se reproduksjon →Byen, scenen og maskinen
Tårn, skip, fabrikker, metroer og teatersett gir moderne fart en geometrisk, rytmisk og spektakulær form.
Barbette
Gesmar komponerer akrobaten som en fartsfigur: utstrakte lemmer, rekvisitter og draperier sporer en spektakulær diagonal. Det svarte i bakgrunnen isolerer handlingen og gir fargene skarpheten til et signal. Tvetydigheten til karakteren, kjent for sine tall i transvestitt, legger til bildet en sosial modernitet som grafisk virtuositet ikke skjuler.
1900–1928 Se reproduksjon →
Soaring to Success - The Early Bird
Fugleflukten reduseres til svarte, hvite og grå fasetter som splitter en elektrisk gul Kauffer forvandler et banalt slagord til en sann fartsopplevelse Denne tidlige plakaten viser fødselen til et språk der dyr, maskiner og typografi adlyder den samme kantete logikken.
1890–1954 Se reproduksjon →
Mont Blanc-serien
Broders kontrasterer de mørke silhuettene til grantrærne med den nesten mineralske glansen til toppene Fjellet blir en stabel av kraftige former, lesbar langveisfra og likevel suggestiv nok til å vekke lysten til å reise Turistlandskapet slutter å være pittoresk: det får presisjonen til et emblem.
1883–1953 Se reproduksjon →
Cristal Chaudfontaine
Flasken og glasset får en monumental skala, mens en hvit fugl forvandler mineralvann til et bilde av letthet D'Ylen kombinerer realisme av produktet og symbolsk oppfinnelse uten å rote i overflaten Art Deco-reklame vet dermed hvordan man gjør et hverdagsobjekt til en nesten fantastisk scene.
1886–1938 Se reproduksjon →
Moulin Rouge Music Hall
En danser tegnet av noen få kurver dominerer et program hvis hvite og svarte fremkaller scenens lys. Gesmar favoriserer lokke, penn og bevegelse fremfor trofaste portretter. Bildet avslører den dype nærheten mellom Art Deco, den parisiske revyen og den visuelle produksjonen av kjendiser.
1900–1928 Se reproduksjon →
Dynamisk sammensetning
I Dynamic Composition samler Alexandra Exter trekanter, buer og diagonaler som elementene i en bevegelig setting Dannet mellom Kyiv, Paris og Moskva, her transporterer hun inn i maleriet forskningen hun også utfører for teatret. Overflaten beskriver ikke en bestemt scene: den beholder hastigheten, belysningsendringene og denne svært moderne følelsen av at verden nettopp har oppdaget girene.
1882–1949 Se reproduksjon →
Menneske og maskin
Mennesket og maskinen tilhører den monumentale siden av Diego Rivera, den der tekniske fremskritt aldri skilles fra det politiske liv, Tannhjul, kropper og arkitektur flettes sammen for å spørre hvem som virkelig driver moderne industri. Rivera gir arbeideren den staturen som en gang var forbeholdt eldgamle helter; maskinen imponerer, men den får ikke det siste ordet uten diskusjon.
1886–1957 Se reproduksjon →
Komposisjon for "Jazz"
Komposisjon for jazz oversetter musikalsk synkope til bilder som beveger seg fremover, svinger og reagerer på hverandre. Albert Gleizes søker ikke å illustrere et orkester: han konstruerer den visuelle ekvivalenten til en rytme, med former som kommer tilbake uten å gjenta seg selv fullstendig. Faget føyer seg inn i mellomkrigstiden, da jazz ble populærmusikk, et frihetstegn og en formidabel leverandør av brutte linjer.
1881–1953 Se reproduksjon →
Samtidig disk
Med Simultaneous Disc forlater Robert Delaunay nesten ethvert gjenkjennelig mønster for å gjøre farge til den virkelige drivkraften til maleriet. Konsentriske sirkler roterer ikke mekanisk: kontrastene deres gir inntrykk av at lyset utvider seg. Denne forskningen som ble utført tidlig på 1910-tallet næret da plakater, tekstiler og dekorasjoner, hvor abstraksjonen ble energisk nok til å holde et helt rom våken.
1885–1941 Se reproduksjon →
Stasjonen
Stasjonen ble født fra Fernand Légers fascinasjon for byen gjenoppbygd etter første verdenskrig. Signaler, skinner, røyk og metallelementer fragmenteres i nettvolumer, som om jernbanebildet hadde blitt satt sammen igjen på et verksted. Léger maler ikke bare et utgangspunkt: det forvandler støyen, tråkkfrekvensen og kryssingene på stasjonen til fargerik arkitektur.
1881–1955 Se reproduksjon →
Brannmannen
Ildmannen okkuperer kuppelen til Hospice Cabañas i Guadalajara, på toppen av den store syklusen malt av José Clemente Orozco. En skikkelse reiser seg midt i flammene mens fire kropper omgir den, et bilde av ødeleggelse, ofring og fornyelse. Fresken tvinger besøkende til å se opp; Orozco visste at et tak kunne gjøre mer enn å huse et rom.
1883–1949 Se reproduksjon →
Byen om natten
I Byen om natten bryter Alexandra Exter ned fasader, lys og trafikk til skråbjelker Maleriet tilhører en periode hvor kunstneren blander kubisme, futurisme og minnet om italienske eller russiske byer Natten slår ingenting av: den forvandler vinduer til signaler og gater bak kulissene, som om metropolen var i ferd med å entre scenen.
