Topp 100 – Thailandsk maleri
Thailandsk maleri: 100 essensielle malerier fra Thailands museer
Fra MOCA Bangkok til National Gallery og Silpakorn-samlingene, hundre malerier valgt for sin betydning, ikke bare for tilgjengelighet på nett.
Denne Topp 100 bygger på museumsnotater og en svært enkel regel: hver oppføring må være et verifiserbart maleri. Bronse, fotografier, tegninger, grafikk og museumsvesker blir derfor høflig holdt utenfor.
Fra nasjonale samlinger til MOCA Bangkok
Hundre malerier valgt for deres vekt i thailandsk kunst
MOCA Bangkok huser en omfattende samling av thailandsk samtidskunst. Rommene viet Thawan Duchanee og samlingene til Chalermchai Kositpipat, Prateep Kochabua, Somphong Adulyasaraphan og Panya Vijinthanasarn gir rangeringen dens første kjerne.
En ekte rangering forveksler ikke hundre tilgjengelige bilder med hundre essensielle verk: museet, kunstneren og historien må først stemme.Gå til bildene
Klassifiseringen i bilder
Chalermchai, Thawan, Fua, Chakrabhand, Panya og de mest anerkjente historiske bildene åpner rangeringen.
#1
Hyllest til Lord Buddha
« Paying Respect to Lord Buddha » tiltrekker først med fargen, og holder deretter blikket fast med en fortelling som leses nesten gest for gest. I « Paying Respect to Lord Buddha » forener Chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visjonært rom; tradisjonen fungerer ikke som dekorativ bakgrunn, den blir bildets motor. Notatet for « Paying Respect to Lord Buddha » gir konkrete referanser: 1990, MOCA Bangkok, 63cm x 232.5cm. For « Paying Respect to Lord Buddha » kommer særegenheten nettopp fra denne blandingen av kodifisert ramme og frihet i detaljene.
Se museumsomtalen →
#2
Spiritual Eye
I « Spiritual Eye » blir det malte rommet en aktiv scene der arkitektur, figurer og ornamenter beveger seg i samme takt. I « Spiritual Eye » forener Chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visjonært rom; tradisjonen fungerer ikke som dekorativ bakgrunn, den blir bildets motor. Notatet for « Spiritual Eye » gir konkrete referanser: 1994, MOCA Bangkok, 64cm x 89cm. For « Spiritual Eye » kommer man tilbake for episoden, og blir værende for detaljene som diskret har forberedt sitt slag.
Se museumsomtalen →
#3
Black Magic Defies Goddess
« Black Magic Defies Goddess » skiller aldri virkelig fortellingen fra dekorasjonen: hver kontur hjelper historien å finne sin plass. I « Black Magic Defies Goddess » forener Chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visjonært rom; tradisjonen fungerer ikke som dekorativ bakgrunn, den blir bildets motor. Notatet for « Black Magic Defies Goddess » gir konkrete referanser: 1987, MOCA Bangkok, 89.5cm x 120cm. For « Black Magic Defies Goddess » minner verket om at thailandsk maleri forteller med linjen like mye som med figurene.
Se museumsomtalen →
#4
Good and Evil
Komposisjonen i « Good and Evil » organiserer en mengde detaljer uten å miste hovedtråden, noe som hindrer blikket i å måtte finne veien. I « Good and Evil » forener Chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visjonært rom; tradisjonen fungerer ikke som dekorativ bakgrunn, den blir bildets motor. Notatet for « Good and Evil » gir konkrete referanser: 1990, MOCA Bangkok, 90cm x 120cm. For « Good and Evil » beholder maleriet dermed et dobbeltliv: dokument fra sin tid og en fortsatt aktiv visuell opplevelse.
Se museumsomtalen →
#5
Kjærlighetens hvisken (Pu Man Ya Man)
Med « Kjærlighetens hvisken (Pu Man Ya Man) » forvandler thailandsk maleri en presis scene til en varig visuell hukommelse. I « Kjærlighetens hvisken (Pu Man Ya Man) », ved Wat Phumin, gir de nære profilene, klærne og den fortrolige gesten scenen en intimitet som er blitt emblem for Nan. Beskrivelsen av « Kjærlighetens hvisken (Pu Man Ya Man) » gir konkrete holdepunkter: ca. 1867, Wat Phumin, Nan. For « Kjærlighetens hvisken (Pu Man Ya Man) » vinner bildet dybde uten å miste klarheten som gjør det umiddelbart minneverdig.
Se museumsomtalen →
#6
Churning of the Milk Ocean
« Churning of the Milk Ocean » oppdages lagvis: først handlingen, så tegnene, deretter de små funnene i margene. I « Churning of the Milk Ocean » bygger Prateep Kochabua en thailandsk surrealisme fylt med myter, kropper, dyr og minner; drømmen har mange detaljer og intet ønske om å forbli diskret. Beskrivelsen av « Churning of the Milk Ocean » gir konkrete holdepunkter: 2010, MOCA Bangkok, 200 cm x 500 cm. For « Churning of the Milk Ocean » forblir resultatet levende fordi fortellingen aldri visker ut materialet eller gleden ved å se.
Se museumsomtalen →
#7
Middle Earth (Part of The Three Kingdoms)
I « Middle Earth (Part of The Three Kingdoms) » gir flate fargefelt, linjer og skalaendringer fortellingen en svært konkret energi. I « Middle Earth (Part of The Three Kingdoms) » fornyer panya Vijinthanasarn buddhistisk maleri gjennom monumentale komposisjoner der kosmologi, symbol og samtidsrom samspiller. Notisen til « Middle Earth (Part of The Three Kingdoms) » gir konkrete holdepunkter: 2011, MOCA Bangkok, 300cm x 700cm. For « Middle Earth (Part of The Three Kingdoms) » gir denne dialogen mellom fortelling og overflate den et nærvær som langt overskrider sitt umiddelbare emne.
Se museumsomtalen →
#8
Portrait of a Girl (Duangta Nandakwang)
« Portrait of a Girl (Duangta Nandakwang) » viser at et bilde kan være både hengivenhet, krønike og glede over detaljer uten å bli en endeløs samling. I « Portrait of a Girl (Duangta Nandakwang) » gir chakrabhand Posayakrit portrettet en elegant presisjon der drakten, positur og modellens stillhet blir like viktige som ansiktet. Notisen til « Portrait of a Girl (Duangta Nandakwang) » gir konkrete holdepunkter: 1971, Art Centre Silpakorn University. For « Portrait of a Girl (Duangta Nandakwang) » gir den en nyttig milepæl for å forstå hvordan de siamesiske verkstedene tilpasset tekster, ritualer og observasjon av verden.
Se museumsomtalen →
#9
Mahabhinishkramana 2
Det første blikket fanger episoden i « Mahabhinishkramana 2 »; det andre legger merke til hvor mye gestene og fargene styrer tempoet. I « Mahabhinishkramana 2 » kombinerer thongchai Srisukprasert maleri, collage og buddhistisk ikonografi for å gjøre oppvåkningen, forsakelsen og eksistensens sykluser synlige. Notisen til « Mahabhinishkramana 2 » gir konkrete holdepunkter: 2008, MOCA Bangkok, 175cm x 250cm. For « Mahabhinishkramana 2 » forklarer denne spenningen mellom religiøs funksjon og visuell oppfinnelse dens varige styrke.
