Topp 100 - Fauvisme
Fauvisme: 100 kjente malerier hvor farge våger alt
Matisse, Derain, Dufy, Marquet og deres følgesvenner: et maleri som tar bort fargens slips og til slutt lar ham velge antrekket sitt.
Fauvismen vokste frem som en utflod av farge på begynnelsen av 1900-tallet Her brukes ikke farge bare til å fylle former: den leder samtalen, noen ganger med albuer på bordet.
Farge fjerner bremsen
Hundre malerier, ikke noe ønske om å hviske
Fauvismen henter sin energi fra en veldig direkte frihet: kunstnere slutter å spørre farger for saktmodig å etterligne verden En himmel kan bli rosa, en skyggegrønn, et nesten glødende ansikt Maleriet søker ikke lenger bare likhet; hun søker intensitet Det er mindre lurt, mye mer livlig, og ærlig talt bedre for å vekke en lei vegg.
Ville dyr maler ikke et tre grønt fordi det er grønt: de velger fargen som er i stand til å bringe hele bildet til live. Treet kommer seg generelt veldig bra.Bytt til bilder
Fungerer i bilder
Matisse, Derain, Friesz, Manguin, Dufy og Marquet okkuperer endelig fronten av rangeringen med verkene som virkelig definerer bevegelsen.
#1
Luksus, ro og vellystighet
I "Luksus, ro og vellystighet" organiserer Henri Matisse motivet uten å redusere det til et påskudd; blikket sirkulerer mellom struktur, materiale og små uttrykksfulle hull For "Luksus, ro og vellystighet" av Henri Matisse kan komposisjonen leses i etapper: først mønsteret, så massene, så lyspassasjene som gir maleriet dets sanne tempo. "Luksus, ro og vellystighet" av Henri Matisse bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det er det ikke kom bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#2
Kvinne i hatt
I "Woman in the Hat" etablerer Henri Matisse en diskret spenning fra første øyekast; blikket sirkulerer mellom struktur, materiale og små uttrykksfulle hull. For "Woman in the Hat" av Henri Matisse, på bildets skala, denne singulariteten betyr mye: den unngår den utskiftbare mønstereffekten, denne store sykdommen med for ivrige blikk. I "Woman in the Hat" av Henri Matisse lar det menneskelige subjektet oss følge Henri Matisse så nær en som mulig tilstedeværelse som ser, leser, venter eller holder seg på avstand Vi kan elske "Woman in the Hat" for sin ro eller sin glans, men antrekket kommer hovedsakelig fra måten Henri Matisse organiserer utseendet på.
Oppdag →
#3
Den grønne strålen
I "Den grønne strålen" konstruerer Henri Matisse en scene med en umiddelbart følsom karakter; blikket sirkulerer mellom struktur, materiale og små uttrykksfulle hull. For "Den grønne strålen" av Henri Matisse, på bildets skala, dette singularitet betyr mye: den unngår den utskiftbare mønstereffekten, denne store sykdommen med for ivrige blikk I "Den grønne strålen" av Henri Matisse, her, begynner lesningen med motivet, for så å bevege seg mot lyset og generell balanse; det er ofte her maleriet får sin karakter. Vi kan elske "The Green Ray" for sin ro eller sin glans, men grepet kommer hovedsakelig fra måten Henri Matisse organiserer utseendet på.
Oppdag →
#4
Lykken ved å leve
I "Lykken ved å leve" beveger Henri Matisse et konkret motiv mot et mer tvetydig bilde; massene gir komposisjonen dens indre rytme For "Lykken ved å leve" av Henri Matisse søker maleriet ikke bare å vær pen; det dokumenterer en måte å se på, som er mye mer solid enn en ganske udokumentert tåke. I "Le Bonheur de vivre" av Henri Matisse gir dette maleriet et enkelt, men nyttig referansepunkt: et klart mønster, en atmosfære rent og en måte å drive øyet på uten å lage store vindmøller Interessen for "Le Bonheur de vivre" av Henri Matisse ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer blikkets rytme og nekter å bli en formel kopiert.
Oppdag →
#5
Vinduet er åpent, Collioure
I "Open Window, Collioure" forvandler Henri Matisse positur eller gest til ekte arkitektur; diagonalene gir motivet en energi som ikke holder på plass. For "Open Window, Collioure" av Henri Matisse, den tableau prøver ikke bare å være pen; den dokumenterer en måte å se på, som er mye mer solid enn en ganske udokumentert tåke. I "Open Window, Collioure" av Henri Matisse, her, begynner lesingen med emnet, beveger seg da mot lys og generell balanse; det er ofte her maleriet får sin karakter Interessen for "Open Window, Collioure" hos Henri Matisse ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer rytmen til se og nekte å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#6
Westminster Bridge
I "The Westminster Bridge" tar André Derain utgangspunkt i et tydelig identifisert emne; diagonalene gir motivet en energi som ikke holder seg.For "The Westminster Bridge" av André Derain finner øyet en grunn presis å bremse: en linje, en bank, en profil eller en kontrast som gir maleriet sin lille autoritet. I "The Bridge of Westminster" av André Derain gir det arkitektoniske landemerket maleriet en ryggrad: monument, bro, landsby eller hus stabiliserer komposisjonen og forhindrer den vage tåkeeffekten. "The Westminster Bridge" av André Derain bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vindu.
Oppdag →
#7
Big Ben
I "Big Ben" forvandler André Derain positur eller gest til ekte arkitektur; konturene veksler presisjon og frihet med en vakker aplomb. For "Big Ben" av André Derain, på bildets skala, teller denne singulariteten mye: det unngår den utskiftbare mønstervirkningen, denne store sykdommen med for ivrige blikk I "Big Ben" av André Derain kommer den første interessen fra selve motivet: det gir leseren et konkret grep før den forlater det farge, lys og detaljer gjør resten Interessen til "Big Ben" i André Derain ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer blikkets rytme og nekter å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#8
Havnen Antwerpen
I "The Port of Antwerp" leder Othon Friesz øyet gjennom en rekke perfekt synlige avgjørelser; synspunktet forvandler en kjent observasjon til en varig overraskelse. For "The Port of Antwerp" av Othon Friesz er komposisjonen leser i etapper: først mønsteret, så massene, så lyspassasjene som gir maleriet dets sanne tempo. I "The Port of Antwerp" av Othon Friesz lar dette konstruerte motivet oss måle hånden til Othon Friesz: vi må gjøre hold linjene, lyset og atmosfæren uten å forvandle stedet til et enkelt dokument. "The Port of Antwerp" av Othon Friesz bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vindu.
Oppdag →
#9
The Nap
I "La Sieste" konstruerer Henri Manguin en scene med en umiddelbart følsom karakter; tegningen opprettholder helheten mens atmosfæren tar seg noen friheter For "La Sieste" av Henri Manguin søker ikke maleriet bare for å være pen; den dokumenterer en måte å se på, som er mye mer solid enn en ganske udokumentert tåke. Vi kan elske "La Sieste" for dens ro eller glans, men grepet kommer hovedsakelig fra måten Henri Manguin organiser utseendet.
Oppdag →
#10
La Ciotat
I "La Ciotat" gir Othon Friesz blikket et klart inngangspunkt; den malte overflaten beholder en spenning som motivet alene ikke ville forklare. For "La Ciotat" av Othon Friesz søker maleriet ikke bare å være pent; han dokumenterer en måte å se på, som er mye sterkere enn en ganske udokumentert tåke. I "La Ciotat" av Othon Friesz er dette verket like verdifullt for sitt presise motiv som for sitt lys og sin atmosfære; hun er ikke der for fyll ut en boks: den tilfører kurset en identifiserbar nyanse Interessen til "La Ciotat" i Othon Friesz ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer blikkets rytme og nekter å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#11
Pavois-gaten
I "La Rue Pavoisée" velger Raoul Dufy en spesifikk situasjon og skyver den utover anekdoten; diagonalene gir motivet en energi som ikke holder seg. For "La Rue Pavoisée" av Raoul Dufy kommer styrken fra mindre enn én et glansstrøk med balanse: nok struktur til å lede øyet, nok pust til å la scenen leve I "La Rue Pavoisée" av Raoul Dufy er dette verket like verdifullt for sitt presise motiv som for sitt lys og lyd atmosfære; den er ikke der for å fylle en boks: den tilfører ruten en identifiserbar nyanse. "La Rue Pavoisée" av Raoul Dufy opprettholder dermed en klar visuell identitet, uten å trenge en stor retorisk effekt for å formidle den interessant.
