Selvportrett av Claude Monet: de sjeldne ansiktene til et lysmaler

Historisk kontekst

En maler som gjemmer seg: fraværet av Monet som motiv for seg selv

Det er fascinerende å konstatere at mannen som revolusjonerte måten vi ser lyset på, i så liten grad søkte å fastholde sitt eget bilde på lerretet. I motsetning til sine samtidige, som brukte speilet som et intimt laboratorium, betraktet Monet antagelig sitt eget ansikt som et for statisk motiv, ute av stand til å gjengi dagens uendelige variasjoner. Dette bevisste fraværet skaper en slags biografisk mystikk der maleren blir et gjenferd i sitt eget verk, kun til stede gjennom signaturen nederst på de urolige landskapene fra den normanniske kysten eller de vannfylte hagene i Giverny. Det er en moderne holdning før sin tid, der kunstneren viker til fordel for den rene sanseopplevelsen og nekter å gjøre sin egen person til kunstnerisk tyngdepunkt.

Likevel betyr ikke denne tilbaketrekningen en mangel på interesse for identitet, men heller en forskyvning av blikket mot det ytre. Når man betrakter de sjeldne gangene han godtar å male seg selv, oppdager man en mann som virker nesten overrasket over å være der, som om han var revet løs fra betraktningen av en sky for et øyeblikk å stivne foran speilet. Denne tilbakeholdenheten står i skarp kontrast til penslenes dristighet når det gjelder å gjengi opptrevlingen av popler eller tåken over Themsen. For samlere som ønsker å henge opp en reproduksjon fra denne perioden, er det avgjørende å prioritere en utførelse i olje på lerret som fanger denne spenningen mellom mesterens sedvanlige atmosfæriske uklarhet og det plutselige behovet for presisjon i ansiktstrekkene.

Kunstnerisk stil

Ungdomstidens karikaturer (1855–1858): en ung og sprø Monet

Lenge før han ble det skjeggete overhodet for impresjonismen, var den unge Oscar-Claude Monet en fryktet og beundret karikaturtegner i Le Havres gater. Mellom 1855 og 1858, da han ennå ikke var fylt tjue, laget han portrettkarikaturer i olje med en forbløffende teknisk virtuositet, der han tegnet lokale notabiliteter og til og med keiser Napoléon III med en gledesfull råskap. Disse verkene, som i dag oppbevares som skatter på Musée Marmottan Monet, avdekker et kaustisk sinn og en beherskelse av anatomisk tegning som man sjelden aner hos den modne landskapsmaleren. Vi ser en ungdom som betrakter menneskelige svakheter med like skarpt blikk som han senere skulle iaktta refleksjoner på vann, noe som viser at talentet hans ikke vokste ut av ingenting, men bygde på et solid akademisk fundament.

Disse tidlige arbeidene viser en kunstner som allerede visste å leke med volumer og uttrykk, og som brukte det maleriske materialet for å forsterke det komiske eller storheten hos sine modeller. Paletten er ofte mørk, bearbeidet i tynne lasurer, langt fra den fargeeksplosjonen som preger hans modne år, men penselføringen forblir kvikk og sikker. For den som ønsker å forstå malerens utvikling, er det avgjørende å studere disse karikaturene: de vitner om en periode der Monet ennå lette etter sin vei mellom pressetegning og den store malerkunsten. En tro kopi av disse ungdomsverkene krever et omhyggelig atelierarbeid, fordi finheten i streken og ironien i blikket ikke kan gjengis av en enkel digital utskrift som ville viske ut nyansene i skyggene som faller over de forvrengte ansiktene.

Det gåtefulle selvportrettet med kappe (1886): ekte Monet eller forfalskning?

I samlingene til Musée Marmottan Monet tronet et spesielt foruroligende verk, datert 1886 og kjent under navnet Autoportrait à la cape, hvis tilskrivning fortsatt diskuteres blant de mest lærde spesialistene. Dette maleriet viser en mann kledd i en mørk kappe og med hatt, blikket flakkende, i en stil som ser ut til å vakle mellom Monets manér og hans samtidige etterligneres. Noen kunsthistorikere peker på vaklende penselføring eller fargevalg som ikke helt samsvarer med den perioden da maleren allerede arbeidet med sine serier av popler og katedraler. Denne usikkerheten tilfører et ekstra lag av mystikk til kunstnerens allerede magre personlige ikonografi, og gjør dette lerretet til en politisk gåte i hjertet av kunsthistorien.