1882–1949 Se reproduksjon →
Fotball. Cardiff-laget
Fotball. Cardiff-laget samler sport, reklame og modernitet i en komposisjon inspirert av en kamp sett av Delaunay. Ballen, pariserhjulet, Eiffeltårnet og navnet på en flyprodusent deler samme plass. I 1913 oppsummerte denne kollisjonen av bilder en epoke fascinert av fart; terrenget er stort, men reklame finner fortsatt en måte å ta et godt sted på.
1885–1941 Se reproduksjon →
Komposisjon, i fabrikken
Komposisjon, i fabrikken utvider Fernand Légers erfaring i front, hvor maskinene avslørte ham en kald og kraftig skjønnhet. Stempler, rør og kroppsfragmenter passer inn i et ærlig utvalg som nekter industriell gråhet. Fabrikken blir et teater av volumer i stedet for en sosial rapport, og metallet har nesten like mye karakter som arbeiderne.
1881–1955 Se reproduksjon →
Romrytmisk etter planen
Romrytmisk i henhold til planet tilhører den teoretiske forskningen til Albert Gleizes etter analytisk kubisme. Buede og kantete overflater er organisert rundt en rotasjonsbevegelse, uten et tradisjonelt forsvinningspunkt. Maleriet spør mindre "hva representerer det?" enn "hvordan holder det seg?"; svaret ligger i den tålmodige balansen i planene, solid som ramme og mye mer fargerik.
1881–1953 Se reproduksjon →
Skapelsen
Skapelsen er Diego Riveras første store offentlige freskomaleri i Mexico etter hjemkomsten fra Europa Malt i Bolivar amfiteater i 1922, samler den allegoriske figurer, dyder og kunst rundt en kosmisk visjon preget av bysantinske mosaikker. Rivera søker fortsatt sitt monumentale språk der; snart mer politisk, begynner han her med å gi en mur ambisjonene til en katedral.
1886–1957 Se reproduksjon →
Hyllest til Blériot
Homage to Blériot feirer flygeren som krysset kanalen i 1909, men Delaunay unngår forsiktig minneportrettet. Propeller, solskiver og silhuetter av Eiffeltårnet deler den samme fargerike banen. Luftfarten blir symbolet på et nytt blikk på byen: fra himmelen krymper monumentene og maleriet tar villig opp all plass.
1885–1941 Se reproduksjon →
Dame til frisøren sin
I Lady with Her Hairdresser forvandler Fernand Léger en intim scene til en samling av sylindre, kurver og flate områder. Speilet og tilbehøret myker ikke opp den mekaniske konstruksjonen av kroppen; snarere viser de hvordan dagliglivet kan slutte seg til maskinens vokabular. Denne moderne kvinnen er verken en flyktig muse eller et dekorativt påskudd: hun opptar plass med arkitekturens stabilitet.
1881–1955 Se reproduksjon →
Teatralsk komposisjon
Teatralsk komposisjon minner oss om at for Alexandra Exter var scenen et laboratorium like viktig som verkstedet. Fargerike bilder, imaginære og diagonale trapper ser ut til å vente på skuespillernes ankomst, samtidig som de allerede fungerer som et autonomt maleri. Settene hans for teater og kino har lært bildet å endre seg raskt; her, selv ubevegelig, beholder den smaken av en spektakulær inngang.
1882–1949 Se reproduksjon →
Bygninger, Lancaster
Bygninger, Lancaster tilhører de industrielle synspunkter som Charles Demuth vier til sin hjemby Pennsylvania Siloer, skorsteiner og tak er ordnet av gjennomsiktige kraftlinjer som gir den lokale arkitekturen et utseende av monumental presisjonisme. Demuth beviser at et lager kan bli et amerikansk emblem, forutsatt at det tilbys upåklagelig geometri og en tilstrekkelig disiplinert himmel.
1883–1935 Se reproduksjon →Kroppen blir arkitektur
Dansere, arbeidere, stjerner og monumentale figurer er konstruert av omrisset, kostymet, gesten og repetisjonen av bind.
Kelly Springfield
Kelly Springfield tar som sitt emne verden av dekk og biler, to perfekte symboler på amerikansk modernitet. Albert Gleizes fragmenterer skilt, hjul og arkitektur for å få øyet til å sirkulere som i en gate mettet med reklame. Maleriet beholder kubismens energi mens det varsler kommersiell grafikk fra mellomkrigstiden, da merket for alvor begynte å konkurrere med landskapet.
1881–1953 Se reproduksjon →
Vindu med oransje gardiner
Vindu med oransje gardiner tilhører serien av vinduer som Delaunay malte i 1912, da lys ble hans hovedmotiv Stenderne, gardinene og utvendig utsikt løses opp i fargede rektangler som overlapper hverandre. Vinduet åpner ikke lenger bare mot Paris: det blir en maskin for å produsere kontraster, mye mindre praktisk for å ventilere et rom, men utmerket for å fornye malingen.
1885–1941 Se reproduksjon →
To dansere
To dansere viser hvordan Fernand Léger tilpasser kroppen til mellomkrigstidens klare rytme Silhuettene forenkles til robuste volumer, tatt i et rom der kurver og flate områder nærmest spiller rollen som koreografi. Dansen fanges ikke i et flyktig øyeblikk: det blir en stabil konstruksjon, som om musikken i noen minutter hadde gått med på å posere for maleren.
1881–1955 Se reproduksjon →
Karnevalet i Venezia
Karnevalet i Venezia trekker på en by som Alexandra Exter har kjent siden hennes førkrigsreiser og sceneprosjekter. Masker, arkitektur og kollektiv bevegelse er rekomponert i fargerike fasetter i stedet for pittoresk utsikt over lagunen. Karneval lar ham forene kostyme og abstraksjon: alle endrer identitet, inkludert bygningene, som ser ut til å ha funnet sin egen maske.