Se museumsomtalen →
#10
New Exhibition of Fossils
« New Exhibition of Fossils » fører blikket mellom hovedfigurer og bi-scener som en fortelling som kjenner sine snarveier perfekt. I « New Exhibition of Fossils » omdanner somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og rural fantasi til surrealistiske verdener der hver metamorfose bærer en konkret idé. Notisen til « New Exhibition of Fossils » gir konkrete holdepunkter: 2006, MOCA Bangkok, 194 cm x 153 cm. For « New Exhibition of Fossils » ligger styrken like mye i dens historiske verdi som i måten bildet forblir lesbart i dag.
Se museumsomtalen →
#11
Seated Man
I « Seated Man » stenger rammen ikke inn historien: den gir den en retning, pauser og noen velvalgte omveier. I « Seated Man » gir chakrabhand Posayakrit portrettet en elegant presisjon der drakten, posituren og modellens stillhet blir like viktige som ansiktet. Notisen til « Seated Man » gir konkrete holdepunkter: 1974, Art Centre Silpakorn University. For « Seated Man » kommer særegenheten nettopp fra blandingen av kodifisert ramme og frihet i detaljene.
Se museumsomtalen →
#12
La reine Suriyothai au combat sur son éléphant
Styrken til «Dronning Suriyothai i kamp på sin elefant» kommer fra balansen mellom narrativ lesbarhet og dekorativ overflod. I «Dronning Suriyothai i kamp på sin elefant» organiserer den anonyme siamesiske kunstneren bildet etter en billedlogikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser samspiller. Notisen til «Dronning Suriyothai i kamp på sin elefant» gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, thailandsk samling. For «Dronning Suriyothai i kamp på sin elefant» vender man tilbake for episoden, og blir deretter for detaljene som diskret har forberedt sitt utfall.
Se museumsomtalen →
#13
Festival
« Festival » har den gavmilde tettheten der hver figur ser ut til å ha noe å gjøre, noen ganger mer enn forventet. I « Festival » tilhører prasong Luemuang generasjonene som ble utmerket ved de nasjonale kunstutstillingene; komposisjon, farge og lokal erfaring bygger en moderneitet som er solid thailandsk. Notisen til « Festival » gir konkrete holdepunkter: 1988, Art Centre Silpakorn University. For « Festival » minner verket om at thailandsk maleri forteller like mye med linjen som med figurene.
Se museumsomtalen →
#14
Blind Musicians
I « Blind Musicians » gjør hierarkiet av størrelser og posisjoner episoden forståelig selv før man kjenner alle navnene. I « Blind Musicians » organiserer bundit Padungvichian bildet etter en billedlogikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser samarbeider. Notisen til « Blind Musicians » gir konkrete holdepunkter: 1967, Art Centre Silpakorn University. For « Blind Musicians » bevarer maleriet dermed et dobbelt liv: dokument fra sin tid og en fortsatt aktiv visuell opplevelse.
Se museumsomtalen →
#15
Zebra Crossing
« Zebra Crossing » kombinerer tegningens presisjon og fortellingens frihet på en flate som forblir levende på alle avstander. I « Zebra Crossing » organiserer bundit Padungvichian bildet etter en billedlogikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser samarbeider. Notisen til « Zebra Crossing » gir konkrete holdepunkter: 1965, Art Centre Silpakorn University. For « Zebra Crossing » vinner bildet dermed dybde uten å miste klarheten som gjør det umiddelbart minneverdig.
Se museumsomtalen →
#16
The Gateway to Nirvana
Scenen i « The Gateway to Nirvana » beveger seg gjennom blikk, hender, dyr og arkitekturer, med en følelse av bevegelse som ikke er avhengig av støy. I « The Gateway to Nirvana » forener chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visjonært rom; tradisjonen tjener ikke som dekorativ bakgrunn, den blir bildets drivkraft. Notisen til « The Gateway to Nirvana » gir konkrete holdepunkter: 1994, MOCA Bangkok, 180cm x 200cm. For « The Gateway to Nirvana » forblir resultatet levende fordi fortellingen aldri visker ut materialet eller gleden ved å se.
Se museumsomtalen →
#17
In Praise of Lord Buddha
« In Praise of Lord Buddha » gir en umiddelbar tilstedeværelse til den religiøse eller episke verden den skildrer, uten å redusere den til en enkel illustrasjon. I « In Praise of Lord Buddha » forener chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visjonært rom; tradisjonen tjener ikke som dekorativ bakgrunn, den blir bildets drivkraft. Notisen til « In Praise of Lord Buddha » gir konkrete holdepunkter: 1992, MOCA Bangkok, 150cm x 300cm. For « In Praise of Lord Buddha » gir denne dialogen mellom fortelling og flate den en tilstedeværelse som strekker seg langt utover sitt umiddelbare emne.
Se museumsomtalen →
#18
Village and Town Corruption
I « Village and Town Corruption » bygger de gjentatte motivene opp rytmen mens avvikene gir hver episode sin særegne vekt. I « Village and Town Corruption » forvandler somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og rural fantasi til surrealistiske verdener der hver metamorfose bærer en konkret idé. Notisen til « Village and Town Corruption » gir konkrete holdepunkter: 1994, MOCA Bangkok, 115cm x 134cm. For « Village and Town Corruption » gir den en nyttig referanse for å forstå hvordan de siamesiske verkstedene tilpasset tekster, ritualer og observasjon av verden.
Se museumsomtalen →.jpg)
#19
Vidhura lærer Dhamma til yakkha Punnaka
« Vidhura lærer Dhamma til yakkha Punnaka » vet å fylle plassen uten å kvele den, en verdifull ferdighet i et palass som på en skjerm. I « Vidhura lærer Dhamma til yakkha Punnaka » organiserer verkstedene ved Wat Suthat bildet etter en billedlogikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser samarbeider. Notisen til « Vidhura lærer Dhamma til yakkha Punnaka » gir konkrete referanser: 1800-tallet, Wat Suthat, Bangkok. For « Vidhura lærer Dhamma til yakkha Punnaka » forklarer denne spenningen mellom religiøs funksjon og visuell oppfinnelse dens varige styrke.
Se museumsomtalen →,_Thailand_-_Buddhas_of_the_past_and_future;_banner_painting_(phra_bot)_-_Google_Art_Project.jpg)
#20
Fortidens og fremtidens Buddhaer, phra bot-banner
Fargen i « Fortidens og fremtidens Buddhaer, phra bot-banner » fordeler rollene like sikkert som kostymene, positurer og attributter. I « Fortidens og fremtidens Buddhaer, phra bot-banner » styrer Buddha-figuren komposisjonens akse; tilbedere, flammer, lotus og sekundære registre gjør et åndelig hierarki synlig. Notisen til « Fortidens og fremtidens Buddhaer, phra bot-banner » gir konkrete referanser: Rattanakosin-perioden, Asian Art Museum, San Francisco. For « Fortidens og fremtidens Buddhaer, phra bot-banner » ligger styrken like mye i dens historiske verdi som i måten bildet forblir lesbart i dag.
Se museumsomtalen →
#21
Panya or Wisdom : Means of Survival
« Panya or Wisdom : Means of Survival » forener hellig fortelling og observasjon av hverdagen, slik at en kjent detalj plutselig kan bære en enorm idé. I « Panya or Wisdom : Means of Survival » organiserer Pradit Tungprasartwong bildet etter en billedlogikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser samarbeider. Notisen til « Panya or Wisdom : Means of Survival » gir konkrete referanser: 2011, Art Centre Silpakorn University. For « Panya or Wisdom : Means of Survival » kommer dens særegenhet nettopp fra denne blandingen av kodifisert rammeverk og frihet i detaljene.