Hvis man godtar hypotesen om at det virkelig er hans eget verk, markerer dette portrettet et overgangsøyeblikk der Monet kanskje eksperimenterer med en form for tilbakevending til en mer strukturert figurfremstilling før han for godt dykker inn i formenes oppløsning. Teksturen i maleriet, kun synlig på et lerret bearbeidet med olje av en dyktig kopist som kan nyansere grått og svart, avslører pastose strøk som prøver å fange lyset på kappens tunge stoff. Hvis det derimot er en forfalskning, vitner det om hvor vanskelig det er å etterligne mesterens spontanitet, for selv de beste forfalskere strever med å gjengi denne særegne vibrasjonen i Monets penselføring. Det er et skoleeksempel for å forstå at autentisitet ikke bare ligger i likheten, men i dynamikken i det maleriske grepet.

Portrettet av Nadar (1899): bildet som fastslo alt

Selv om Monet sjelden malte sitt eget ansikt, lot han det fange av Félix Nadars nådeløse objektiv under en minneverdig seanse i 1899 i Nadars parisiske atelier i Avenue de Clichy. Som femtiniåring bar maleren et gryende grått skjegg og hadde et blikk av sjelden intensitet, rettet mot kameraet med en rolig selvsikkerhet som står i sterk kontrast til malerienes uro. Dette fotografiet har blitt det kanoniske bildet av kunstneren, det som pryder skolebøker og frimerker, og som for ettertiden fastfryser arketypen på impresjonismens geni på høyden av sin karriere. Fotografiet, kunsten som fanger øyeblikket, lykkes der Monets maleri bevisst mislykkes: det stanser tiden og krystalliserer en sosial identitet som maleren selv nektet å bygge opp på lerretet.

Styrken i dette portrettet ligger i Nadars typiske mestring av naturlig lys, som skulpturerer ansiktstrekkene uten overdreven hardhet, og avslører hudens tekstur og blikkets dybde. Likevel forblir dette bildet en flat overflate, fratatt den organiske materien som kjennetegner malerens arbeid. Når man velger en kunstnerisk reproduksjon inspirert av denne perioden, er det fåfengt å prøve å kopiere fotografiet; det er bedre å la seg inspirere av motivets holdning for å skape et oljemaleri der skjegg og krage antydes av synlige penselstrøk. Det er i denne oversettelsen fra fotografi til maleri den kunstneriske utfordringen ligger, idet et historisk dokument forvandles til et levende verk med sin egen tykkelse og sin egen kornethet.

Manet, Renoir, Blanche: Monet malt av sine venner

Siden han nektet å male seg selv, overlot Monet til sine kampfeller å fastsette hans image, og tilbyr dermed et galleri av varierte portretter som forteller hans ulike sider gjennom tiårene. Édouard Manet fremstiller ham i 1874 sett bakfra i hans atelier-båt, oppslukt av sitt arbeid, og gjør ham ikke til et motiv for forfengelighet, men til en arbeider av lyset konsentrert om sin oppgave. Senere tegner Pierre-Auguste Renoir ham i Giverny på 1890-tallet, med en mild impresjonistisk varme, mens Jacques-Émile Blanche på 1920-tallet vil forsøke et uferdig portrett som fanger den gamle mannen i en kontemplativ melankoli. Disse ytre synene er verdifulle fordi de viser hvordan hans jevnaldrende oppfattet denne komplekse mannen, snart en autoritær leder, snart en trofast venn fortapt i sine tanker.

Disse maleriene tilbyr en mangfoldighet av stiler og tilnærminger som man aldri ville finne i en serie monotone selvportretter. Manet insisterer på silhuetten og den profesjonelle konteksten, Renoir på menneskelig varme og farge, Blanche på psykologien til den aldrende skaperen. For en kunstelsker som ønsker å dekorere sitt interiør med en referanse til disse berømte vennskapene, gjør en håndmalt reproduksjon det mulig å velge hvilken side av Monet man vil fremheve. Fargenes rikdom hos Renoir eller den slående kontrasten hos Manet krever et arbeid med å legge lag på lag av olje som bare et håndverksmessig arbeid kan tilby, og gir tilbake til disse kameratskapsscenene den vibrans som et industrielt trykk uopprettelig ville ha flatet ut og gjort ensartet.

Selvportrettet fra 1917: maleren med tilslørt blikk

Mot slutten av sitt liv, da grå stær begynner å sløre hans syn og forvandle hans fargeoppfatning, maler Monet rundt 1917 et av sine aller siste kjente selvportretter, et gripende verk bevart i en privat samling. Syvognsyv år gammel fremstiller maleren seg selv med et tett hvitt skjegg og et blikk som ser ut til å trenge gjennom speilet for å nå noe usynlig, som om han allerede malte det han snart skulle miste. Dette maleriet er det tragiske vitnesbyrdet om en kunstner som kjemper mot den gradvis tiltagende formørkelsen av hans øyne, og bruker malerkunsten ikke lenger bare for å fremstille verden, men for å bekrefte sin egen eksistens overfor sykdommen. Tonene er her noen ganger mørkere, penselføringen mer hakkete, noe som gjenspeiler den økende vanskeligheten med å skjelne de subtile nyansene som var hans kunsts berømmelse.