Oppdag →
#12
Quai du Louvre
I "Le Quai du Louvre" organiserer Albert Marquet motivet uten å redusere det til et påskudd; kontrasten organiserer scenen allerede før vi leser detaljene For "Le Quai du Louvre" av Albert Marquet finner øyet en grunn presis å bremse ned: en linje, en bank, en profil eller en kontrast som gir maleriet sin lille autoritet. I "Le Quai du Louvre" av Albert Marquet gir det arkitektoniske landemerket maleriet en ryggrad: monument, bro, landsby eller hus stabilisere komposisjonen og hindre den vage tåke effekten. "Le Quai du Louvre" av Albert Marquet bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#13
Dansen
I "La Danse" organiserer Henri Matisse motivet uten å redusere det til et påskudd; diagonalene gir motivet en energi som ikke holder For "La Danse" av Henri Matisse finner øyet en presis grunn til å bremse: en linje, en bank, en profil eller en kontrast som gir maleriet sin lille autoritet I "La Danse" av Henri Matisse unngår maleriet anonymitet fordi det bærer et gjenkjennelig motiv; lys, innramming og materiale gi så sin egen personlighet. "La Danse" av Henri Matisse bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#14
Den røde vognen
I "La Desserte rouge" organiserer Henri Matisse motivet uten å redusere det til et påskudd; tegningen opprettholder helheten mens stemningen tar seg noen friheter For "La Desserte rouge" av Henri Matisse kan komposisjonen leses i etapper: først mønsteret, så massene, så lyspassasjene som gir maleriet dets sanne tempo I "La Desserte rouge" av Henri Matisse, her, begynner lesingen med motivet, for så å bevege seg mot lyset og generell balanse; det er ofte her maleriet får sin karakter. "La Desserte rouge" av Henri Matisse bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#15
Musikk
I "La Musique" setter Henri Matisse motivet på prøve av en svært personlig innramming; billedmaterialet gir vekt til de roligste områdene For "La Musique" av Henri Matisse søker maleriet ikke bare å være pen; det dokumenterer en måte å se på, som er mye mer solid enn en ganske udokumentert tåke I "La Musique" av Henri Matisse unngår maleriet anonymitet fordi det bærer et gjenkjennelig motiv; lys, innramming og materialet gir den da sin egen personlighet Interessen til "La Musique" i Henri Matisse ligger i denne konkrete forskjellen: subjektet endrer blikkets rytme og nekter å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#16
Blå naken (minne om Biskra)
I "Nu bleu (minne om Biskra)" leder Henri Matisse øyet gjennom en rekke perfekt synlige avgjørelser; tegningen opprettholder helheten mens atmosfæren tar seg noen friheter. For "Nu bleu (minne om Biskra)" av Henri Matisse, komposisjonen leses i etapper: først motivet, deretter massene, deretter lyspassasjene som gir maleriet dets sanne tempo. I "Nude bleu (memory of Biskra)" av Henri Matisse fungerer tittelen som en liten startvarsel: det kunngjør et motiv, en situasjon eller en tilstedeværelse som maleriet deretter forvandles til en visuell opplevelse. "Blå naken (minne om Biskra)" av Henri Matisse bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men hun kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#17
Fjell i Collioure
I "Montagnes à Collioure" setter André Derain motivet på prøve av en svært personlig innramming; billedmaterialet legger vekt på de roligste områdene. For "Montagnes à Collioure" av André Derain søker ikke maleriet ikke bare for å være pen; den dokumenterer en måte å se på, som er mye mer solid enn en ganske udokumentert tåke. I "Montagnes à Collioure" av André Derain, her, begynner lesingen med emnet, og beveger seg deretter mot lys og generell balanse; det er ofte her maleriet får sin karakter Interessen for "Montagnes à Collioure" i André Derain ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer blikkets rytme og nekter å bli det formel kopiert.
Oppdag →
#18
Båter i Collioure
I "Bateaux à Collioure" beholder André Derain et øyeblikk hvis maleri forlenger varigheten; tomrommene teller like mye som figurene og unngår enhver tyngde. For "Bateaux à Collioure" av André Derain kan komposisjonen leses av stadier: først motivet, så massene, så lyspassasjene som gir maleriet dets sanne tempo. I "Bateaux à Collioure" av André Derain er dette verket like verdifullt for sitt presise motiv som for sitt lys og lyd atmosfære; den er ikke der for å fylle en boks: den tilfører kurset en identifiserbar nyanse. "Bateaux à Collioure" av André Derain opprettholder dermed en klar visuell identitet, uten behov for en stor retorisk effekt for gjøre interessant.
Oppdag →
#19
Havnen i Collioure
I "The Port of Collioure" forvandler André Derain positur eller gest til ekte arkitektur; synspunktet forvandler en kjent observasjon til en varig overraskelse. For "The Port of Collioure" av André Derain gjør ikke maleriet det ikke bare ute etter å se pen ut; den dokumenterer en måte å se på, som er mye mer solid enn en ganske udokumentert tåke. I "The Port of Collioure" av André Derain gir arkitektur nyttig presisjon; hun gir til se på et støttepunkt, mens maleriet beholder sin andel av fleksibilitet Interessen for "The Port of Collioure" av André Derain ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer blikkets rytme og nekter å bli en formel kopiert.
Oppdag →
#20
Takene til Collioure
I "Les Toits de Collioure" gjør Henri Matisse motivet til en visuell hendelse snarere enn en enkel etikett; blikket sirkulerer mellom struktur, materiale og små uttrykksfulle hull. For "Les Toits de Collioure" av Henri Matisse, den styrke kommer mindre fra et utbrudd av glans enn fra balanse: nok struktur til å lede øyet, nok pust til å la scenen leve. "Les Toits de Collioure" av Henri Matisse bringer sin egen stemning til reisen; lerretet pust, men hun kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#21
Utsikt over Collioure
I "Vue de Collioure" beholder Henri Matisse et øyeblikk hvis maleri forlenger varigheten; synspunktet forvandler en kjent observasjon til en varig overraskelse. For "Vue de Collioure" av Henri Matisse finner øyet en nøyaktig grunn til å bremse: en linje, en bank, en profil eller en kontrast som gir maleriet sin lille autoritet. I "Vue de Collioure" av Henri Matisse gir dette maleriet et enkelt, men nyttig referansepunkt: et tydelig motiv, en ren atmosfære og en måte å drive øyet på uten å lage store sneller. "Vue de Collioure" av Henri Matisse opprettholder dermed en klar visuell identitet, uten å trenge en stor retorisk effekt for å gjøre den interessant.
Oppdag →
#22
Havnen i Marseille
I "The Port of Marseille" gir Albert Marquet hverdagen en tetthet som han ikke hadde bedt om; innrammingen strammer det som virkelig fortjener oppmerksomhet I "The Port of Marseille" av Albert Marquet gir arkitekturen nyttig presisjon; det gir øyet et støttepunkt, mens maleriet beholder sin del av fleksibiliteten. Vi kan elske "Le Port de Marseille" for sin ro eller sin glans, men grepet kommer hovedsakelig fra måten Albert Marquet organiser utseendet.
Oppdag →
#23
Rytter
I "Cavalière" tar Henri Manguin utgangspunkt i et tydelig identifisert emne; detaljene forsinker lesingen akkurat nok til å gjøre det interessant. For "Cavalière" av Henri Manguin kommer styrken mindre fra et glansstrøk enn fra en balanse : nok struktur til å lede øyet, nok pust til å la scenen leve. "Cavalière" av Henri Manguin bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#24
Hyde Park
I "Hyde Park" flytter André Derain et konkret motiv mot et mer tvetydig bilde; konturene veksler presisjon og frihet med en vakker aplomb. For "Hyde Park" av André Derain søker maleriet ikke bare å være pent; han dokumenterer en måte å se på, som er mye sterkere enn en ganske udokumentert tåke. I "Hyde Park" av André Derain er dette verket like verdifullt for sitt presise motiv som for sitt lys og sin atmosfære; hun er ikke der for fyll ut en boks: den tilfører ruten en identifiserbar nyanse Interessen for "Hyde Park" i André Derain ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer blikkets rytme og nekter å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#25
Plakater i Trouville
I "Les Posters à Trouville" setter Raoul Dufy motivet på prøve av en veldig personlig innramming; toneforholdene etablerer en dybde uten støy. For "Les Posters à Trouville" av Raoul Dufy, på bildets skala, dette singularitet betyr mye: den unngår den utskiftbare mønstereffekten, denne store sykdommen med for ivrige blikk Interessen til "Les Posters à Trouville" av Raoul Dufy ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer rytmen ser ut og nekter å bli en kopiert formel.
Oppdag →Vinduer, kaier, flaggede gater og maritime landskap gir rene farger en lekeplass åpen for den moderne verden.
#26
Elektrisitetsfeen
I "The Electricity Fairy" etablerer Raoul Dufy en diskret spenning fra første øyekast; lyset fordeler roller med stille autoritet Vi kan elske "The Electricity Fairy" for sin ro eller sin glans, men sitt antrekk kommer hovedsakelig fra måten Raoul Dufy organiserer utseendet på.