Se museumsomtalen →
#22
Calumny
I «Calumny» kommer ikke ornamentet etter historien: det deltar i dens fart, dens høytidelighet og noen ganger dens humor. I «Calumny» bygger Prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket av myter, kropper, dyr og minner; drømmen har mange detaljer og intet ønske om å være diskré. Notisen til «Calumny» gir konkrete holdepunkter: 2002, MOCA Bangkok, 110cm x 150cm. For «Calumny» kommer man tilbake for episoden, og så blir man for detaljene som diskré hadde forberedt sitt angrep.
Se museumsomtalen →
#23
Dream Land I
«Dream Land I» forvandler veggen, lerretet eller siden til et rom som blikket gjennomløper snarere enn et bilde som forbrukes i ett drag. I «Dream Land I» bygger Prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket av myter, kropper, dyr og minner; drømmen har mange detaljer og intet ønske om å være diskré. Notisen til «Dream Land I» gir konkrete holdepunkter: 2002, MOCA Bangkok, 150cm x 200cm. For «Dream Land I» minner verket om at thailandsk maleri forteller like mye med linjen som med figurene.
Se museumsomtalen →
#24
The 15th Day of the Waxing Moon in the Year of the Tiger
Fortellingen i «The 15th Day of the Waxing Moon in the Year of the Tiger» forblir tydelig til tross for detaljrikdommen, et bevis på at en vellaget folkemengde kan være bedre organisert enn en kø. I «The 15th Day of the Waxing Moon in the Year of the Tiger» omdanner Somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og rural forestillingsevne til surrealistiske verdener der hver metamorfose bærer en konkret idé. Notisen til «The 15th Day of the Waxing Moon in the Year of the Tiger» gir konkrete holdepunkter: 2008, MOCA Bangkok, 137cm x 181cm. For «The 15th Day of the Waxing Moon in the Year of the Tiger» har maleriet dermed et dobbelt liv: dokument fra sin tid og en visuell opplevelse som alltid er virksom.
Se museumsomtalen →
#25
Hanuman og Ongkhot oppdager Kumphakans hærer
«Hanuman og Ongkhot oppdager Kumphakans hærer» forener bevegelse, symbol og dekor i en komposisjon som gradvis avslører sin orden. I «Hanuman og Ongkhot oppdager Kumphakans hærer» tilhører episoden Ramakien: hærer, palasser og heltefigurer er fordelt i raske sekvenser, mens Hanuman ofte bringer like mye driv som skøyeraktighet. Notisen til «Hanuman og Ongkhot oppdager Kumphakans hærer» gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Maleri fra Ramakien. For «Hanuman og Ongkhot oppdager Kumphakans hærer» vinner bildet dermed dybde uten å miste den klarheten som gjør det umiddelbart minneverdig.
Se museumsomtalen →Verk fra MOCA Bangkok og vinnere av de nasjonale utstillingene etablerer en dokumentert moderne kanon.
#26
Telepathy
« Telepathy » tiltrekker først med fargen, og fanger deretter blikket med en fortelling som leses nesten bevegelse for bevegelse. I « Telepathy » assosierer chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visjonært rom; tradisjonen fungerer ikke som dekorativ bakgrunn, den blir bildets drivkraft. Notisen til « Telepathy » gir konkrete referanser: 1990, MOCA Bangkok, 120cm x 90cm. For « Telepathy » forblir resultatet levende fordi fortellingen aldri visker ut materialet eller gleden ved å se.
Se museumsomtalen →
#27
lndra at Travatimsa Heaven
I « lndra at Travatimsa Heaven » blir det malte rommet en aktiv scene der arkitektur, figurer og ornamenter beveger seg i samme takt. I « lndra at Travatimsa Heaven » assosierer chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visjonært rom; tradisjonen fungerer ikke som dekorativ bakgrunn, den blir bildets drivkraft. Notisen til « lndra at Travatimsa Heaven » gir konkrete referanser: 1993, MOCA Bangkok, 89cm x 119cm. For « lndra at Travatimsa Heaven » gir denne dialogen mellom fortelling og overflate den et nærvær som langt overskrider dets umiddelbare emne.
Se museumsomtalen →
#28
Le Bouddha descendant du ciel Trayastrimsa à Sankissa
« Buddha som stiger ned fra Trayastrimsa-himmelen i Sankissa » skiller aldri virkelig fortellingen fra scenen: hver kontur hjelper historien å finne sin plass. I « Buddha som stiger ned fra Trayastrimsa-himmelen i Sankissa », kontrollerer Buddhas skikkelse komposisjonens akse; tjenere, flammer, lotus og sekundære registre gjør et åndelig hierarki synlig. Merknaden til « Buddha som stiger ned fra Trayastrimsa-himmelen i Sankissa » gir konkrete referanser: 1800-tallet, Metropolitan Museum of Art, 142,2 x 74,3 cm. For « Buddha som stiger ned fra Trayastrimsa-himmelen i Sankissa », gir den en nyttig milepæl for å forstå hvordan siamesiske verksteder tilpasset tekster, ritualer og observasjon av verden.
Se museumsomtalen →
#29
The Blessing of Lord Buddha
Komposisjonen av « The Blessing of Lord Buddha » organiserer en mengde detaljer uten å miste hovedtråden, noe som hindrer blikket i å måtte lete seg frem. I « The Blessing of Lord Buddha » forener chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visjonært rom; tradisjonen tjener ikke som dekorativ bakgrunn, den blir bildets drivkraft. Notisen til « The Blessing of Lord Buddha » gir konkrete referanser: 2006, MOCA Bangkok, 177.5cm x 146.7cm. For « The Blessing of Lord Buddha » forklarer denne spenningen mellom religiøs funksjon og visuell oppfinnelse dens varige styrke.
Se museumsomtalen →_(CBL_Thi_1302).jpg)
#30
Manuel de divination Phrommachat
Med « Manuel de divination Phrommachat » forvandler thailandsk maleri en presis scene til en varig visuell hukommelse. I « Manuel de divination Phrommachat » organiserer en anonym thailandsk kunstner bildet etter en billedlogikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser arbeider sammen. Notisen til « Manuel de divination Phrommachat » gir konkrete referanser: 1800-tallet, Chester Beatty Library, Dublin. For « Manuel de divination Phrommachat » ligger styrken like mye i dens historiske verdi som i måten bildet forblir lesbart i dag.
Se museumsomtalen →
#31
Clairvoyant in Heaven
« Clairvoyant in Heaven » oppdages lagvis: handlingen først, så tegnene, deretter de bitte små funnene etterlatt i margene. I « Clairvoyant in Heaven » forener chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visjonært rom; tradisjonen tjener ikke som dekorativ bakgrunn, den blir bildets drivkraft. Notisen til « Clairvoyant in Heaven » gir konkrete referanser: 1989, MOCA Bangkok, 90cm x 120cm. For « Clairvoyant in Heaven » kommer dens egenart nettopp av denne blandingen av kodifisert ramme og frihet i detaljene.