Dette sene verket har en sjelden følelsesmessig intensitet, fordi det viser en mann som er bevisst sin fysiske skrøpelighet, men alltid drevet av en vilje av jern. For å trofast gjengi dette selvportrettet er det avgjørende å arbeide med malingen med stor følsomhet, ved å variere tykkelsene for å antyde synets forstyrrelse uten å falle tilfeldig inn i uklarhet. En kopierende maler må her vise empati, og forstå at hvert penselstrøk er en handling av motstand mot blindheten. Et enkelt trykk på papir kunne aldri formidle denne indre kampen; bare olje på lerret, med sin evne til å bevare det fysiske sporet av håndbevegelsene, kan yte honnør til dette siste blikket som mesteren har rettet mot seg selv før han vendte seg helt mot sine monumentale nymfeaer.

Ødelegge sine egne portretter: den gamle mannens handling

I de siste årene av sitt liv, på 1920-tallet, gjennomførte Monet en radikal rensing av sitt eget image ved metodisk å ødelegge mange fotografier, skisser og portretter av seg selv. Denne destruksjonshandlingen var ikke et forbigående utbrudd av galskap, men en bevisst vilje til å kontrollere sitt ettermæle og flytte oppmerksomheten fra sin person til sitt ultimate verk, donasjonen av Nymphéas til den franske stat. Ved å viske ut sporene av sitt eget ansikt ønsket han at publikum kun skulle huske lyset, fargene og den rene følelsen i hans landskap, og dermed frigjøre kunsten fra anekdotisk biografi. Det er en form for ydmykhet på høyeste nivå, eller kanskje absolutt stolthet, som går ut på å bestemme at bare arbeidet teller, ikke arbeideren som utførte det.

Denne bevisste tilbaketrekningen fra personlig ikonografi forsterker ytterligere mystikken rundt mannen og gir en uvurderlig verdi til de sjeldne bildene som slapp unna denne ikonoklastiske likbålet. For en innreder eller kunstelsker betyr dette at hver reproduksjon av et portrett av Monet blir et sjeldent objekt, ladet med historien om denne viljen til utslettelse. Å velge å henge et slikt bilde i en moderne stue er å akseptere å konfrontere betrakteren med dette paradokset: å se ansiktet til en mann som gjorde alt for at man ikke skulle se på ham. Kvaliteten på reproduksjonen må derfor være uangripelig, med fargegjengivelse og lerretstekstur som hedrer denne intensjonen om å etterlate et varig spor til tross for kunstnerens vilje til å forsvinne.

Interiørdekor

Den maleriske identiteten til en landskapsmaler: hva fraværet av selvportrett sier

Fremfor alt leses Claude Monets maleriske identitet også gjennom det han nesten aldri maler: seg selv. Denne sjeldenheten gir selvportrettene, fotografiske portrettene og portrettene av hans venner en spesiell verdi, fordi de viser mannen bak lyset uten å forvandle artikkelen til et støvete familiealbum. Emnet forblir altså Monets ansikt, men et ansikt observert i fragmenter: bitende karikatur, offisielt fotografi, sent blikk og silhuetter sett av Manet eller Renoir.

For en innredning som henger sammen med dette emnet, er det best å holde seg innen portrettfamilien: Monets selvportrett, portrett med beret, portrett av Jean Monet eller en samling portretter malt i olje. Monets landskap forblir praktfulle, men her bør de ikke stjele oppmerksomheten fra hovedtemaet. En håndmalt reproduksjon gir nettopp tilstedeværelsen av materie, dybden i blikket og den lille menneskelige spenningen som et flatt trykk altfor raskt gjør om til et vanlig veggo Dokument.

Selvportrett

Selvportrett - Claude Monet

Reproduksjonen som er mest direkte knyttet til motivet: Monet overfor sitt eget ansikt, i oljemaling.

Selvportrett

Selvportrett med barett - Claude Monet

Et annet sjeldent bilde av Monet, nyttig for å sammenligne holdning, drakt og blikkets tilstedeværelse.

Portrett

Portrett av Jean Monet - Claude Monet

Et portrett malt av Monet selv, nær temaet ansikt og familiær intimitet.