Oppdag →
#27
Havnen i Le Havre
I "Havnen i Le Havre" gir Raoul Dufy hverdagen en tetthet som han ikke hadde bedt om; diagonalene gir motivet en energi som ikke holder For "Havnen i Le Havre" av Raoul Dufy søker ikke maleriet bare for å være pen; det dokumenterer en måte å se på, som er klart mer solid enn en ganske udokumentert tåke I "Le port du Havre" av Raoul Dufy gir det arkitektoniske landemerket maleriet en ryggrad: monument, bro, landsby eller hus stabilisere sammensetningen og hindre effekten av vag tåke Vi kan elske "Le port du Havre" for sin ro eller sin glans, men dens hold kommer hovedsakelig fra måten Raoul Dufy organiserer utseendet.
Oppdag →
#28
Ascot (løpsfelt)
I "Ascot (Racing Field)" etablerer Raoul Dufy en diskret spenning fra første øyekast; synspunktet forvandler en kjent observasjon til en varig overraskelse. For "Ascot (Racing Field)" av Raoul Dufy, i skala av bildet betyr denne singulariteten mye: den unngår den utskiftbare mønstereffekten, denne store sykdommen med for ivrige blikk. Vi kan elske "Ascot (Raceway)" for sin ro eller sin glans, men grepet kommer hovedsakelig fra måten Raoul Dufy organiserer utseendet på.
Oppdag →
#29
Saint-Michel-broen
I "Le Pont Saint-Michel" gjør Albert Marquet motivet til en visuell hendelse snarere enn en enkel etikett; kontrasten organiserer scenen før vi i det hele tatt leser detaljene For "Le Pont Saint-Michel" av Albert Marquet, styrke kommer mindre fra et lysslag enn fra en balanse: nok struktur til å lede øyet, nok pust til å la scenen leve I "Le Pont Saint-Michel" av Albert Marquet gir arkitektur nyttig presisjon; Hun gir øyet et støttepunkt, mens maleriet beholder sin del av fleksibiliteten. "Le Pont Saint-Michel" av Albert Marquet bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vindu.
Oppdag →
#30
Interiør i Collioure (La Sieste)
I "Interior in Collioure (La Sieste)" velger Henri Matisse en presis situasjon og skyver den utover anekdoten; toneforholdene etablerer en dybde uten støy. For "Interior in Collioure (La Sieste)" av Henri Matisse, komposisjonen leses i etapper: først motivet, deretter massene, deretter lyspassasjene som gir maleriet sitt sanne tempo. I "Interior of Collioure (La Sieste)" av Henri Matisse gir dette maleriet en målestokk enkelt men nyttig: et klart mønster, en ren atmosfære og en måte å drive øyet på uten å lage store sneller. "Interiør i Collioure (La Sieste)" av Henri Matisse opprettholder dermed en klar visuell identitet, uten behov med stor retorisk effekt for å gjøre det interessant.
Oppdag →
#31
Faubourg de Collioure
I "Le Faubourg de Collioure" gir André Derain hverdagen en tetthet som han ikke hadde bedt om; tegningen opprettholder helheten mens atmosfæren tar noen friheter. For "Le Faubourg de Collioure" av André Derain, kl bildets skala, denne singulariteten betyr mye: den unngår den utskiftbare mønstereffekten, denne store sykdommen med for ivrige blikk. I "Le Faubourg de Collioure" av André Derain gir dette maleriet et enkelt referansepunkt men nyttig: et klart mønster, en ren atmosfære og en måte å drive øyet på uten å lage store sneller. Vi kan elske "Le Faubourg de Collioure" for sin ro eller sin glans, men grepet kommer hovedsakelig fra måten André Derain organiserer utseendet.
Oppdag →
#32
Luksus II
I "Le Luxe II" etablerer Henri Matisse en diskret spenning fra første øyekast; massene gir komposisjonen dens indre rytme. For "Le Luxe II" av Henri Matisse, på bildets skala, teller denne singulariteten mye: den unngår den utskiftbare mønstereffekten, denne store sykdommen med for ivrige utseende. Vi kan elske "Le Luxe II" for sin ro eller sin glans, men grepet kommer hovedsakelig fra måten Henri Matisse organiserer utseendet på.
Oppdag →
#33
Gullfisk
I "Gullfisken" velger Henri Matisse en spesifikk situasjon og skyver den utover anekdoten; synspunktet forvandler en kjent observasjon til en varig overraskelse. For "Gullfisken" av Henri Matisse, den komposisjon kan leses i etapper: først mønsteret, deretter massene, deretter lyspassasjene som gir maleriet dets sanne tempo. "Gullfisken" av Henri Matisse opprettholder dermed en klar visuell identitet, uten behov for en stor retorisk effekt for å gjøre det interessant.
Oppdag →
#34
Den sittende Riffian
I "Den sittende riffian" gir Henri Matisse hverdagen en tetthet som han ikke hadde bedt om; diagonalene gir motivet en energi som ikke holder For "Den sittende riffian" av Henri Matisse søker ikke maleriet bare for å være pen; den dokumenterer en måte å se på, som er mye mer solid enn en ganske udokumentert tåke. Vi kan elske "The Seated Riffian" for sin ro eller sin glans, men antrekket kommer hovedsakelig fra måten Henri Matisse organiserer utseendet.
Oppdag →
#35
Fransk vindu i Collioure
I "Vindudør i Collioure" gir Henri Matisse hverdagen en tetthet som han ikke hadde bedt om; synspunktet forvandler en kjent observasjon til en varig overraskelse Vi kan elske "Vindudør i Collioure" for sin rolig eller hennes glans, men antrekket hennes kommer hovedsakelig fra måten Henri Matisse organiserer utseendet på.
Oppdag →
#36
Oliven i Collioure
I "Oliviers à Collioure" søker Henri Matisse en tilstedeværelse som motstår den enkle tittelen; detaljene forsinker lesingen akkurat nok til å gjøre den interessant. For "Oliviers à Collioure" av Henri Matisse, på skalaen til bildet, denne singulariteten betyr mye: den unngår den utskiftbare mønstereffekten, denne store sykdommen med for ivrige blikk. Vi kan elske "Oliviers à Collioure" for dens ro eller glans, men grepet kommer hovedsakelig derfra måte Henri Matisse organiserer blikket på.
Oppdag →
#37
Capucines på La Danse I
I "Capucines à La Danse I" gir Henri Matisse hverdagen en tetthet som han ikke hadde bedt om; blikket sirkulerer mellom struktur, materiale og små uttrykksfulle hull. For "Capucines à La Danse I" av Henri Matisse, i skala av bildet betyr denne singulariteten mye: den unngår den utskiftbare mønstereffekten, denne store sykdommen med for ivrige blikk. I "Capucines à La Danse I" av Henri Matisse gir dette maleriet et enkelt, men nyttig referansepunkt: et klart mønster, en ren atmosfære og en måte å drive øyet på uten å lage store sneller. Vi kan elske "Capucines à La Danse I" for sin ro eller sin glans, men grepet kommer hovedsakelig fra måten Henri Matisse organiser utseendet.
Oppdag →
#38
Englebukten
I "La Baie des Anges" setter Raoul Dufy motivet på prøve av en veldig personlig innramming; paletten bringer bildene sammen uten å flate ut scenen. For "La Baie des Anges" av Raoul Dufy, på bildets skala, teller denne singulariteten mye: det unngår den utskiftbare mønstervirkningen, denne store sykdommen med for ivrige blikk Interessen til "La Baie des Anges" i Raoul Dufy ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer blikkets rytme og nekter å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#39
Yachten dekorert i Le Havre
I "The Flavored Yacht in Le Havre" beholder Raoul Dufy et øyeblikk hvis maleri forlenger varigheten; tegningen opprettholder helheten mens atmosfæren tar noen friheter. For "The Flavored Yacht in Le Havre" av Raoul Dufy, den komposisjon kan leses i etapper: først mønsteret, deretter massene, deretter lyspassasjene som gir maleriet sitt sanne tempo. I "The Yacht Flaunted in Le Havre" av Raoul Dufy unngår maleriet anonymitet fordi det bærer et motiv gjenkjennelig; lyset, innrammingen og materialet gir den da sin egen personlighet. "Yachten dekorert i Le Havre" av Raoul Dufy opprettholder dermed en klar visuell identitet, uten behov for en stor retorisk effekt for gjøre interessant.
Oppdag →
#40
Den japanske kvinnen i vannkanten
I "Japaneren ved vannkanten" etablerer Henri Matisse en diskret spenning ved første øyekast; diagonalene gir motivet en energi som ikke holder på plass For "Japaneren ved vannkanten" av Henri Matisse, er maleriet prøver ikke bare å se pent ut; det dokumenterer en måte å se på, som er mye mer solid enn en ganske udokumentert tåke. I "The Japanese Woman at the Water's Edge" av Henri Matisse gir vannmotivet et referansepunkt betong: refleksjon, land, båt eller dam organiserer dybden og hindrer lyset i å flyte uten motiv. Vi kan elske "The Japanese Woman at the Water's Edge" for sin ro eller sin glans, men grepet kommer hovedsakelig fra måten Henri Matisse organiserer utseendet.