1882–1949 Se reproduksjon →
Eposet om amerikansk sivilisasjon
Eposet om amerikansk sivilisasjon dekker veggene i Baker Library ved Dartmouth College Mellom 1932 og 1934 kontrasterte Orozco migrasjoner, erobring, krig, industri og den moderne fremtiden i en bevisst kritisk fortelling. Syklusen nekter den enkle feiringen av fremskritt; heltene er tvetydige, maskinene truende, og historien går videre med mye mindre høflighet enn en offisiell frise.
1883–1949 Se reproduksjon →
Komposisjon med klokke
Komposisjon med klokke stammer fra den kubistiske perioden Diego Rivera, før hans store meksikanske fresker Klokken, gjenstander og fargede planer demonteres deretter rekomponert for å multiplisere synspunktene Tiden blir dermed ett objekt blant andre, fanget i maleriets struktur; en ganske ironisk situasjon for en klokke, vant til å kommandere alle.
1886–1957 Se reproduksjon →
Fargerike plater
I Colorful Discs forfølger Delaunay ideen om at sidestilte farger kan skape sin egen bevegelse. Sirklene overlapper hverandre og reagerer på hverandre uten et eneste senter, og frigjør komposisjonen fra tradisjonelt perspektiv. Denne abstraksjonen født før første verdenskrig vil ha en lang historie innen mote, plakater og dekor: maleri hadde funnet et hjul uten behov for et kjøretøy.
1885–1941 Se reproduksjon →
Sjakkbrettkomposisjon (Gul og svart komposisjon)
Komposisjon på sjakkbrettet organiserer gule, svarte og buede former etter en svært kontrollert spenning Fernand Léger konfronterer regelmessigheten til rutenettet med volumer som ser ut til å ønske å unnslippe, et minne om hans interesse for mekanikk og urbane signaler. Bildet holder sammen gjennom denne duellen mellom orden og bevegelse; sjakkbrettet setter reglene, skjemaene forhandler umiddelbart om noen friheter.
1881–1955 Se reproduksjon →
Konstruksjon
Konstruksjon oppsummerer Alexandra Exters stadige overgang mellom maleri, arkitektur og scenografi Formene virker utskåret, overlagret og deretter satt sammen som elementene i en transportabel dekor Ingenting imiterer virkeligheten direkte, men hver diagonal antyder et dytt eller en nivåendring. Exter komponerer mindre av et bilde enn et potensielt rom, klar til å romme lys, kostyme og bevegelse.
1882–1949 Se reproduksjon →
Dyretes Frue
Dyrenes Frue, malt i 1914, er et av Albert Gleizes' store kubistiske portretter Den elegante figuren, omgitt av husdyr, utfolder seg i brede bilder som bevarer høytideligheten i det verdslige portrettet samtidig som den forstyrrer dets rom Moderniteten sletter verken kjolen eller modellens følgesvenner; det krever ganske enkelt at de deler en mye mer eventyrlig geometri.
1881–1953 Se reproduksjon →
Victoria and Albert Museum - Kuan-Yin
For å kunngjøre en utstilling dedikert til Kuan-Yin på Victoria and Albert Museum, bygde Edward McKnight Kauffer et bilde av en stor økonomi i 1921. Den buddhistiske figuren er isolert, forstørret og innrammet av en klar typografi som etterlater den med sin fulle tilstedeværelse. Plakaten vitner også om datidens vestlige syn på asiatisk kunst; den informerer, forfører og forenkler tre gester som et museum må lære å skille.
1890–1954 Se reproduksjon →
Mount Revard
Mont Revard tilhører jernbaneplakatene som Roger Broders oppfant et umiddelbart gjenkjennelig Frankrike med Savoyardrelieffet er redusert til noen få masser, mens reisende og idrettsanlegg gir omfanget av feriestedet. I 1927 ble vinterturisme et moderne skue: fjellet forble majestetisk, men det ble organisert for å romme tog, ski og godt plassert typografi.
1883–1953 Se reproduksjon →
Monte Carlo
I Monte-Carlo nærmer Louis Icart seg Rivieraen gjennom verdslig eleganse i stedet for det monumentale panoramaet til Roger Broders.Den feminine silhuetten, bevegelsen av klær og fritidsinnredningen forteller historien om et reisemål forbundet med luksus og sosial hastighet. Icart forvandler reklame til en scene for forførelse; Monte-Carlo fremstår mindre som et punkt på kartet enn som en kveld som plakaten nettopp har invitert oss til.
1888–1950 Se reproduksjon →
Pfefferminz Dr Hillers
Pfefferminz Dr Hillers viser reklamevirtuositeten til Jean d'Ylen. Produktet oversettes til umiddelbar sensasjon av en livlig figur, ærlige kontraster og en komposisjon designet for å bli forstått i forbifarten. På 1920-tallet nøyde ikke plakaten seg lenger med å samkjøre et navn og en flaske: den oppfant et lite visuelt teater hvor friskhet fikk en hovedrolle, uten at det krevde en eneste dialoglinje.
1886–1938 Se reproduksjon →
US Marines
US Marines ble opprettet av J.C. Leyendecker under første verdenskrig for å støtte amerikansk rekruttering Sjømannen har den skulpturelle klarheten og tilliten som illustratøren vanligvis gir til sine magasinforsider. Bildet forvandler uniformen til et løfte om karakter og disiplin; dens grafiske effektivitet minner oss om at reklameeleganse også kan tjene et mye mindre lett politisk budskap.