Se museumsomtalen →
#32
At Your Beck and Call
I « At Your Beck and Call » gir fargeflatene, linjene og skalavekslingene fortellingen en meget konkret energi. I « At Your Beck and Call » skaper prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket av myter, kropper, dyr og minner; drømmen har mange detaljer og ingen trang til å være diskret. Notisen til « At Your Beck and Call » gir konkrete referanser: 2000, MOCA Bangkok, 105cm x 145cm. For « At Your Beck and Call » kommer man tilbake for episoden, og blir for detaljene som i det stille hadde forberedt sitt angrep.
Se museumsomtalen →_-_Walters_35264_-_A_T_Front.jpg)
#33
Vessantara Jataka : Les Dix Dons
« Vessantara Jataka : Les Dix Dons » viser at et bilde kan være både hengivenhet, kronikk og detaljens glede uten å bli en endeløs samling. I « Vessantara Jataka : Les Dix Dons » setter fortellingen om prins Vessantara sjenerøsitet, separasjon og tilbakekomst på prøve; gestene gjør disse moralske valgene umiddelbart synlige. Beskrivelsen av « Vessantara Jataka : Les Dix Dons » gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Walters Art Museum, Baltimore. For « Vessantara Jataka : Les Dix Dons » minner verket om at thailandsk maleri forteller like mye med linjen som med figurene.
Se museumsomtalen →
#34
Fantasy Land III
Det første blikket fanger episoden i « Fantasy Land III »; det andre merker hvor mye gestene og fargene bestemmer tempoet. I « Fantasy Land III » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket med myter, kropper, dyr og minner; drømmen har mange detaljer og intet ønske om å være diskret. Beskrivelsen av « Fantasy Land III » gir konkrete holdepunkter: 2011, MOCA Bangkok, 150cm x 225cm. For « Fantasy Land III » beholder maleriet dermed et dobbeltliv: dokument fra sin tid og en visuell opplevelse som fortsatt er aktiv.
Se museumsomtalen →_-_Walters_35265_-_A_T_Front.jpg)
#35
Vessantara Jataka : La forêt de l'Himavanta
« Vessantara Jataka : La forêt de l'Himavanta » får øyet til å bevege seg mellom hovedfigurer og bi-scener som en fortelling som kjenner sine snarveier perfekt. I « Vessantara Jataka : La forêt de l'Himavanta » setter fortellingen om prins Vessantara sjenerøsitet, separasjon og tilbakekomst på prøve; gestene gjør disse moralske valgene umiddelbart synlige. Beskrivelsen av « Vessantara Jataka : La forêt de l'Himavanta » gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Walters Art Museum, Baltimore. For « Vessantara Jataka : La forêt de l'Himavanta » vinner bildet dermed dybde uten å miste klarheten som gjør det umiddelbart minneverdig.
Se museumsomtalen →
#36
Way to Heaven
I « Way to Heaven » stenger ikke rammen inne historien: den gir den retning, pauser og noen velvalgte omveier. I « Way to Heaven » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket med myter, kropper, dyr og minner; drømmen har mange detaljer og intet ønske om å være diskret. Beskrivelsen av « Way to Heaven » gir konkrete holdepunkter: 2011, MOCA Bangkok, 200cm x 170cm. For « Way to Heaven » forblir resultatet levende fordi fortellingen aldri visker bort materialet eller gleden ved å se.
Se museumsomtalen →
#37
Fantasy Land II
Styrken til « Fantasy Land II » kommer av balansen mellom narrativ lesbarhet og dekorativ overflod. I « Fantasy Land II » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket med myter, kropper, dyr og minner; drømmen har mange detaljer og intet ønske om å være diskret. Beskrivelsen av « Fantasy Land II » gir konkrete holdepunkter: 2010, MOCA Bangkok, 165cm x 300cm. For « Fantasy Land II » gir denne dialogen mellom fortelling og overflate den en tilstedeværelse som går langt utover det umiddelbare motivet.
Se museumsomtalen →_-_Walters_35266_-_A_T_Front.jpg)
#38
Vessantara Jataka : Gaven
« Vessantara Jataka : Gaven » har denne sjenerøse tettheten der hver figur ser ut til å ha noe å gjøre, noen ganger mer enn planlagt. I « Vessantara Jataka : Gaven » setter fortellingen om prins Vessantara sjenerøsitet, adskillelse og tilbakekomst på prøve; handlingene gjør disse moralske valgene umiddelbart synlige. Merknaden for « Vessantara Jataka : Gaven » gir konkrete referanser: 1800-tallet, Walters Art Museum, Baltimore. For « Vessantara Jataka : Gaven » gir den en nyttig pekepinn for å forstå hvordan siamesiske verksteder tilpasset tekster, ritualer og observasjon av verden.
Se museumsomtalen →
#39
Journey to the Next World IV : Journey by Sea
I « Journey to the Next World IV : Journey by Sea » gjør hierarkiet av størrelser og posisjoner episoden forståelig selv før man kjenner alle navnene. I « Journey to the Next World IV : Journey by Sea » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme fylt med myter, kropper, dyr og minner; drømmen har mange detaljer og intet ønske om å være diskret. Merknaden for « Journey to the Next World IV : Journey by Sea » gir konkrete referanser: 2007, MOCA Bangkok, 160cm x 260cm. For « Journey to the Next World IV : Journey by Sea » forklarer denne spenningen mellom religiøs funksjon og visuell oppfinnelse dens varige styrke.
Se museumsomtalen →_-_Walters_35268_-_A_T_Front.jpg)
#40
Vessantara Jataka : De kongelige barna
« Vessantara Jataka : De kongelige barna » kombinerer tegningens presisjon og fortellingens frihet på en overflate som forblir levende på alle avstander. I « Vessantara Jataka : De kongelige barna » setter fortellingen om prins Vessantara sjenerøsitet, adskillelse og tilbakekomst på prøve; handlingene gjør disse moralske valgene umiddelbart synlige. Merknaden for « Vessantara Jataka : De kongelige barna » gir konkrete referanser: 1800-tallet, Walters Art Museum, Baltimore. For « Vessantara Jataka : De kongelige barna » ligger styrken like mye i dens historiske verdi som i måten bildet forblir lesbart i dag.
Se museumsomtalen →
#41
Dream Land II
Scenen i « Dream Land II » beveger seg gjennom blikk, hender, dyr og arkitekturer, med en følelse av bevegelse som ikke avhenger av støy. I « Dream Land II » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme fylt med myter, kropper, dyr og minner; drømmen har mange detaljer og intet ønske om å være diskret. Merknaden for « Dream Land II » gir konkrete referanser: 2009, MOCA Bangkok, 150cm x 300cm. For « Dream Land II » kommer dets særegenhet nettopp fra denne blandingen av kodifisert rammeverk og frihet i detaljene.
Se museumsomtalen →
#42
Journey to the Next World VIII
« Journey to the Next World VIII » gir en umiddelbar tilstedeværelse til den religiøse eller episke verden den representerer, uten å redusere den til en enkel illustrasjon. I « Journey to the Next World VIII » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme fylt med myter, kropper, dyr og minner; drømmen har mange detaljer og intet ønske om å være diskret. Merknaden for « Journey to the Next World VIII » gir konkrete referanser: 2011, MOCA Bangkok, 165cm x 270cm. For « Journey to the Next World VIII » kommer man tilbake for episoden, og blir igjen for detaljene som diskret har forberedt sitt spill.