Oppdag →
#41
Orkesteret
I "Orkesteret" gjør Raoul Dufy motivet til en visuell begivenhet snarere enn en enkel merkelapp; massene gir komposisjonen dens indre rytme. For Raoul Dufys "Orkesteret" kommer styrken mindre fra et glansstrøk enn fra ett balanse: nok struktur til å lede øyet, nok pust til å la scenen leve I "Orkesteret" av Raoul Dufy er dette verket like verdifullt for sitt presise motiv som for sitt lys og sin atmosfære; hun er ikke der for å fylle en boks: den tilfører kurset en identifiserbar nyanse. Raoul Dufys "Orkesteret" bringer sin egen stemning til kurset; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#42
Solsikker
Tournesolene ble født i Arles i prosjektet med å dekorere Det gule huset til Gauguin Buketten blir manifest av gult, av drømt vennskap og hjemlig energi, som er mye for en vase Om "Les Tournesols", i reproduksjon, disse nyansene forblir dyrebare: de lar deg føle rytmen til lerretet, dets kontraster og denne lille stille autoriteten som et godt maleri beholder selv når ingen spør om dets mening.
Oppdag →
#43
Stjernenatt på Rhône
Starry Night ble malt i Saint-Rémy i 1889, og forvandler syn og minne til virvlende himmel. Van Gogh kopierer ikke natten: han får den til å snakke høyere enn forventet, som ofte er tilfellet. Om "The Starry Night on the Rhône", dette tableau minner oss om at berømmelsen til et verk ikke alltid kommer fra et stort tordenklapp; noen ganger skyldes det en nøyaktig balanse mellom hukommelse, stil og visuell intensitet.
Oppdag →
#44
Gutten i den røde vesten
I "Gutten i den røde vesten" konstruerer Paul Cézanne en scene med en umiddelbart følsom karakter; kontrasten organiserer scenen før vi i det hele tatt leser detaljene. Bührle; dimensjoner: 79,5 x 64 cm. For "Gutten i den røde vesten" "av Paul Cézanne søker maleriet ikke bare å være pent; det dokumenterer en måte å se på, som er klart mer solid enn en ganske udokumentert tåke. I "Gutten i den røde vesten" av Paul Cézanne gir tittelen allerede en konkret referansepunkt for å lese bildet: motiv, sted, lys eller handling retter blikket før billedmaterialet gjør sitt Vi kan elske "Gutten i den røde vesten" for sin ro eller sin glans, men antrekket kommer framfor alt på veien som Paul Cézanne organiserer blikket på.
Oppdag →
#45
Kaféterrasse om kvelden
I "Kafeterrassen på kvelden" flytter Vincent van Gogh et konkret motiv mot et mer tvetydig bilde; toneforholdene etablerer en dybde uten støy. For "Kafeterrassen på kvelden" av Vincent van Gogh gjør ikke maleriet det ikke bare prøv å være pen; den dokumenterer en måte å se på, som er mye mer solid enn en ganske udokumentert tåke. I "Café Terrace in the Evening" av Vincent van Gogh fungerer lys som hovedreferansepunktet: det forvandler et enkelt motiv til en langvarig opplevelse, som om maleriet holdt nøyaktig tid i lommen Interessen for "Terrasse du café le soir" av Vincent van Gogh ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer rytmen til se og nekte å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#46
Hveteåker med kråker
I "Hvetefelt med kråker" tar Vincent van Gogh utgangspunkt i et klart identifisert emne; tegningen opprettholder helheten mens atmosfæren tar seg noen friheter For "Hvetefelt med kråker" av Vincent van Gogh, styrke kommer mindre fra et utbrudd av glans enn fra en balanse: nok struktur til å lede øyet, nok pust til å la scenen leve. "Hvetefelt med kråker" av Vincent van Gogh bringer sitt eget humør til reisen; lerretet pust, men hun kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#47
Nattkafeen
I "Le Café de nuit" gir Vincent van Gogh hverdagen en tetthet som han ikke hadde bedt om; blikket sirkulerer mellom struktur, materiale og små uttrykksfulle hull. Vi kan elske "Le Café de nuit" for dens ro eller glans men antrekket hans kommer hovedsakelig fra måten Vincent van Gogh organiserer utseendet på.
Oppdag →
#48
Hvor kommer vi fra? hva er vi? hvor skal vi?
I "Hvor kommer vi fra? hva er vi? Hvor skal vi?", leder Paul Gauguin øyet gjennom en rekke perfekt synlige avgjørelser; synspunktet forvandler en kjent observasjon til en varig overraskelse. For "Hvor kommer vi fra?" ? Hva er vi? Hvor skal vi? For "Hvor kommer vi fra? Hva er vi? Hvor skal vi?" av Paul Gauguin leses komposisjonen i etapper: først motivet, så massene, så lyspassasjene som gir maleriet dens sanne tempo. I "Hvor kommer vi fra? Hva er vi? Hvor skal vi? "Hvor kommer vi fra? Hva er vi? Hvor skal vi?" av Paul Gauguin bringer sitt eget humør til reisen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#49
Selvportrett med bandasjert øre
Etter Arles-krisen i 1888 malte Van Gogh dette selvportrettet som en gjenvinnelse av kontrollen.Bandasjen er der, men lerretet snakker også om et verksted, japansk farge og en kunstner som vender tilbake til jobb.Om "Selvportrett kl med et bandasjert øre ligger styrken til bildet i dets evne til å forbli klart samtidig som dybden opprettholdes; det er akkurat den typen maleri som ser enkelt ut til du virkelig begynner å se på det.
Oppdag →
#50
Mandel tre i blomst
I "Amandier en fleurs" gir Vincent van Gogh hverdagen en tetthet som han ikke hadde bedt om; diagonalene gir motivet en energi som ikke holder For "Amandier en fleurs" av Vincent van Gogh gjør ikke maleriet det ikke bare ute etter å være pen; den dokumenterer en måte å se på, som er mye mer solid enn en ganske udokumentert tåke Vi kan elske "Amandier en fleurs" for dens ro eller dens glans, men dens hold kommer hovedsakelig derfra måte som Vincent van Gogh organiserer blikket på.
Oppdag →Van Gogh, Gauguin, Cézanne, Signac, Cross og Bonnard fremstår her som forløpere eller naboer, og ikke som ville dyr til høyre.
#51
Sainte-Victoire-fjellet
I "La Montagne Sainte-Victoire" tar Paul Cézanne utgangspunkt i et tydelig identifisert emne; tegningen opprettholder helheten mens atmosfæren tar seg noen friheter Med "La Montagne Sainte-Victoire" er Montagne Sainte-Victoire cézannes store provencalske motiv I denne versjonen av "La Montagne Sainte-Victoire", versjon etter versjon, blir fjellet en arkitektur av planer, blåfarger, greener og oker: nesten et prosjekt av moderne kunst, men med en veldig vakker utsikt.
Oppdag →
#52
Naken i badekaret
I "Naken i badet" gir Pierre Bonnard blikket et klart inngangspunkt; fargen justerer da temperaturen på helheten For "Naken i badet" av Pierre Bonnard søker maleriet ikke bare å være pent; han dokumenterer en måte å se på, som er mye sterkere enn en ganske udokumentert tåke Interessen til "Nude in the Bath" av Pierre Bonnard ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer blikkets rytme og nekter å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#53
De store badegjestene
I "Les Grandes Baigneuses" konstruerer Paul Cézanne en scene med en umiddelbart følsom karakter; synspunktet forvandler en kjent observasjon til en varig overraskelse. Med "Les Grandes Baigneuses" gir Grandes Baigneuses cézanne har sitt mest monumentale register. I denne versjonen av "Les Grandes Baigneuses" søker ikke kropper lett nåde; de organiserer seg med trærne og landskapet som menneskelig arkitektur, solid, merkelig og ærlig bestemt.
Oppdag →
#54
Den hengte manns hus, Auvers-sur-Oise
I "La Maison du pendu, Auvers-sur-Oise" velger Paul Cézanne en presis situasjon og skyver den utover anekdoten; synspunktet forvandler en kjent observasjon til en varig overraskelse. Med "The House of the Hanged Man, Auvers-sur-Oise", den hengte manns hus er et av landskapene i Auvers som markerer Cézannes impresjonistiske periode.I denne versjonen av "La Maison du pendu, Auvers-sur-Oise" utgjør veien, veggene og trærne et hardt bilde, kompakt, allerede mindre behagelig enn en enkel spasertur Om "La Maison du pendu, Auvers-sur-Oise", gir det også en god grunn til å bremse rullingen; bordet er ikke der for å fylle den hundrede boksen: det legger til en nyanse, en epoke, noen ganger til og med litt høy frekkhet.
Oppdag →
#55
Kortspillere
I "Kortspillerne" konstruerer Paul Cézanne en scene med en umiddelbart følsom karakter; tegningen opprettholder helheten mens atmosfæren tar seg noen friheter Med "Kortspillerne" kortspillerne hører til den store sene serien hvor Cézanne forvandler et stille spill til et konsentrasjonsmonument.I denne versjonen av "The Card Players" holder kroppene, bordet og hattene som volumer, med mindre skravling enn en landsbykafé, men mye mer maleri. Om "Kortspillerne" i reproduksjon forblir disse nyansene dyrebare: de lar deg føle rytmen til lerretet, dets kontraster og denne lille stille autoritet som et godt maleri beholder selv når ingen spør om dets mening.