1874–1951 Se reproduksjon →
Theatre des Westens
Theatre des Westens tar opp de spektakulære kodene som Charles Gesmar hadde utviklet rundt Mistinguett og den parisiske musikkhallen Fjær, profil, mørke faste stoffer og blendende farger utgjør en stjerne som er synlig allerede før navnet hans leses. Plakaten transporterer dermed scenens energi ut i gaten: teppet er ennå ikke hevet, men publikum har allerede fått en svært overbevisende inngang.
1900–1928 Se reproduksjon →
Combloux
Combloux kondenserer alpinanlegget til et ansikt til ansikt møte mellom arkitektur, skiløpere og Mont-Blanc-massivet Roger Broders iscenesetter planene med nærmest kartografisk klarhet, men fargen forvandler informasjonen til et ønske om å reise. Plakaten fra 1925 fulgte fremveksten av vintersport og jernbaneturisme; snøen er upåklagelig, en detalj som ekte reisende vil lære å vurdere med en viss overbærenhet.
1883–1953 Se reproduksjon →
Virgil - Den rene silke
Virgil - Den rene silke tilhører Kauffers første plakater, fortsatt nær britisk vortisisme Stoffet er ikke gjengitt av realistisk drapering: skrå linjer og gjentatte former antyder dets fleksibilitet og bevegelse I 1919 demonstrerte kunstneren at et luksusprodukt kan selges gjennom abstraksjon. Silke blir rytme før den blir materiell, noe som hindrer den i å ha den minste fold.
1890–1954 Se reproduksjon →
Sandemans havn
For Sandeman's Port skildrer Jean d'Ylen flasken og vinens service med den gledelige overdrivelsen som er spesifikk for plakaten fra 1930-tallet. Silhuettene og gjenstandene er bestilt rundt merket i et bevisst forenklet rom. Bildet forteller ikke hele historien om port; den tar sikte på øyeblikkelig minne, og beviser at i reklame kan en godt tegnet gest noen ganger fungere mer enn en lang tale.
1886–1938 Se reproduksjon →
Eiffeltårnet
Eiffeltårnet fulgte Robert Delaunay i flere tiår, fra de første kubistiske visjonene til de store dekorasjonene på 1930-tallet Han brettet det, fragmenterte det og fikk det til å se ut mellom bygninger for å uttrykke mindre masse enn momentum. Bygget for verdensutstillingen i 1889, ble tårnet under penselen emblemet til et moderne Paris som hardnakket nektet å forbli rett i rammen.
1885–1941 Se reproduksjon →Color organiserer verden
Avantgardene forsvinner ikke inn i det dekorative: de gir næring til et maleri som søker klarhet, innvirkning og enhet av overflaten.
Mekaniske elementer
Mekaniske elementer hører til øyeblikket hvor Léger løsner hjul, stempler og koblingsstenger fra sin industrielle funksjon. Forstørret og farget blir brikkene aktører i en autonom komposisjon, uten presis fabrikk eller bruksanvisning. Etter å ha opplevd fronten ser maleren en ny visuell grammatikk i maskinen. Den skjuler ikke hardheten, men gir den en tilstedeværelse nesten like robust som en menneskekropp.
1881–1955 Se reproduksjon →
Farbdynamik
Farbdynamik, eller Color Dynamics, transponerer Alexandra Exters forskning på bevegelse til en svært konstruert abstraksjon. De kromatiske planene går frem og trekker seg tilbake i henhold til deres kontraster, og gir overflaten en dybde uten tradisjonelt perspektiv. Produsert i sammenheng med de russiske avantgardene, viser verket hvordan maleri og dekorasjon da kunne dele samme ambisjon: å sette plass i aktivitet.
1882–1949 Se reproduksjon →
Portrett av Ramon Gomez de la Serna
Rivera malte Ramon Gomez de la Serna i Madrid i 1915, i hjertet av hans kubistiske periode.Den spanske forfatteren dukker opp omgitt av bøker og gjenstander knyttet til universet hans, men ansiktet og kostymet hans er omkomponert til fasetter. Dette portrettet av en oppfinner av litterære former møter altså en maler i full eksperimentering; modellen virker nesten like vanskelig å ordne som ideene han publiserte.
1886–1957 Se reproduksjon →
Samtidige vinduer nr. 2
Samtidige Windows nr. 2 tilhører serien fra 1912 hvor Delaunay løser opp utsikten over Paris i farger Eiffeltårnet kan sees midt i gjennomsiktige bilder, som sett gjennom flere vinduer og flere øyeblikk samtidig Guillaume Apollinaire anerkjente det som et "orfisk" maleri: en abstraksjon fortsatt knyttet til verden, men allerede fast bestemt på å få sine egne kontraster til å synge.
1885–1941 Se reproduksjon →
Komposisjon med karakter
Komposisjon med karakter viser hvordan Léger bringer menneskefiguren tilbake til språket sitt etter krigens nesten helt mekaniske malerier. Kroppen er konstruert av avrundede volumer, svarte og flate konturer som gir den stabiliteten til en produsert gjenstand. Denne tilsynelatende kulden sletter ikke emnet; den tilbyr en menneskelighet gitt til den moderne byen, solid, lesbar og svært lite fokusert på dampende positurer.
1881–1955 Se reproduksjon →
Portrett av Igor Stravinsky
I Igor Stravinskys Portrett møter Gleizes en komponist som deretter forstyrrer den europeiske musikkrytmen Ansiktet, kostymet og rommet er ordnet i bilder som unngår naturalistisk illusjon uten å miste modellens identitet. Portrettet bringer dermed to samtidige undersøkelser om struktur i dialog: den ene arbeider med fargerike former, den andre med lyder, og begge er på vakt mot altfor komfortable vaner.