Se museumsomtalen →_-_Walters_35247_-_A_T_Front.jpg)
#43
Vessantara Jataka: Maddis retur
I «Vessantara Jataka: Maddis retur» bygger gjentatte mønstre opp rytmen, mens avvikene gir hver episode sin særegne vekt. I «Vessantara Jataka: Maddis retur» setter fortellingen om prins Vessantara generøsitet, adskillelse og gjenforening på prøve; gestene gjør disse moralske valgene umiddelbart synlige. Notisen til «Vessantara Jataka: Maddis retur» gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Walters Art Museum, Baltimore. For «Vessantara Jataka: Maddis retur» minner verket oss om at thailandsk maleri forteller like mye med linjen som med figurene.
Se museumsomtalen →
#44
En fortelling fra Ko Samet
«En fortelling fra Ko Samet» fyller rommet uten å kvele det – en verdifull egenskap både i et palass og på en skjerm. I «En fortelling fra Ko Samet» forvandler Somphong Adulyasaraphan miljøbekymringer og rural fantasi til surrealistiske verdener der hver forvandling bærer en konkret idé. Notisen til «En fortelling fra Ko Samet» gir konkrete holdepunkter: 2005, MOCA Bangkok, 84cm x 150cm. For «En fortelling fra Ko Samet» beholder maleriet dermed et dobbelt liv: som dokument fra sin tid og som en stadig aktiv visuell opplevelse.
Se museumsomtalen →_-_Walters_35269_-_A_T_Front.jpg)
#45
Vessantara Jataka: Indras rike
Fargen i «Vessantara Jataka: Indras rike» fordeler rollene like sikkert som kostymer, positurer og attributter. I «Vessantara Jataka: Indras rike» setter fortellingen om prins Vessantara generøsitet, adskillelse og gjenforening på prøve; gestene gjør disse moralske valgene umiddelbart synlige. Notisen til «Vessantara Jataka: Indras rike» gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Walters Art Museum, Baltimore. For «Vessantara Jataka: Indras rike» vinner bildet dermed dybde uten å miste den klarheten som gjør det umiddelbart minneverdig.
Se museumsomtalen →
#46
Spilt av jente
«Spilt av jente» forener hellig fortelling med dagliglivets observasjon, slik at en kjent detalj plutselig kan bære en enorm idé. I «Spilt av jente» bygger Prateep Kochabua en thailandsk surrealisme fylt med myter, kropper, dyr og minner; drømmen har mange detaljer og intet ønske om å være diskret. Notisen til «Spilt av jente» gir konkrete holdepunkter: 2005, MOCA Bangkok, 90cm x 120cm. For «Spilt av jente» forblir resultatet levende fordi fortellingen aldri utsletter materialet eller gleden ved å se.
Se museumsomtalen →
#47
Glede
I «Glede» kommer ikke ornamentet etter historien: det deltar i dens hastighet, høytidelighet og tidvis humor. I «Glede» bygger Prateep Kochabua en thailandsk surrealisme fylt med myter, kropper, dyr og minner; drømmen har mange detaljer og intet ønske om å være diskret. Notisen til «Glede» gir konkrete holdepunkter: 2013, MOCA Bangkok, 150cm x 100cm. For «Glede» gir denne dialogen mellom fortelling og overflate verket en nærvær som strekker seg langt utover sitt umiddelbare motiv.
Se museumsomtalen →_and_a_scene_from_hell_Wellcome_L0030799.jpg)
#48
Phra Malai foran en helvetesscene
« Phra Malai foran en helvetesscene » forvandler veggen, lerretet eller siden til et rom som blikket vandrer over, snarere enn et bilde som konsumeres på én gang. I « Phra Malai foran en helvetesscene » knytter Phra Malai-syklusen sammen åndelig reise, himmel, helvete og buddhistisk fortjeneste i sider der tekst og bilde utvikler seg sammen. Omtalen av « Phra Malai foran en helvetesscene » gir konkrete referansepunkter: 1800-tallet, Wellcome Collection, London. For « Phra Malai foran en helvetesscene » gir den en nyttig pekepinn for å forstå hvordan siamesiske verksteder tilpasset tekster, ritualer og verdensobservasjon.
Se museumsomtalen →
#49
Immersed in the Moon
Fortellingen i « Immersed in the Moon » forblir tydelig til tross for detaljrikdommen, et bevis på at en godt malt folkemengde kan være bedre organisert enn en kø. I « Immersed in the Moon » gjør somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og landlig fantasi om til surrealistiske verdener der hver metamorfose bærer en konkret idé. Omtalen av « Immersed in the Moon » gir konkrete referansepunkter: 2011, MOCA Bangkok, 90cm x 100cm. For « Immersed in the Moon » forklarer denne spenningen mellom religiøs funksjon og visuell oppfinnelse dens varige styrke.
Se museumsomtalen →
#50
Den fattige tømmerhoggeren plukker lotus
« Den fattige tømmerhoggeren plukker lotus » forener bevegelse, symbol og dekor i en komposisjon hvis orden gradvis avsløres. I « Den fattige tømmerhoggeren plukker lotus » knytter Phra Malai-syklusen sammen åndelig reise, himmel, helvete og buddhistisk fortjeneste i sider der tekst og bilde utvikler seg sammen. Omtalen av « Den fattige tømmerhoggeren plukker lotus » gir konkrete referansepunkter: 1800-tallet, Wellcome Collection, London. For « Den fattige tømmerhoggeren plukker lotus » ligger styrken like mye i dens historiske verdi som i måten bildet fortsatt er lesbart i dag.
Se museumsomtalen →Surrealisme, abstraksjon, portrett og landskap viser flere måter å være moderne på uten å miste det lokale preget.
#51
Two-Dimensional Village
« Two-Dimensional Village » tiltrekker først med fargen, og holder deretter blikket fast med en fortelling som leses nesten gest for gest. I « Two-Dimensional Village » forvandler somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og landlig fantasi til surrealistiske verdener der hver metamorfose bærer en konkret idé. Notisen til « Two-Dimensional Village » gir konkrete holdepunkter: 2013, MOCA Bangkok, 195cm x 280cm. For « Two-Dimensional Village » kommer særegenheten nettopp fra blandingen av kodifisert ramme og frihet i detaljene.
Se museumsomtalen →
#52
A Land Where Life is Found
I « A Land Where Life is Found » blir det malte rommet en aktiv scene der arkitektur, figurer og ornamenter beveger seg i samme takt. I « A Land Where Life is Found » forvandler somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og landlig fantasi til surrealistiske verdener der hver metamorfose bærer en konkret idé. Notisen til « A Land Where Life is Found » gir konkrete holdepunkter: 2009, MOCA Bangkok, 271.5cm x 187.5cm. For « A Land Where Life is Found » kommer man tilbake for episoden, og blir værende for detaljene som diskret har forberedt sitt trekk.
Se museumsomtalen →
#53
Phra Malai converse avec Indra
« Phra Malai converse avec Indra » skiller aldri virkelig fortellingen fra dekoren: hver kontur hjelper historien å finne sin plass. I « Phra Malai converse avec Indra » forbinder Phra Malai-syklusen åndelig reise, paradis, helvete og buddhistisk fortjeneste i sider der tekst og bilde utvikler seg sammen. Notisen til « Phra Malai converse avec Indra » gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wellcome Collection, London. For « Phra Malai converse avec Indra » minner verket om at thailandsk maleri forteller like mye med linjen som med figurene.