Oppdag →
#56
Evening Air
I "The Evening Air" tar Henri-Edmond Cross utgangspunkt i et klart identifisert emne; diagonalene gir motivet en energi som ikke holder For "L'Air du soir" av Henri-Edmond Cross kommer styrken mindre fra et utbrudd av glans enn en balanse: nok struktur til å lede øyet, nok pust til å la scenen leve. "The Evening Air" av Henri-Edmond Cross bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#57
Havnen i Saint-Tropez
I "The Port of Saint-Tropez" leder Paul Signac øyet gjennom en rekke perfekt synlige avgjørelser; den malte overflaten beholder en spenning som motivet alene ikke ville forklare. For "The Port of Saint-Tropez" av Paul Signac, den styrke kommer mindre fra et utbrudd av glans enn fra balanse: nok struktur til å lede øyet, nok pust til å la scenen leve. I "Le Port de Saint-Tropez" av Paul Signac gir det arkitektoniske landemerket maleriet en ryggrad: monument, bro, landsby eller hus stabiliserer komposisjonen og forhindrer den vage tåkeeffekten. "Le Port de Saint-Tropez" av Paul Signac bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det er det ikke kom bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#58
Lunsj
I "Le Déjeuner" etablerer Pierre Bonnard en diskret spenning ved første øyekast; detaljene forsinker lesingen akkurat nok til å gjøre den interessant. Bührle (Zürich); dimensjoner: 41,3 x 62,2 cm. Vi kan like "The Lunsj" for sin ro eller glans, men antrekket kommer hovedsakelig fra måten Pierre Bonnard organiserer utseendet på.
Oppdag →
#59
Den rutete bodice
I "The Checkered Bodice" tar Pierre Bonnard utgangspunkt i et tydelig identifisert emne; tomrom teller like mye som figurer og unngår enhver tyngde. For "The Checkered Bodice" av Pierre Bonnard kommer styrken mindre plutselig glans og balanse: nok struktur til å lede øyet, nok pust til å la scenen leve I "The Checkered Corsage" av Pierre Bonnard er dette verket like verdifullt for sitt presise motiv som for sitt lys og lyd atmosfære; den er ikke der for å fylle en boks: den tilfører en identifiserbar nyanse til banen. "The rutete bodice" av Pierre Bonnard bringer sin egen stemning til banen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#60
Kvinner fra Tahiti
I "Kvinner på Tahiti" flytter Paul Gauguin et konkret motiv mot et mer tvetydig bilde; tegningen opprettholder helheten mens atmosfæren tar seg noen friheter For "Kvinner på Tahiti" av Paul Gauguin, på skalaen til bildet, denne singulariteten betyr mye: det unngår den utskiftbare mønstereffekten, denne store sykdommen med for ivrige blikk. Interessen til "Femmes de Tahiti" hos Paul Gauguin ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer rytme av blikket og nekter å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#61
Ia Orana Maria
I "Ia Orana Maria" søker Paul Gauguin en tilstedeværelse som motstår den enkle tittelen; synspunktet forvandler en kjent observasjon til en varig overraskelse. For "Ia Orana Maria" av Paul Gauguin, på bildets skala, dette singularitet betyr mye: den unngår den utskiftbare mønstereffekten, denne store sykdommen med for ivrige blikk. Vi kan elske "Ia Orana Maria" for dens ro eller glans, men grepet kommer hovedsakelig fra måten Paul Gauguin organiser utseendet.
Oppdag →
#62
Måltidet
I "Le Repas" søker Paul Gauguin en tilstedeværelse som motstår den enkle tittelen; synspunktet forvandler en kjent observasjon til en varig overraskelse. Vi kan elske "Le Repas" for sin ro eller sin glans, men grepet kommer hovedsakelig fra måten Paul Gauguin organiserer utseendet på.
Oppdag →
#63
Den røde bøyen
I "Den røde bøyen" konstruerer Paul Signac en scene med en umiddelbart følsom karakter; konturene veksler presisjon og frihet med en vakker selvtillit. I "The Red Buoy" av Paul Signac fungerer tittelen som en liten merknad om avgang: det kunngjør et motiv, en situasjon eller en tilstedeværelse som maleriet deretter forvandles til en visuell opplevelse. Vi kan elske "La Bouée rouge" for sin ro eller sin glans, men grepet kommer hovedsakelig fra måten Paul Signac organiser utseendet.
Oppdag →
#64
Portrett av doktor Gachet
Malt i Auvers-sur-Oise i 1890 bærer doktor Gachet trøttheten og bekymringen i Van Goghs siste måneder Albuen ned, lavt blikk, revebjelle: alt ser ut til å passe sammen med stor innsats Om "Portrett av doktor Gachet", tilstedeværelsen av motivet forblir inngangspunktet, men det virkelige antrekket kommer fra konstruksjonen: linjer, verdier, gester beholdt og generell balanse; kort sagt, maleriet fungerer mens vi bare tror vi ser på det.
Oppdag →
#65
Madame Vuillard sying
I "Madame Vuillard sying" etablerer Édouard Vuillard en diskret spenning fra første øyekast; den malte overflaten beholder en spenning som motivet alene ikke ville forklare. For "Madame Vuillard sying" av Édouard Vuillard, kl skalaen på bildet, denne singulariteten betyr mye: den unngår den utskiftbare mønstereffekten, denne store sykdommen med for mye pressede blikk. I "Madame Vuillard sying" av Édouard Vuillard lar det menneskelige subjektet oss følge etter Édouard Vuillard så nært som mulig en tilstedeværelse som ser på, leser, venter eller holder seg på avstand. Vi kan elske "Madame Vuillard-søm" for sin ro eller sin glans, men antrekket kommer hovedsakelig fra måten Édouard Vuillard organiserer det på se.
Oppdag →
#66
Spisestuen med utsikt over hagen
I "Spisestuen på hagen" etablerer Pierre Bonnard en diskret spenning fra første øyekast; fargen justerer deretter temperaturen på helheten. For "Spisestuen på hagen" av Pierre Bonnard, maleriet ikke bare prøv å se pen ut; den dokumenterer en måte å se på, som er mye mer solid enn en ganske udokumentert tåke. I "The Dining Room on the Garden" av Pierre Bonnard gir tittelen allerede et konkret referansepunkt for les bildet: motiv, sted, lys eller handling retter blikket før billedmaterialet gjør sitt Vi kan like "Spisestuen på hagen" for dens ro eller glans, men grepet kommer hovedsakelig fra måten hvis blikk Pierre Bonnard organiserer.
Oppdag →
#67
Arearea no varua ino
I "Arearea no varua ino" gir Paul Gauguin blikket et klart inngangspunkt; konturene veksler presisjon og frihet med en vakker aplomb. For "Arearea no varua ino" av Paul Gauguin, på bildets skala, denne singulariteten teller mye: det unngår den utskiftbare mønstervirkningen, denne store sykdommen med for ivrige blikk I "Arearea no varua ino" av Paul Gauguin gir dette maleriet et enkelt, men nyttig referansepunkt: et klart mønster, en atmosfære rent og en måte å drive øyet på uten å lage store sneller Interessen for "Arearea no varua ino" hos Paul Gauguin ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer blikkets rytme og nekter å bli en formel kopiert.
Oppdag →
#68
Vernons terrasse
I "La terrasse de Vernon" gjør Pierre Bonnard motivet til en visuell begivenhet snarere enn en enkel etikett; konturene veksler presisjon og frihet med en vakker aplomb. For "La terrasse de Vernon" av Pierre Bonnard, utseendet der finn en spesifikk grunn til å bremse: en linje, en bank, en profil eller en kontrast som gir maleriet sin lille autoritet. "The Vernon Terrace" av Pierre Bonnard bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#69
Iris
I "Iris" etablerer Vincent van Gogh en diskret spenning fra første øyekast; toneforholdene etablerer en dybde uten støy I "Iris" av Vincent van Gogh kommer den første interessen fra selve motivet: det gir leseren har et konkret grep før han lar farge, lys og detaljer gjøre resten Vi kan elske "Iris" for sin ro eller sin glans, men grepet kommer hovedsakelig fra måten Vincent van Gogh organiserer utseendet på.
Oppdag →
#70
Hagen
I "Hagen" beholder Pierre Bonnard et øyeblikk hvis maleri forlenger varigheten; tomrom teller like mye som figurer og unngår enhver tyngde. For "Hagen" av Pierre Bonnard finner øyet en presis grunn til sakte ned: en linje, en bank, en profil eller en kontrast som gir maleriet sin lille autoritet. I "The Garden" av Pierre Bonnard kommer den første interessen fra selve motivet: det gir leseren et konkret grep før den forlater det farge, lys og detaljer gjør resten. "Hagen" av Pierre Bonnard opprettholder dermed en klar visuell identitet, uten at det trenger stor retorisk effekt for å gjøre den interessant.