1881–1953 Se reproduksjon →
Kubist naken
Kubistisk naken stammer fra årene da Alexandra Exter oppdaget forskningen til Picasso og Braque i Paris samtidig som den beholdt en lysere farge Kroppen er ikke formet av skygge; den er fordelt i overflater som endrer orientering Denne konstruksjonen opphever ikke sensualiteten, den beveger den mot konturrytmen. Modellen har mindre positur enn den forhandler med en spesielt driftig geometri.
1882–1949 Se reproduksjon →
Løperne
Les Coureurs gjenspeiler Delaunays fascinasjon for moderne sport, allerede til stede i maleriene hans viet fotball. Kroppene gjentar, overlapper og reagerer på hverandre som påfølgende faser av samme bevegelse. Sporet blir en rytmeenhet like mye som et konkurransested. Delaunay utpeker ikke vinneren tydelig; fargen, som startet veldig raskt, ser ut til å ha tatt flere skritt fremover.
1885–1941 Se reproduksjon →
Slepebåten
Slepebåten tilhører verkene der Fernand Léger forvandler havner, røyk og maskiner til et monumentalt skue Skroget, skorsteinene og mekaniske elementer forenkles til de blir nesten selvstendige volumer. Det lille skipet som er ansvarlig for å flytte de store får dermed uventet kraft. I denne malte moderniteten kan til og med et serviceverktøy komme inn i bildet med forsikring om et lokomotiv.
1881–1955 Se reproduksjon →
Kubo-Futuristische Komposisjon (Hafen)
Kubo-Futuristische Komposition (Hafen) fremkaller en havn uten å gi et beskrivende syn. Exter fragmenterer master, kaier, bygninger og sirkulasjon til skråplan som gjør aktiviteten til stedet følt. Kubismen gir den struktur, futurismen gir momentum; farge sikrer at det hele aldri ligner en enkel teoretisk øvelse. Havnen blir en fortettet by, med umiddelbare avganger, men geometrisk bagasje.
1882–1949 Se reproduksjon →
Sirkulære former, Måne nr. 1
Sirkulære former, Moon No. 1 tilhører syklusen av solen og månen startet av Delaunay i 1912-1913. skivene kontrast varme og kalde farger for å produsere en vibrasjon som erstatter enhver historie Kunstneren leter etter et maleri i stand til å eksistere gjennom sine kromatiske relasjoner alene. Tittelen beholder en kobling til himmelen, men stjernen som er representert har allerede forlatt astronomien for å bli med i et lyslaboratorium.
1885–1941 Se reproduksjon →
Bylandskap. Sammensetning
I Urban Landscape.Composition, Alexandra Exter gjør byen til en stabel av retninger snarere enn en justering av fasader Formene antyder gater, skilt og bygninger uten å være festet i topografisk visning Malt under årene med krig og revolusjon, fremstår denne byen ustabil, men intenst levende. Exter gir ikke en plan for å orientere seg der; hun foretrekker å formidle følelsen av å gå videre.
1882–1949 Se reproduksjon →
Ikke-objektiv sammensetning
Ikke-objektiv komposisjon markerer oppgivelsen av det gjenkjennelige motivet til fordel for rene forhold mellom former og farger, I 1917 deltok Exter fullt ut i avantgarde-debattene om en kunst som er i stand til å forvandle dagliglivet, fra maleri til teater Planene ser ut til å kunne bli en vegg, et kostyme eller et signal. Arbeidet representerer ikke noe spesifikt, som på ingen måte hindrer det i å ha mye aktivitet å organisere.
1882–1949 Se reproduksjon →
Musiker (Florent Schmitt)
Musiker (Florent Schmitt) forbinder portrettet av den franske komponisten med den kubistiske konstruksjonen av Gleizes. Instrumentet, hendene og ansiktet er ikke beskrevet fra et enkelt synspunkt; de er fordelt i en rytme av bilder som gjenspeiler den musikalske tilstedeværelsen. Maleriet søker ikke å gjøre et bestemt verk hørt. Snarere viser det hvordan en musiker bor i verdensrommet, selv når han har bestemt seg for å endre mål.
1881–1953 Se reproduksjon →
Byen Paris
Byen Paris ble presentert på Salon des Indépendants i 1912, hvor dens monumentale format krevde Delaunays samtidige forskning.De tre nådene, Seinen og Eiffeltårnet samler klassisk tradisjon og moderne metropol i en eksplodert komposisjon.Paris har flere epoker der samtidig; en praktisk bragd for en by som allerede hadde mye trafikk å styre.
1885–1941 Se reproduksjon →
Slepebåtdekket
Tugboat Bridge tar opp havneuniverset som Léger utforsket rundt 1920. Bridge, kabler, skrog og røyk er fordelt i klare masser som gjør konstruksjonen nesten lesbar uten å slavisk beskrive den.Kunstneren behandler infrastrukturen som et monumentalt stilleben: hvert stykke har sin vekt, farge og funksjon i generell balanse. Havnen fungerer, og maler med den.
1881–1955 Se reproduksjon →
Venezia
Venezia blir ikke en rekke nøye innrettede palasser for Alexandra Exter Byen, kjent under sine italienske opphold, rekonstrueres til fasetter der vann, fasader og båtbevegelser trenger inn i hverandre Fargen beholder noe av lagunelyset, mens diagonalene avverger enhver pittoresk hvile. Selv Serenissima kan akselerere når en cubo-futurist holder børsten.