Se museumsomtalen →
#54
Rainbow-Colored Fantasy
Komposisjonen til « Rainbow-Colored Fantasy » organiserer en mengde detaljer uten å miste hovedtråden, noe som hindrer blikket i å måtte spørre om veien. I « Rainbow-Colored Fantasy » forvandler somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og landlig fantasi til surrealistiske verdener der hver metamorfose bærer en konkret idé. Notisen til « Rainbow-Colored Fantasy » gir konkrete holdepunkter: 2011, MOCA Bangkok, 190cm x 140cm. For « Rainbow-Colored Fantasy » bevarer maleriet dermed et dobbeltliv: dokument fra sin tid og en alltid aktiv visuell opplevelse.
Se museumsomtalen →
#55
Bodhisattva au ciel accompagné d'anges
Med « Bodhisattva au ciel accompagné d'anges » forvandler thailandsk maleri en presis scene til varig visuell hukommelse. I « Bodhisattva au ciel accompagné d'anges » organiserer en anonym thailandsk kunstner bildet i henhold til en billedlogikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser arbeider sammen. Notisen til « Bodhisattva au ciel accompagné d'anges » gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wellcome Collection, London. For « Bodhisattva au ciel accompagné d'anges » vinner bildet dermed dybde uten å miste klarheten som gjør det umiddelbart minneverdig.
Se museumsomtalen →
#56
The Land of Dreams
« The Land of Dreams » oppdages i lag: først handlingen, deretter tegnene, så de bittesmå funnene som er etterlatt i margene. I « The Land of Dreams » forvandler somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og rural fantasi til surrealistiske verdener hvor hver metamorfose bærer en konkret idé. Merknaden til « The Land of Dreams » gir konkrete referanser: 1995, MOCA Bangkok, 126cm x 145cm. For « The Land of Dreams » forblir resultatet levende fordi fortellingen aldri visker ut materialet eller gleden ved å se.
Se museumsomtalen →
#57
Luang Ta Ma (Traditional Thai Music)
I « Luang Ta Ma (Traditional Thai Music) » gir fargeflatene, linjene og skalaskiftene fortellingen en svært konkret energi. I « Luang Ta Ma (Traditional Thai Music) » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme fylt med myter, kropper, dyr og minner; drømmen har mange detaljer og ingen lyst til å være diskré. Merknaden til « Luang Ta Ma (Traditional Thai Music) » gir konkrete referanser: 2002, MOCA Bangkok, 156cm x 176cm. For « Luang Ta Ma (Traditional Thai Music) » gir denne dialogen mellom fortelling og overflate den en tilstedeværelse som langt overskrider det umiddelbare emnet.
Se museumsomtalen →
#58
L'Arbre épineux des enfers
« L'Arbre épineux des enfers » viser at et bilde kan være både hengivenhet, kronikk og detaljglede uten å bli en uendelig samling. I « L'Arbre épineux des enfers » forbinder syklusen til Phra Malai åndelig reise, paradis, helvete og buddhistisk fortjeneste i sider der tekst og bilder utvikler seg sammen. Merknaden til « L'Arbre épineux des enfers » gir konkrete referanser: 1800-tallet, Wellcome Collection, London. For « L'Arbre épineux des enfers » tilbyr den et nyttig holdepunkt for å forstå hvordan de siamesiske verkstedene tilpasset tekster, ritualer og observasjon av verden.
Se museumsomtalen →
#59
A Land of Mobility
Det første blikket fanger episoden av « A Land of Mobility »; det andre legger merke til hvor mye bevegelser og farger bestemmer tempoet. I « A Land of Mobility » forvandler somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og rural fantasi til surrealistiske verdener hvor hver metamorfose bærer en konkret idé. Merknaden til « A Land of Mobility » gir konkrete referanser: 1992, MOCA Bangkok, 51cm x 143cm. For « A Land of Mobility » forklarer denne spenningen mellom religiøs funksjon og visuell oppfinnelse dens varige styrke.
Se museumsomtalen →
#60
Le Jataka de Candakumara et l'intervention d'Indra
« Jatakaen om Candakumara og Indras inngripen » får øyet til å bevege seg mellom hovedfigurer og sekundære scener som en fortelling som kjenner sine snarveier perfekt. I « Jatakaen om Candakumara og Indras inngripen », forbinder Phra Malai-syklusen åndelig reise, paradis, helvete og buddhistisk fortjeneste i sider der tekst og bilde utvikler seg sammen. Merknaden til « Jatakaen om Candakumara og Indras inngripen » gir konkrete referanser: 1800-tallet, Wellcome Collection, London. For « Jatakaen om Candakumara og Indras inngripen », ligger styrken like mye i dens historiske verdi som i måten bildet fortsatt er lesbart i dag.
Se museumsomtalen →
#61
When Humans Ignore Art
I « When Humans Ignore Art » innelukker ikke rammen historien: den gir den en retning, pauser og noen velvalgte omveier. I « When Humans Ignore Art » bygger prateep Kochabua en thailandsk surrealisme befolket av myter, kropper, dyr og minner; drømmen har mange detaljer og intet ønske om å være diskret. Merknaden til « When Humans Ignore Art » gir konkrete referanser: 2003, MOCA Bangkok, 120cm x 150cm. For « When Humans Ignore Art » kommer særegenheten nettopp fra denne blandingen av kodifisert ramme og frihet i detaljene.
Se museumsomtalen →
#62
Clairvoyant in the Land of Lord Buddha
Styrken til « Clairvoyant in the Land of Lord Buddha » kommer av balansen mellom narrativ lesbarhet og dekorativ overflod. I « Clairvoyant in the Land of Lord Buddha » forener chalermchai Kositpipat buddhistisk ikonografi, virtuos tegning og visjonært rom; tradisjonen fungerer ikke som dekorativ bakgrunn, den blir bildets drivkraft. Merknaden til « Clairvoyant in the Land of Lord Buddha » gir konkrete referanser: 1994, MOCA Bangkok, 65cm x 90cm. For « Clairvoyant in the Land of Lord Buddha » kommer man tilbake for episoden, og så blir man værende for detaljene som diskret har forberedt sitt trekk.
Se museumsomtalen →.jpg)
#63
Ramakien, panel 29 i klostergangen til Wat Phra Kaew
« Ramakien, panel 29 i klostergangen til Wat Phra Kaew » har den sjenerøse tettheten der hver figur ser ut til å ha noe å gjøre, noen ganger til og med mer enn forventet. I « Ramakien, panel 29 i klostergangen til Wat Phra Kaew » tilhører episoden Ramakien: hærer, palasser og heroiske figurer er fordelt i raske sekvenser, mens Hanuman ofte bringer like mye driv som skøyeraktighet. Merknaden til « Ramakien, panel 29 i klostergangen til Wat Phra Kaew » gir konkrete referanser: slutten av 1700-tallet, senere restaurert, Wat Phra Kaew, Bangkok. For « Ramakien, panel 29 i klostergangen til Wat Phra Kaew » minner verket oss om at thailandsk maleri forteller med linjen like mye som med figurene.
Se museumsomtalen →
#64
Scarecrow's Dream
I « Scarecrow's Dream » gjør størrelses- og posisjonshierarkiet episoden forståelig allerede før man kjenner alle navnene. I « Scarecrow's Dream » omdanner Somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og rural fantasi til surrealistiske verdener der hver metamorfose bærer en konkret idé. Beskrivelsen av « Scarecrow's Dream » gir konkrete holdepunkter: 1996, MOCA Bangkok, 81 cm x 104,5 cm. For « Scarecrow's Dream » beholder maleriet dermed et dobbeltliv: som dokument fra sin tid og som en stadig aktiv visuell opplevelse.