Oppdag →
#71
Det åpne vinduet
I "Det åpne vinduet" gjør Pierre Bonnard motivet til en visuell begivenhet snarere enn en enkel etikett; paletten bringer bildene sammen uten å flate ut scenen. For "The Open Window" av Pierre Bonnard kommer styrken mindre enn én et utbrudd av glans med balanse: nok struktur til å lede øyet, nok pust til å la scenen leve. "The Open Window" av Pierre Bonnard bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det er det ikke kom bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#72
Manaolo tupapaú
I "Manao tupapaú" gjør Paul Gauguin motivet til en visuell hendelse snarere enn en enkel etikett; de sekundære gestene forteller nesten like mye som hovedmotivet. For "Manao tupapaú" av Paul Gauguin kommer styrken fra mindre enn én et glansstrøk med balanse: nok struktur til å lede øyet, nok pust til å la scenen leve I "Manaolo tupapaú" av Paul Gauguin kommer den første interessen fra selve motivet: det gir leseren et grep betong før man lar farge, lys og detaljer gjøre resten. "Manaolo tupapaú" av Paul Gauguin bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#73
Le Cannet
I "Le Cannet" søker Pierre Bonnard en tilstedeværelse som motstår den enkle tittelen; synspunktet forvandler en kjent observasjon til en varig overraskelse. For "Le Cannet" av Pierre Bonnard søker maleriet ikke bare vær pen; den dokumenterer en måte å se på, som tydeligvis er mer solid enn en ganske udokumentert tåke I "Le Cannet" av Pierre Bonnard kommer den første interessen fra selve motivet: det gir leseren et konkret grep før la farger, lys og detaljer gjøre resten Vi kan elske "Le Cannet" for sin ro eller sin glans, men grepet kommer hovedsakelig fra måten Pierre Bonnard organiserer utseendet på.
Oppdag →
#74
Bordet
I "La Table" flytter Pierre Bonnard et konkret motiv mot et mer tvetydig bilde; tomrom teller like mye som figurer og unngår enhver tyngde. Interessen til "La Table" hos Pierre Bonnard ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer blikkets rytme og nekter å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#75
Saint-Clair-stranden
I "The Beach of Saint-Clair" velger Henri-Edmond Cross en presis situasjon og skyver den utover anekdoten; toneforholdene etablerer en dybde uten støy. For "The beach of Saint-Clair" av Henri-Edmond Cross, den komposisjon kan leses i etapper: først mønsteret, deretter massene, deretter lyspassasjene som gir maleriet dets sanne tempo. "The beach of Saint-Clair" av Henri-Edmond Cross opprettholder dermed en klar visuell identitet, uten å ha trenger en stor retorisk effekt for å gjøre det interessant.
Oppdag →Macke, Marc, Kirchner, Kandinsky og Jawlensky viser hvordan kromatisk frekkhet da sirkulerer utenfor Frankrike.
#76
Madame Cézanne i gul lenestol
I "Madame Cézanne in a Yellow Armchair" gjør Paul Cézanne motivet til en visuell begivenhet snarere enn en enkel etikett; paletten bringer bildene sammen uten å flate ut scenen. Med "Madame Cézanne in a Yellow Armchair", den portretter av Madame Cézanne viser en behersket, frontal tilstedeværelse, nesten skulpturert av farger. I denne versjonen av "Madame Cézanne in a Yellow Armchair" søker ikke Cézanne verdslig eleganse; det gir til ansiktet og kroppstille stabilitet.Om "Madame Cézanne i en gul lenestol", forblir tilstedeværelsen av motivet inngangspunktet, men det virkelige antrekket kommer fra konstruksjonen: linjer, verdier, gester beholdt og generell balanse; Kort, maleriet fungerer mens vi bare tror vi ser på det.
Oppdag →
#77
Visjon etter prekenen
I "Visjon etter prekenen" etablerer Paul Gauguin en diskret spenning ved første øyekast; innrammingen strammer det som virkelig fortjener oppmerksomhet. For "Visjon etter prekenen" av Paul Gauguin, på bildets skala, dette singularitet betyr mye: den unngår den utskiftbare mønstereffekten, denne store sykdommen med for forhastede utseende. Vi kan elske "Visjon etter prekenen" for sin ro eller sin glans, men dens grep kommer hovedsakelig fra måten Paulus Gauguin organiserer utseendet.
Oppdag →
#78
To tahitiske kvinner på stranden
I "To tahitiske kvinner på stranden" tar Paul Gauguin utgangspunkt i et klart identifisert emne; de sekundære gestene forteller nesten like mye som hovedemnet For "To tahitiske kvinner på stranden" av Paul Gauguin kommer styrken mindre med et glans- og balansestrøk: nok struktur til å lede øyet, nok pust til å la scenen leve. I "Two Tahitian Women on the Beach" av Paul Gauguin unngår maleriet anonymitet fordi det bærer et motiv gjenkjennelig; lyset, innrammingen og materialet gir det da sin egen personlighet. "To tahitiske kvinner på stranden" av Paul Gauguin bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#79
Kvinner ved brønnen
I "Kvinner ved brønnen" forvandler Paul Signac et gjenkjennelig motiv til en blikkopplevelse; synspunktet forvandler en kjent observasjon til en varig overraskelse For "Kvinner ved brønnen" av Paul Signac finner blikket en spesifikk grunn til å bremse: en linje, en bank, en profil eller en kontrast som gir maleriet sin lille autoritet. "Women at the Well" av Paul Signac opprettholder dermed en klar visuell identitet, uten behov for stor retorisk effekt for å gjøre det interessant.
Oppdag →
#80
Fyret, Groix
I "Le Phare, Groix" gjør Paul Signac motivet til en visuell hendelse snarere enn en enkel etikett; synspunktet forvandler en kjent observasjon til en varig overraskelse. For "Le Phare, Groix" av Paul Signac kan komposisjonen leses i etapper: først motivet, så massene, så lyspassasjene som gir maleriet dets sanne tempo. I "Le Phare, Groix" av Paul Signac er dette verket like verdifullt for sitt presise motiv som for sitt lys og sin atmosfære; hun er ikke der for å fylle en boks: hun legger til en identifiserbar nyanse til kurset. "Le Phare, Groix" av Paul Signac bringer sin egen stemning til kurset; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne det vindu.
Oppdag →
#81
Maincy-broen
I "Le Pont de Maincy" forvandler Paul Cézanne positur eller gest til sann arkitektur; massene gir komposisjonen sin indre rytme. For "Le Pont de Maincy" av Paul Cézanne, på bildets skala, denne singulariteten teller mye: det unngår den utskiftbare mønstervirkningen, denne store sykdommen med for ivrige blikk I "Le Pont de Maincy" av Paul Cézanne gir arkitektur nyttig presisjon; det gir blikket et støttepunkt, mens maleriet beholder sin andel av fleksibiliteten Interessen til "Le Pont de Maincy" i Paul Cézanne ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer blikkets rytme og nekter å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#82
Marseillebukta sett fra Estaque
I "Marseillebukta sett fra Estaque" flytter Paul Cézanne et konkret motiv mot et mer tvetydig bilde; innrammingen strammer det som virkelig fortjener oppmerksomhet. Med "Marseillebukta sett fra Estaque" tillater Estaque Cézanne å bygge havet, takene og åsene i store fargede masser.I denne versjonen av "Marseillebukta sett fra Estaque" er ikke middelhavslandskapet et postkort: det er et lysende rammeverk. HAR om "Marseillebukta sett fra l'Estaque" minner dette maleriet oss om at berømmelsen til et verk ikke alltid kommer fra et stort tordenklapp; noen ganger skyldes det en nøyaktig balanse mellom hukommelse, stil og visuell intensitet.
Oppdag →
#83
Kattekvinnen
I "Kattekvinnen" konstruerer Pierre Bonnard en scene med en umiddelbart følsom karakter; den malte overflaten beholder en spenning som motivet alene ikke ville forklare. I "Kattekvinnen" av Pierre Bonnard bringer figuren en en annen type tilstedeværelse: holdning, kostyme, ansikt eller gest gir maleriet en menneskelig spenning som landskapet alene ikke kunne produsere. Vi kan elske "Kattekvinnen" for sin ro eller sin glans, men antrekket kommer hovedsakelig fra måten Pierre Bonnard organiserer blikket på.