1882–1949 Se reproduksjon →
N° 9, spansk stilleben
Nr 9, Spanish Still Life tilhører Riveras periode i Spania under første verdenskrig. Gitar, frukt, papirer og kjente gjenstander er rekomponert i henhold til den kubistiske syntaksen som han deretter delte med den parisiske avantgarden. Tittelnummeret fremhever serieverket, nesten eksperimentelt. Før folkemengdene av meksikanske fresker, lærer Rivera her hvordan man passer en hel plass på et bord.
1886–1957 Se reproduksjon →
Sol, tårn, fly
Soleil, Tour, Avion samler tre emblemer kjære for Delaunay: lys, Paris og erobringen av himmelen Flyet og Eiffeltårnet er ikke beskrevet nøyaktig; de graviterer blant fargerike skiver som gir moderniteten en kosmisk rytme Rundt 1913 var luftfarten fortsatt et nylig eventyr.I maleriet virker hun allerede trygg nok til å dele solens bane.
1885–1941 Se reproduksjon →
Menton
Menton viser hvordan Roger Broders selger Elfenbenskysten uten å rote plakaten med detaljer Gamlebyen, vegetasjonen og Middelhavet er ordnet i flate områder, synlig langveisfra på en stasjonsplattform Det virkelige landskapet blir et grafisk løfte om klima og flukt Broders garanterer verken vanntemperaturen eller punktligheten til toget, men himmelen gir ikke rom for tvil.
1883–1953 Se reproduksjon →Diffusjoner, preludier og arv
Fra fin-de-siecle dekker til amerikanske landskap på 1930-tallet, er stilen også forstått av hva som forbereder den, følger den og overlever den.
Harper's Bazar, februar 1916
Dette Harper's Bazar-omslaget fra februar 1916 tilhører den raffinerte verdenen til George Barbier, hvor mote, teater og illustrasjon deler den samme lineære elegansen. Kvinnefiguren behandles som en dekorativ silhuett, omgitt av motiver som fremkaller både scenen og klærne. Barbier forvandler magasinet til et begjærsobjekt allerede før første side; kiosken blir et lite, meget godt kledd galleri.
1882–1932 Se reproduksjon →
Århundret, august
The Century, August stammer fra J.C. Leyendeckers debut i amerikansk plakat og illustrasjon Figuren, tegnet med nesten skulpturell presisjon, må tiltrekke øyet og deretter føre umiddelbart til tittelen på magasinet Laget i 1896, går bildet foran Art Deco men kunngjør allerede sin smak for en klar silhuett og rask kommunikasjon. Århundret hadde ikke begynt, reklamen gjentok seg allerede.
1874–1951 Se reproduksjon →
Innlandsskriveren, september
For The Inland Printer i september 1896 snakket Leyendecker direkte til trykkeriverdenen som skulle spre karrieren hans. Plakaten kombinerer idealisert figur, fast kontur og typografi i en komposisjon designet for reproduksjon. Den tilhører fortsatt slutten av 1800-tallet, men dens grafiske klarhet forbereder fremtidige forenklinger. En ung illustratør viser allerede at han kjenner sitt første publikum perfekt.
1874–1951 Se reproduksjon →
Firenze
Florence tilhører reiseplakatene hvor Roger Broders forvandler en hel by til noen få avgjørende tegn Arkitektur, toskansk landskap og varmt lys prioriteres for å tilby et umiddelbart minneverdig reisemål Plakaten fra 1921 hevder ikke å erstatte guiden: den provoserer ønsket om å åpne den. Florence får upåklagelig geometri, et privilegium som selv de virkelige gatene ikke alltid gir.
1883–1953 Se reproduksjon →
Alperuten
Route des Alpes fulgte fremveksten av biler og panoramaturisme på 1920-tallet Broders kontrasterte litenheten av kjøretøyet med omfanget av relieffene, og brukte deretter kurvene på veien for å trekke øyet inn i bildet Moderne reiser her lover tilgang til monumental natur. Fjellet beholder sin storhet, men det aksepterer nå at en bil trekker en linje for det i landskapet.
1883–1953 Se reproduksjon →
På Brooklyn Bridge
På Brooklyn Bridge ble født fra Albert Gleizes opphold i New York under første verdenskrig Kabler, buer, sirkulasjon og bygninger er rekomponert etter en rytme som gjør broen til en opplevelse mer enn en arkitektonisk undersøkelse Monumentet forbinder to banker samtidig som det symboliserer amerikansk teknisk kraft. Gleizes legger til en tredje funksjon: å støtte en kubistisk komposisjon uten å be om den minste toll.
1881–1953 Se reproduksjon →
Italiensk by ved sjøen
Italiensk kystby samler flere reiseminner ved Exter fremfor et nøyaktig identifisert sted Hus, skråning, land og lys er fordelt i fargesterke fly som gjør at utsikten over havnen beveger seg mot høydene I 1917 forble landskapet gjenkjennelig mens det grenset til abstraksjon. Byen virker bygget for maling, med overraskende samarbeidsvillige gater.
1882–1949 Se reproduksjon →
De tre vinduene, tårnet og hjulet
De tre vinduene, tårnet og hjulet legger flere utsikter over Paris på samme overflate Delaunay kombinerer Eiffeltårnet og pariserhjulet med fargerike bånd som fungerer som vinduer, refleksjoner eller tidsfragmenter Malet i 1912 gjør verket metropolen til et samtidig skue Å se gjennom et enkelt vindu ville vært altfor rimelig for dette programmet.