Se museumsomtalen →.jpg)
#65
Ramakien, panneau 40 du cloître de Wat Phra Kaew
« Ramakien, panneau 40 du cloître de Wat Phra Kaew » kombinerer tegningens presisjon og fortellingens frihet i en flate som forblir levende på alle avstander. I « Ramakien, panneau 40 du cloître de Wat Phra Kaew » tilhører episoden Ramakien: hærer, palasser og heroiske skikkelser er fordelt i raske sekvenser, mens Hanuman ofte bringer både driv og rampestreker. Beskrivelsen av « Ramakien, panneau 40 du cloître de Wat Phra Kaew » gir konkrete holdepunkter: slutten av 1700-tallet, senere restaurert, Wat Phra Kaew, Bangkok. For « Ramakien, panneau 40 du cloître de Wat Phra Kaew » vinner bildet dermed dybde uten å miste klarheten som gjør det umiddelbart minneverdig.
Se museumsomtalen →
#66
The Last Rainbow Fish
Scenen i « The Last Rainbow Fish » skrider frem gjennom blikk, hender, dyr og arkitektur, med en bevegelsesfølelse som ikke er avhengig av støy. I « The Last Rainbow Fish » omdanner Somphong Adulyasaraphan økologiske bekymringer og rural fantasi til surrealistiske verdener der hver metamorfose bærer en konkret idé. Beskrivelsen av « The Last Rainbow Fish » gir konkrete holdepunkter: 2001, MOCA Bangkok, 60 cm x 160 cm. For « The Last Rainbow Fish » forblir resultatet levende fordi fortellingen aldri visker ut materialet eller gleden ved å se.
Se museumsomtalen →
#67
Mother Earth
« Mother Earth » gir en umiddelbar nærværsfølelse til den religiøse eller episke verden den fremstiller, uten å redusere den til en ren illustrasjon. I « Mother Earth » bygger Prateep Kochabua en thailandsk surrealisme fylt med myter, kropper, dyr og minner; drømmen har mange detaljer og ingen trang til å være diskré. Beskrivelsen av « Mother Earth » gir konkrete holdepunkter: 2011, MOCA Bangkok, 200 cm x 130 cm. For « Mother Earth » gir denne dialogen mellom fortelling og flate den en tilstedeværelse som langt overskrider det umiddelbare motivet.
Se museumsomtalen →.jpg)
#68
Ramakien, panneau 90 du cloître de Wat Phra Kaew
I « Ramakien, panneau 90 du cloître de Wat Phra Kaew » bygger de gjentatte mønstrene rytmen, mens avvikene gir hver episode sin særpregede tone. I « Ramakien, panneau 90 du cloître de Wat Phra Kaew » tilhører episoden Ramakien: hærer, palasser og heroiske skikkelser er fordelt i raske sekvenser, mens Hanuman ofte bringer både driv og rampestreker. Beskrivelsen av « Ramakien, panneau 90 du cloître de Wat Phra Kaew » gir konkrete holdepunkter: slutten av 1700-tallet, senere restaurert, Wat Phra Kaew, Bangkok. For « Ramakien, panneau 90 du cloître de Wat Phra Kaew » gir den en nyttig milepæl for å forstå hvordan siamesiske verksteder tilpasset tekster, ritualer og observasjon av verden.
Se museumsomtalen →
#69
Mahabhinishkramana
« Mahabhinishkramana » vet å fylle rommet uten å kvele det, en ferdighet som er verdifull både i et palass og på en skjerm. I « Mahabhinishkramana » kombinerer thongchai Srisukprasert maleri, collage og buddhistisk ikonografi for å visualisere oppvåkning, avkall og tilværelsens sykluser. Notisen til « Mahabhinishkramana » gir konkrete referanser: 2008, MOCA Bangkok, 125cm x 175cm. For « Mahabhinishkramana » forklarer denne spenningen mellom religiøs funksjon og visuell oppfinnelse dens varige styrke.
Se museumsomtalen →.jpg)
#70
Ramakien, panel 100 i klosteret ved Wat Phra Kaew
Fargen i « Ramakien, panel 100 i klosteret ved Wat Phra Kaew » fordeler rollene like sikkert som kostymer, positurer og attributter. I « Ramakien, panel 100 i klosteret ved Wat Phra Kaew » tilhører episoden Ramakien: hærer, palasser og heroiske figurer er fordelt i raske sekvenser, mens Hanuman ofte bringer like mye driv som sluhet. Notisen til « Ramakien, panel 100 i klosteret ved Wat Phra Kaew » gir konkrete referanser: slutten av 1700-tallet, restaurert siden, Wat Phra Kaew, Bangkok. For « Ramakien, panel 100 i klosteret ved Wat Phra Kaew » ligger dens styrke like mye i dens historiske verdi som i måten bildet fortsatt er lesbart i dag.
Se museumsomtalen →
#71
Transiency
« Transiency » forbinder hellig fortelling og hverdagslig iakttakelse, slik at en kjent detalj plutselig kan bære en enorm idé. I « Transiency » kombinerer thongchai Srisukprasert maleri, collage og buddhistisk ikonografi for å visualisere oppvåkning, avkall og tilværelsens sykluser. Notisen til « Transiency » gir konkrete referanser: 2011, MOCA Bangkok, 125cm x 175cm. For « Transiency » kommer dets særegenhet nettopp fra denne blandingen av kodifisert rammeverk og frihet i detaljene.
Se museumsomtalen →
#72
Logiyadhamma 1
I « Logiyadhamma 1 » kommer ikke ornamentet etter historien: det deltar i dens hastighet, høytidelighet og noen ganger humor. I « Logiyadhamma 1 » kombinerer thongchai Srisukprasert maleri, collage og buddhistisk ikonografi for å visualisere oppvåkning, avkall og tilværelsens sykluser. Notisen til « Logiyadhamma 1 » gir konkrete referanser: 2012, MOCA Bangkok, 283cm x 283cm. For « Logiyadhamma 1 » vender man tilbake for episoden, og blir værende for detaljene som diskret hadde forberedt sitt slag.
Se museumsomtalen →.jpg)
#73
Ramakien, panel 150 i klosteret ved Wat Phra Kaew
« Ramakien, panel 150 i klosteret ved Wat Phra Kaew » forvandler veggen, lerretet eller siden til et rom som blikket reiser gjennom, snarere enn et bilde som konsumeres på en gang. I « Ramakien, panel 150 i klosteret ved Wat Phra Kaew » tilhører episoden Ramakien: hærer, palasser og heroiske figurer er fordelt i raske sekvenser, mens Hanuman ofte bringer like mye driv som sluhet. Notisen til « Ramakien, panel 150 i klosteret ved Wat Phra Kaew » gir konkrete referanser: slutten av 1700-tallet, restaurert siden, Wat Phra Kaew, Bangkok. For « Ramakien, panel 150 i klosteret ved Wat Phra Kaew » minner verket om at thailandsk maleri forteller like mye med linjen som med figurene.