Oppdag →
#84
De gylne øyene
I "Les Æles d'Or" gir Henri-Edmond Cross blikket et klart inngangspunkt; fargen justerer deretter temperaturen på helheten. For "Les Æles d'Or" av Henri-Edmond Cross søker maleriet ikke bare å være pent; han dokumenterer en måte å se på, som er mye mer solid enn en ganske udokumentert tåke Interessen til "Les Æles d'Or" av Henri-Edmond Cross ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer blikkets rytme og nekter å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#85
Farmen, morgen
I "La Ferme, matin" forvandler Henri-Edmond Cross et gjenkjennelig motiv til en seeropplevelse; tomrom teller like mye som figurer og unngår enhver tyngde For "La Ferme, matin" av Henri-Edmond Cross er blikket der en spesifikk grunn til å bremse ned: en linje, en bank, en profil eller en kontrast som gir maleriet sin lille autoritet. I "La Ferme, matin" av Henri-Edmond Cross gir det arkitektoniske landemerket maleriet en ryggrad: monument, bro, landsby eller hus stabiliserer komposisjonen og forhindrer den vage tåkeeffekten. "La Ferme, matin" av Henri-Edmond Cross opprettholder dermed en klar visuell identitet, uten behov for en stor retorisk effekt for gjøre interessant.
Oppdag →
#86
Veden
I "Le Bois" organiserer Henri-Edmond Cross motivet uten å redusere det til et påskudd; paletten bringer bildene sammen uten å flate ut scenen. For "Le Bois" av Henri-Edmond Cross kommer styrken mindre fra et glansstrøk enn fra en balanse: nok struktur til å lede øyet, nok pust til å la scenen leve. I "Le Bois" av Henri-Edmond Cross gir det treaktige mønsteret maleriet et presist materiale: stammer, rydding, steiner eller kanter bygger det scene før farge tar over. "Le Bois" av Henri-Edmond Cross bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#87
Havnen i Marseille
I "The Port of Marseille" organiserer Paul Signac motivet uten å redusere det til et påskudd; konturene veksler presisjon og frihet med en vakker aplomb. For "Le Port de Marseille" av Paul Signac kan komposisjonen leses i etapper: først mønsteret, så massene, så passasjene av lys som gir maleriet dets sanne tempo. I "Le Port de Marseille" av Paul Signac lar dette konstruerte motivet oss måle hånden til Paul Signac: vi må holde dem sammen linjer, lys og atmosfære uten å forvandle stedet til et enkelt dokument. "The Port of Marseille" av Paul Signac bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#88
Kristi inntog i Brussel
I "The Entry of Christ into Brussels" organiserer James Ensor motivet uten å redusere det til et påskudd; fargen justerer da temperaturen på helheten.Paul Getty; dimensjoner: 252,6 x 431 cm. For "The Entry of Christ into Brussels" av James Ensor, blikket finner en presis grunn til å bremse: en linje, en bank, en profil eller en kontrast som gir maleriet sin lille autoritet. I James Ensors "The Entry of Christ into Brussels" gir scenen rangeringen en historisk relieff: figurer, symbol og landskap samarbeider i stedet for å konkurrere om søkelyset James Ensors "Christ's Entry into Brussels" bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det har ikke kommet bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#89
Den blå rytteren
I "Den blå rytter" etablerer Wassily Kandinsky en diskret spenning ved første øyekast; lyset fordeler roller med stille autoritet. For "Den blå rytter" av Wassily Kandinsky, på en bildeskala, denne singulariteten betyr mye: den unngår den utskiftbare mønstereffekten, denne store sykdommen med for ivrige blikk. I "The Blue Rider" av Wassily Kandinsky er dette verket like verdifullt for sitt presise motiv som for sitt lys og dens atmosfære; den er ikke der for å fylle en boks: den tilfører en identifiserbar nyanse til banen. Vi kan elske "The Blue Rider" for sin ro eller sin glans, men antrekket kommer hovedsakelig fra måten Wassily Kandinsky organiser utseendet.
Oppdag →
#90
Walk
I "Promenade" unngår August Macke det utskiftbare bildet og hevder en ren tone; fargen justerer deretter temperaturen på helheten. For "Promenade" av August Macke kommer styrken mindre fra et utbrudd av glans enn fra balanse: nok struktur til å lede øyet, nok pust til å la scenen leve August Mackes "Promenade" opprettholder dermed en klar visuell identitet, uten at det trenger stor retorisk effekt for å gjøre den interessant.
Oppdag →
#91
Blå hest I
I "Blue Horse I" konstruerer Franz Marc en scene med en umiddelbart følsom karakter; lyset fordeler rollene med stille autoritet. Vi kan elske "Blue Horse I" for sin ro eller sin glans, men antrekket kommer hovedsakelig fra måten Franz Marc organiserer utseendet på.
Oppdag →
#92
Ung jente med peoner
I "Ung jente med pioner" forvandler Alexej von Jawlensky positur eller gest til ekte arkitektur; tegningen opprettholder helheten mens atmosfæren tar seg noen friheter. For "Ung jente med pioner" av Alexej von Jawlensky, maleriet søker ikke bare å være pent; det dokumenterer en måte å se på, som er mye mer solid enn en ganske udokumentert tåke. I "Young Girl with Peonies" av Alexej von Jawlensky, det menneskelige subjektet lar deg følge Alexej von Jawlensky så tett som mulig til en tilstedeværelse som ser på, leser, venter eller holder seg på avstand Interessen til "Ung jente med pioner" i Alexej von Jawlensky skyldes denne konkrete forskjellen: motivet endres rytme av blikket og nekter å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#93
Fem kvinner på gaten
I "Five Women in the Street" forvandler Ernst Ludwig Kirchner positur eller gest til ekte arkitektur; farge justerer deretter temperaturen på helheten. For "Five Women in the Street" av Ernst Ludwig Kirchner, i skala av bildet betyr denne singulariteten mye: den unngår den utskiftbare mønstervirkningen, denne store sykdommen med for ivrige blikk I "Fem kvinner i gaten" av Ernst Ludwig Kirchner, her, begynner lesningen med emnet, så beveger seg mot lys og generell balanse; det er ofte her maleriet får sin karakter Interessen til "Fem kvinner i gaten" av Ernst Ludwig Kirchner ligger i denne konkrete forskjellen: motivet endrer rytmen til se og nekte å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#94
Kvinnehode
I "Woman's Head" konstruerer Alexej von Jawlensky en scene med en umiddelbart følsom karakter; toneforholdene etablerer en dybde uten støy. I "Woman's Head" av Alexej von Jawlensky er det ikke bare én silhuett posert i et vakkert lys; figuren blir tyngdepunktet, detaljen som forvandler atmosfæren til et møte Vi kan elske "Tête de femme" for sin ro eller sin glans, men antrekket kommer hovedsakelig fra måten Alexej von Jawlensky organiserer utseendet.
Oppdag →
#95
De store blå hestene
I "De store blå hestene" etablerer Franz Marc en diskret spenning ved første øyekast; den malte overflaten beholder en spenning som motivet alene ikke ville forklare. I "The Great Blue Horses" av Franz Marc, maleriet unngå anonymitet fordi han bærer et gjenkjennelig motiv; lyset, innrammingen og materialet gir det da sin egen personlighet Vi kan elske "Les Grands Chevaux bleus" for sin ro eller sin glans, men antrekket kommer fremfor alt på veien organiserer Franz Marc utseendet.
Oppdag →
#96
Hus i Murnau på Obermarkt
I "Houses in Murnau sur Obermarkt" setter Wassily Kandinsky emnet på prøve med en svært personlig innramming; innrammingen strammer det som virkelig fortjener oppmerksomhet Interessen for "Houses in Murnau sur Obermarkt" hos Wassily Kandinsky på grunn av denne konkrete forskjellen: emnet endrer blikkets rytme og nekter å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#97
Hage ved bredden av Thunsjøen
I "Garden by Lake Thun" beholder August Macke et øyeblikk hvis maleri forlenger varigheten; tomrommene teller like mye som figurene og unngår tyngde. For "Garden by Lake Thun" av August Macke, den hensyn finner det en presis grunn til å bremse: en linje, en bank, en profil eller en kontrast som gir maleriet sin lille autoritet. I "Garden by Lake Thun" av August Macke etablerer tittelen en veldig våt geografi lesbar: innsjø, dam eller elv blir instrumentene for å måle lys. "Garden by Lake Thun" av August Macke opprettholder dermed en klar visuell identitet, uten å trenge en stor retorisk effekt for å gjengi den interessant.
Oppdag →
#98
To kvinner på gaten
I "To kvinner i gaten" setter Ernst Ludwig Kirchner motivet på prøve av en veldig personlig innramming; paletten bringer bildene sammen uten å flate ut scenen. I "To kvinner i gaten" av Ernst Ludwig Kirchner, dette maleriet gir en enkel, men nyttig referanse: et klart mønster, en ren atmosfære og en måte å drive øyet på uten å lage store sneller Interessen for "To kvinner i gaten" av Ernst Ludwig Kirchner ligger i denne forskjellen konkret: motivet endrer blikkets rytme og nekter å bli en kopiert formel.
Oppdag →
#99
Reves
I "Renards" leder Franz Marc øyet gjennom en rekke perfekt synlige avgjørelser; innrammingen strammer det som virkelig fortjener oppmerksomhet. For "Renards" av Franz Marc kommer styrke mindre fra et glansslag enn fra balanse : nok struktur til å lede øyet, nok pust til å la scenen leve I "Renards" av Franz Marc kommer den første interessen fra selve motivet: det gir leseren et konkret grep før den forlater fargen lys og detaljer gjør resten Franz Marcs "Foxes" bringer sin egen stemning til reisen; lerretet puster, men det kom ikke bare for å åpne vinduet.