1885–1941 Se reproduksjon →
Propell
Hélice tar opp et motiv som legemliggjør fart, luftfart og moderne rotasjon for Delaunay. Bladene er ikke isolert som et teknisk stykke: de utløser en sirkulasjon av former og farger gjennom hele lerretet. På 1920-tallet vendte kunstneren tilbake til førkrigssymboler med en mer raffinert komposisjon. Maskinen flyr ikke, men bevegelsen har allerede vunnet bordet.
1885–1941 Se reproduksjon →
Sirkulære former. Sol, måne
Sirkulære former Sol, Måne motsetter seg to store skiver hvis varme og kalde farger reagerer på hverandre Produsert på abstraksjonsterskelen beskriver verket verken stigende eller presis natt; det forvandler stjernene til kromatiske forhold.Delaunay søker et lys produsert av maleriet selv. Solen og månen kan derfor dukke opp sammen, en betydelig fordel med et univers som ikke lenger er avhengig av himmelplaner.
1885–1941 Se reproduksjon →
Prisen på Astor Cup (Flaggene)
Astor Cup-prisen, også kalt The Flags, er inspirert av skuespillet til amerikanske billøp og deres reklamemiljø Gleizes blander vimpler, stands, fart og urbane skilt i en komposisjon der arrangementet blir kollektiv rytme. Emnet oppsummerer det industrielle Amerika som ble oppdaget under krigen: motor, folkemengde og farge går videre sammen, med liten interesse for fortsatt kontemplasjon.
1881–1953 Se reproduksjon →
Rytme nr. 2, dekorasjon for Tuileries-showet
Rythme nr. 2 ble designet i 1938 som en forlengelse av de store dekorasjonene som Delaunay skapte for parisiske utstillinger. De fargede skivene er forstørret til å bli interiørarkitektur, i stand til å livne opp en stue uten å fortelle en historie. Denne sene abstraksjonen beholder farten til forskningen fra 1912, men får et nytt dekorativt omfang. Veggen fungerer ikke lenger som bakgrunn; det går virkelig inn i komposisjonen.
1885–1941 Se reproduksjon →
Fabrikkene
Fabrikkene tilhører serien malt av Léger på slutten av første verdenskrig Skorsteiner, rammer og mekaniske fragmenter passer inn i en tett konstruksjon hvor industrirommet blir nesten abstrakt. Maleriet viser verken eier eller presis produksjon; den fokuserer på det visuelle sjokket av strukturer. Fabrikken ser ut til å være landskapet i moderne tid, med flere stempler og betydelig færre gjetere.
1881–1955 Se reproduksjon →
Rytme, livsglede
Rytme, livsglede tok opp samtidige plater i et lysende og ekspansivt område rundt 1930. delaunay gjør abstraksjon til en fysisk opplevelse: øyet går fra en sirkel til en annen, akselererer og bremser deretter ned i henhold til kontraster Tittelen antar denne lykkelige energien, langt fra tørr geometri Her har formene veldig presise regler, men de ser ut til å bruke dem mens de danser.
1885–1941 Se reproduksjon →
Komposisjon (1920)
Komposisjon fra 1920 hører til perioden da Fernand Léger stabiliserte etterkrigstidens kolliderende volumer Sylindre, flate områder og svarte konturer er fordelt med en klarhet som bringer lerretet nærmere veggdekorasjonen. Emnet betyr mindre enn overensstemmelsen mellom former, men minnet om maskinen forblir tilstede. Léger konstruerer et bilde like robust som et industriobjekt, og gir det farger som ingen fabrikk ville ha våget å bestille.
1881–1955 Se reproduksjon →
Scenografi for Cleopatra
Scenografien for Kleopatra minner om betydningen av Ballets Russes og teater i spredningen av et moderne dekorativt språk Delaunay forestiller seg kostymer, arkitektur og lys som deler av samme forestilling, uten å lete etter et arkeologisk klokt Egypt. Den eldgamle myten mottar fargene og rytmene til avantgarden. Cleopatra hadde allerede opplevd mange iscenesettelser; dette gir ham en ærlig samtidig oppføring.
1885–1941 Se reproduksjon →
Sammensetning på rød bakgrunn
Komposisjon på rød bakgrunn bruker farge som en ekte struktur fremfor bare bakgrunn Légers mekaniske og organiske former skiller seg ut med plakatklarhet, for så å balansere hverandre med sine respektive vekter.På slutten av 1920-tallet passet denne klarheten både til lerretet og den store dekoren. Det røde kunngjør opptoget, volumene sørger for at det står oppreist.
1881–1955 Se reproduksjon →
Amerikansk gotisk
American Gothic ble malt i 1930 etter at Grant Wood la merke til et gotisk vekkelseshus i Eldon, Iowa. Han poserer søsteren og tannlegen sin som en datter og faren, foran det berømte spisse vinduet. Wood beundrer presisjonen til de flamske primitivene, og konstruerer et amerikansk bilde som igjen har blitt hyllest, satire og ikon. Gaffelen har siden den gang sannsynligvis hatt den beste agenten i hele bygdehistorien.
1891–1942 Se reproduksjon →
Revolusjonens døtre
Daughters of Revolution reagerer ironisk på kritikk av Wood fra det patriotiske samfunnet som hadde utfordret et glassmaleri laget med tysk glass. Tre medlemmer av Daughters of the American Revolution poserer foran en reproduksjon av Washington Crossing the Delaware. Maleriet ble malt i 1932 og kontrasterer deres alvorlige ansikter med den heroiske fortellingen bak dem; satiren forblir høflig, noe som gjør den enda mer presis.
1891–1942 Se reproduksjon →
Stone City, Iowa
Stone City, Iowa ble malt i 1930, da Grant Wood utviklet amerikansk regionalisme Åser, jorder, veier og hus er forenklet til ordnede kurver som gir landskapet en nesten dekorativ klarhet. Den virkelige byen hadde gått ned etter nedleggelsen av steinbruddene; Wood tilbyr det et annet billedliv. I denne kampanjen ser det ut til at selv trærne har gjentatt plasseringen før økten.
1891–1942 Se reproduksjon →Historisk kontekst
Paris 1925, den gang et verdensspråk
1925-utstillingen skapte ikke stilen alene, men ga den en internasjonal scene. Paviljonger, butikker, stoffer, møbler, smykker, malerier og dekorasjoner bekrefter at moderne kunst kan være luksuriøs uten å kopiere historiske stiler. Kubismen er myknet, ornamentdisiplinert, materiale dyrebart og silhuett forenklet.
I maleriet sirkulerer denne moderniteten mellom flere poler Delaunay får farger til å vibrere med Eiffeltårnet, fly og plater; Léger monumentaliserer maskinen og vanlige gjenstander; Exter gjør scenen til et konstruktivistisk rom; Rivera og Orozco gir fresken en politisk og arkitektonisk betydning; Demuth og Wadsworth oversetter industribyen til spesifikke skilt.
Plakaten er kanskje det mest direkte laboratoriet Broders reduserer fjell og kystlinjer til store områder; Kauffer påfører avantgardeenergi til Londons undergrunnsbane; Gesmar skaper den visuelle tilstedeværelsen av stjerner; d'Ylen forvandler produkter og merkevarer til karakterer Typografi blir da en form like aktiv som et ansikt eller et landskap.
Denne historien har også sine spenninger. Elegansen til rutebåter og turistdestinasjoner følger med en ulik økonomi; interessen for Afrika, Asia og Amerika involverer ofte bevilgninger og stereotypier; feiringen av maskinen eksisterer side om side med krig og krise. Å lese Art Deco i dag krever å holde sammen sin oppfinnelseskraft og de historiske strukturene som gjorde det mulig.
Kubisme, futurisme og Ballets Russes fornyer former, farger og dekorasjoner.
Mani etter det gamle Egypt gir næring til en luksuriøs og stilisert geometri.
Moderne dekorativ kunst får en avgjørende internasjonal scene.
Jernbane, bil og luftfart akselererer veksten av turistplakater.
Stilen vinner terreng i skyskrapere, kinoer, linjeskip og store offentlige omgivelser.
Krigen avslutter den klassiske bevegelsesalderen, hvis vokabular vil fortsette å sirkulere.
Seks områder
Hvor å gjenkjenne Art Deco
Plakat
Bilde, bokstav og merke kommer sammen i en komposisjon designet for gaten.
Maleri
Farge og geometri gjenspeiler hastighet, byen og den nye materielle kulturen.
Scene
Magasiner, dans og sett forvandler kroppen til en spektakulær silhuett.
Reise
Fjell, hav og storby blir reisemål bygget av flat.
Monument
Fresker og store formater skriver inn moderne historie i arkitekturen.
Edition
Omslag og magasiner sprer stilens eleganse i masseskala.
Ofte stilte spørsmål
Forstå Art Deco
Noen benchmarks for å skille stilen, dens kronologi og valgene av klassifiseringen.
Hva er forskjellen mellom Art Nouveau og Art Deco?
Art Nouveau favoriserer ofte plantelinje, asymmetri og organisk kontinuitet Art Deco forenkler former ytterligere, elsker geometri, frank kontraster, dyrebare materialer og tegn på moderne liv.
Hvorfor er 1925 en så viktig dato?
Paris International Exhibition gir global synlighet til moderne dekorativ kunst Det markerer verken en absolutt begynnelse eller en perfekt enhet, men det samler tidligere spredte trender.
Hvorfor inneholder rangeringen plakater?
Fordi plakaten er et av bevegelsens store oppfinnelsessteder Den forener farger, typografi, silhuett, mote, skuespill og bytrafikk; å ekskludere det ville gi en kunstig snever visjon av Art Deco.
Er verk før 1925 virkelig Art Deco?
Noen er preludier De er med når de finner opp et grafisk hierarki, en silhuett eller en forenkling som vil være avgjørende på 1920-tallet Det siste kapittelet skiller disse kildene eksplisitt fra stilens historiske hjerte.
Hvorfor finner vi Rivera, Orozco eller Grant Wood på denne banen?
Klassifiseringen følger internasjonale sirkulasjoner av muralisme, amerikansk presisjon og stilisert monumentalitet Disse kunstnerne er ikke begrenset til Art Deco, men noen av deres arbeider kaster lys over utvekslingen med arkitektur, maskiner og offentlig kultur.
Inneholder klassifiseringen forberedende tegninger eller bilder av objekter?
Nr Forberedende tegninger, linjestudier, fotografier av gjenstander, ødelagte bilder og duplikater er forkastet Korpuset samler malerier og gjennomførte grafiske arbeider, hovedsakelig litografiske plakater.
Henviser de hundre knappene til forskjellige kort?
Ja. Hvert kort bruker et eget bilde, Shopify-oppføring og lenke. Bildene ble visuelt sjekket etter at de ble lagt ut på nettet.
Konklusjon
En modernitet laget for å bli sett
Art Deco har vært i stand til å forvandle leksjonen fra avantgardene til et offentlig språk: klart uten å være fattig, luksuriøst uten å gi avkall på struktur, dekorativt uten å slutte å tenke på byen, kroppen og maskinen. Disse hundre verkene viser en multippel stil, krysset av skuespill, handel, reiser, politikk og ønsket om å gi nåtiden en uforglemmelig silhuett.
Utforsk kjente malerier
0 commentaire