Oppdag →
#100
Zoologisk hage I
I "Zoo Garden I" konstruerer August Macke en scene med en umiddelbart følsom karakter; konturene veksler presisjon og frihet med en vakker aplomb. I "Zoo Garden I" av August Macke bringer dette maleriet en enkel, men nyttig referanse: et klart mønster, en ren atmosfære og en måte å drive øyet på uten å lage store hjul. Vi kan elske "Zoo Garden I" for sin ro eller sin glans, men grepet kommer hovedsakelig fra måten hvis blikk August Macke organiserer.
Oppdag →Hva verkene avslører
Hundre verk, tre fargerike kraftslag
Fauvismen varer lite men forskyver fargefunksjonen permanent Dette pryder ikke lenger tegningen: det konstruerer rommet, justerer intensiteten og gir maleriet sin generelle stemning Om noen år lærer veggene at man ansiktet kan være grønt uten å kreve legeintervensjon.
Farge blir struktur
Kromatisk tuning kan skille plan, balansere masser og lede blikket uten bokstavelig imitasjon.
Forenkling øker intensiteten
Skarpe konturer og kondenserte former eliminerer sekundære detaljer for å øke virkningen av helheten.
Bevegelsen foretrekker enkeltpersoner
Matisse, Derain, Marquet og Dufy deler frekkhet, men utvikler raskt svært forskjellige språk.
Kronologi i dristige farger
Fem datoer før maleriet fikk igjen pusten
Matisse kombinerer deling av berøring og frigjorte farger i et sentralt arbeid mot fauvisme.
Matisse, Derain, Vlaminck, Marquet, Manguin og deres kjære er samlet i det berømte rommet beskrevet som et bur for ville dyr.
Derain forvandler Themsen til fargerik arkitektur mens Matisse utvikler monumental pastoral omsorg.
Gruppen spredte seg raskt, da Braque, Derain og Matisse utforsket nye retninger.
Matisse publiserer en stor tekst der han bekrefter sin søken etter balanse, renhet og uttrykksfull ro.
Dyp bevegelse
Hvorfor forblir fauvismen så mektig?
Fauvismen henter sin energi fra en veldig direkte frihet: kunstnere slutter å spørre farger for saktmodig å etterligne verden En himmel kan bli rosa, en skyggegrønn, et nesten glødende ansikt Maleriet søker ikke lenger bare likhet; hun søker intensitet Det er mindre lurt, mye mer livlig, og ærlig talt bedre for å vekke en lei vegg.
Henri Matisse gir satsen noen av sine mest avgjørende bilder Hjemme organiserer farge plassen like mye som den pynter opp Luksus, ro og vellyst, Kvinne i hatt eller Det åpne vinduet i Collioure viser en maling der hver nyanse ser ut til å ha fått talerett høyere enn forventet Resultatet forblir elegant, men med en eleganse som har ryddet opp i de hvite hanskene.
André Derain spiller en like spektakulær rolle Hans utsikt over London, Collioure eller Themsen forvandler landskap til elektriske visjoner Broer, vann, båter og fasader blir brennende overflater.Vi kjenner igjen stedet, men fremfor alt kjenner vi sjokket Derain maler ikke bare det han ser: han øker volumet av følelsen.
Rundt dem bringer Raoul Dufy sin grafiske livlighet, Albert Marquet sin mer nøkterne konstruksjon, Othon Friesz et solid materiale, Henri Manguin en kjødelig sødme, Louis Valtat et middelhavslys, Auguste Chabaud en spenning mer nattlig. Streng fauvisme varte i kort tid, men temperamentet fortsatte i nærliggende kolorister. De korte flammene etterlater noen ganger en veldig lang varme.
Denne bevegelsen er essensiell fordi den frigjør farger for all moderne kunst Før fauvismen følger farge ofte med form; etter ham kan hun bli subjekt, arkitektur, følelser og nærmest hovedperson.THE kubisme, ekspresjonisme, abstraksjon og mange kolorister skylder noe til denne innledende frekkheten En svært nyttig frekkhet, som en solbrenthet i en for forsiktig stue.
I en dekorasjon har gulbrune malerier en umiddelbar tilstedeværelse De kan gi energi til et nøytralt rom, strukturere en hvit vegg, varme opp en inngang eller gi et kontor en veldig bestemt feriefølelse.Du må bare dem la det være plass: et vilt verk liker ikke å sitte fast mellom to sjenerte rammer Hun trenger å puste, og noen ganger å oppføre seg litt som en stjerne.
Sjarmen til fauvismen ligger endelig i balansen mellom frekkhet og nytelse Fargene er åpenhjertige, men motivene forblir ofte tilgjengelige: havner, vinduer, gater, landskap, figurer, festivaler Vi kommer lett inn i bildet, så vi oppdag at alt vibrerer litt mer enn forventet Det er et innbydende maleri, men ikke føyelig; hun smiler, for så å male sofaen mentalt.
Fire lesetaster
Se uten å be fargene roe seg ned
Accord, outline, overflate og temperatur lar deg lese et gulbrunt verk utover dets umiddelbare glans. Paletten virker spontan, men lidelsen fungerte generelt mye før du kom.
Sammenlign farger
Se etter hvordan to nyanser forsterker eller balanserer hverandre i stedet for hvor tett de samsvarer med det faktiske mønsteret.
Følg separasjoner
Forenklede sirkler og linjer opprettholder figurene når fargen nekter den tradisjonelle modellen.
Les de flate områdene
De fargede områdene minner om lerret og gir maleriet en antatt dekorativ tilstedeværelse.
Kjenn på atmosfæren
Varme og kalde toner organiserer dybde, lys og følelser uten å ty til et føyelig perspektiv.
Atlas av fri farge
Fortsett etter siste røde
Kunstnere, samlinger, museer og kilder plasserer hvert verk i det korte, men intense fauvistnettverket Lenkene er nøkterne; noe måtte få hvile.
I Alpha Reproduksjon
01Henri MatisseFauvismens mestere02André DerainFauvismens mestere03Otto FrieszFauvismens mestere04Henri ManguinFauvismens mestere05Raoul DufyFauvismens mestere06Albert MarquetFauvismens mestere07Vincent van GoghFauvismens mestere08Paul CezanneFauvismens mestere09Paul GauguinFauvismens mestere10Pierre BonnardFauvismens mestere11FauvismeSamlinger & guider12Fauve reproduksjonerSamlinger & guider13Kjente malerierSamlinger & guider14Alle de berømte toppmalerieneSamlinger & guider15Reproduksjoner Henri MatisseSamlinger & guider16Reproduksjoner André DerainSamlinger & guider17Reproduksjoner Raoul DufySamlinger & guider18Alle reproduksjoner av malerierSamlinger & guiderOfte stilte spørsmål
Fauvisme uten tonede briller
De essensielle svarene for å gjenkjenne bevegelsen, skille dens forløpere og forstå hvorfor fargen forblir så moderne.
Hva er fauvisme?
Det er en bevegelse fra begynnelsen av 1900-tallet som frigjør farger sterkt Kunstnere favoriserer rene toner, uttrykksfulle kontraster og maleri som er mer intenst enn strengt realistisk.
Hvorfor snakker vi om ville malere?
Navnet kommer av en kritikk lansert under Salon d'Automne av 1905 Fargene ansett vill sjokkert, deretter begrepet fast Dette viser at en god gjedde kan noen ganger bli en kunsthistorisk etikett.
Hvorfor er Matisse sentral i fauvismen?
Fordi det gir bevegelsen sine mest kjente verk og en veldig klar visjon: farge kan strukturere rom, forenkle former og produsere visuell glede uten å spørre om tillatelse fra grått.
Hvilken rolle spiller André Derain?
Derain presser landskapene mot en nesten elektrisk intensitet, spesielt i Collioure og London. Fargene forvandler kjente steder til mye mindre kloke visuelle opplevelser.
Er fauvismen nær postimpresjonismen?
Ja, det utvider visse friheter til Van Gogh, Gauguin, Cézanne eller Signac, men det skyver farge mot et mer umiddelbart, mer frontalt og mer uavhengig uttrykk.
Hvilket gulbrunt maleri å velge for et rom?
For solenergi, se på Matisse eller Derain. For en lettere atmosfære fungerer Dufy utmerket. For en roligere, men fargerik tilstedeværelse holder Marquet ofte rommet under kontroll.
Er gulbrune farger vanskelig å integrere?
Ikke nødvendigvis De fungerer veldig bra med nøkterne vegger, tre, hvitt, svart eller naturtoner Bare la maleriet lede dansen litt.
Hvorfor er fauvismen fortsatt så populær?
For det gir et umiddelbar inntrykk av frihet Man trenger ikke en manual for å kjenne fargenes kraft; de kommer, de slår seg til ro, og de vet godt hvorfor de er der.
0 commentaire