Se museumsomtalen →
#74
Circle has no End
Fortellingen om « Circle has no End » forblir klar til tross for detaljrikdommen, et bevis på at en godt malt folkemengde kan være bedre organisert enn en kø. I « Circle has no End » kombinerer thongchai Srisukprasert maleri, collage og buddhistisk ikonografi for å gjøre oppvåkning, forsakelse og livssykluser synlige. Merknaden til « Circle has no End » gir konkrete holdepunkter: 2012, MOCA Bangkok, 176cm x 176cm. For « Circle has no End » beholder maleriet således et dobbelt liv: dokument av sin tid og en fortsatt aktiv visuell opplevelse.
Se museumsomtalen →.jpg)
#75
Offeringer foran hoffet
« Offeringer foran hoffet » forener bevegelse, symbol og dekor i en komposisjon hvis orden gradvis avsløres. I « Offeringer foran hoffet » organiserer verkstedene ved Wat Suthat bildet etter en billedlig logikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser samarbeider. Merknaden til « Offeringer foran hoffet » gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Suthat, Bangkok. For « Offeringer foran hoffet » vinner bildet således dybde uten å miste klarheten som gjør det umiddelbart minneverdig.
Se museumsomtalen →De siste radene utvider utstillingsløpet, men hvert verk må forbli identifisert, museumspreget og virkelig distinkt.
#76
Scene of Construction No.1
« Scene of Construction No.1 » tiltrekker først med sin farge, og holder deretter blikket med en fortelling som nesten leses gest for gest. I « Scene of Construction No.1 » organiserer pichet Burapathanin bildet i henhold til en billedlig logikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser samarbeider. Notatet til « Scene of Construction No.1 » gir konkrete referanser: 2007, Art Centre Silpakorn University. For « Scene of Construction No.1 » forblir resultatet levende fordi fortellingen aldri visker ut materialet eller gleden ved å se.
Se museumsomtalen →
#77
Impression of Art in the Past No.1
I «Impression of Art in the Past No.1» blir det malte rommet en aktiv scene der arkitektur, figurer og ornamenter beveger seg i samme rytme. I «Impression of Art in the Past No.1» organiserer praiwan Dakliang bildet etter en billedlig logikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser samarbeider. Merknaden til «Impression of Art in the Past No.1» gir konkrete holdepunkter: 1986, Art Centre Silpakorn University. For «Impression of Art in the Past No.1» gir denne dialogen mellom fortelling og overflate et nærvær som strekker seg langt utover det umiddelbare motivet.
Se museumsomtalen →.jpg)
#78
À dos d'éléphant
«À dos d'éléphant» skiller aldri egentlig fortellingen fra dekoren: hver kontur hjelper historien med å finne sin plass. I «À dos d'éléphant» organiserer verkstedene ved Wat Suthat bildet etter en billedlig logikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser samarbeider. Merknaden til «À dos d'éléphant» gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Suthat, Bangkok. For «À dos d'éléphant» gir den en nyttig referanse for å forstå hvordan de siamesiske verkstedene tilpasset tekster, ritualer og observasjon av verden.
Se museumsomtalen →
#79
The Past No.2
Komposisjonen til « The Past No.2 » organiserer en mengde detaljer uten å miste hovedtråden, noe som hindrer blikket i å spørre om veien. I « The Past No.2 » organiserer praiwan Dakliang bildet i henhold til en billedlig logikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser samarbeider. Notatet til « The Past No.2 » gir konkrete referanser: 1981, Art Centre Silpakorn University. For « The Past No.2 » forklarer denne spenningen mellom religiøs funksjon og visuell oppfinnelse dens varige styrke.
Se museumsomtalen →.jpg)
#80
Les Musiciens de cour
Med « Les Musiciens de cour » forvandler thailandsk maleri en presis scene til varig visuelt minne. I « Les Musiciens de cour » organiserer verkstedene ved Wat Suthat bildet etter en malerisk logikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser samarbeider. Notisen til « Les Musiciens de cour » gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Suthat, Bangkok. For « Les Musiciens de cour » ligger styrken like mye i dens historiske verdi som i måten bildet forblir lesbart i dag.
Se museumsomtalen →
#81
Perceptless
« Perceptless » oppdages lagvis: først handlingen, deretter tegnene, så de bitte små funnene som er etterlatt i margene. I « Perceptless » organiserer Anupong Chantorn bildet etter en malerisk logikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser samarbeider. Notisen til « Perceptless » gir konkrete holdepunkter: 2007, Art Centre Silpakorn University. For « Perceptless » kommer det særegne nettopp fra blandingen av kodifisert rammeverk og frihet i detaljene.
Se museumsomtalen →
#82
Reflection No.1
I «Reflection No.1» gir flater, linjer og endringer i skala fortellingen en svært konkret energi. I «Reflection No.1» organiserer amrit Chusuwan bildet etter en billedlogikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser samarbeider. Notisen til «Reflection No.1» gir konkrete holdepunkter: 1984, Art Centre Silpakorn University. For «Reflection No.1» kommer man tilbake for episoden, og så blir man igjen for detaljene som diskret hadde forberedt sitt angrep.
Se museumsomtalen →.jpg)
#83
Indra på elefanten Airavata
«Indra på elefanten Airavata» viser at et bilde kan være både hengivenhet, kronikk og detaljglede uten å bli et uendelig møte. I «Indra på elefanten Airavata» forbinder Phra Malai-syklusen åndelig reise, paradis, helvete og buddhistisk fortjeneste i sider der tekst og bilde utvikler seg sammen. Notisen til «Indra på elefanten Airavata» gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Suthat, Bangkok. For «Indra på elefanten Airavata» minner verket om at thailandsk maleri forteller med linjen like mye som med figurene.
Se museumsomtalen →
#84
Serenity
Det første blikket fanger episoden i «Serenity»; det andre legger merke til hvor mye bevegelsene og fargene regulerer tempoet. I «Serenity» organiserer surasit Saokong bildet etter en billedlogikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser samarbeider. Notisen til «Serenity» gir konkrete holdepunkter: 1981, Art Centre Silpakorn University. For «Serenity» beholder maleriet dermed et dobbeltliv: dokument fra sin tid og visuell opplevelse som fortsatt er aktiv.
Se museumsomtalen →.jpg)
#85
De tre kongedømmene, panel 1 fra Wat Bowonniwet
«De tre kongedømmene, panel 1 fra Wat Bowonniwet» får øyet til å sirkulere mellom hovedfigurer og bi-scener som en fortelling som kjenner sine snarveier perfekt. I «De tre kongedømmene, panel 1 fra Wat Bowonniwet», ved Wat Bowonniwet, er den kinesiske fortellingen om de tre kongedømmene tilpasset thailandsk veggmaleri, med slag, prosesjoner og arkitektur nøye fordelt. Notisen til «De tre kongedømmene, panel 1 fra Wat Bowonniwet» gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Bowonniwet, Bangkok. For «De tre kongedømmene, panel 1 fra Wat Bowonniwet» vinner dermed bildet dybde uten å miste klarheten som gjør det umiddelbart minneverdig.
Se museumsomtalen →
#86
Life and Time No.2
I « Life and Time No.2 » fanger ikke rammen inn historien: den gir den en retning, pauser og noen velvalgte omveier. I « Life and Time No.2 » organiserer kiettisak Chanonnart bildet etter en billedlogikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser arbeider sammen. Merknaden for « Life and Time No.2 » gir konkrete holdepunkter: 1993, Art Centre Silpakorn University. For « Life and Time No.2 » forblir resultatet levende fordi fortellingen aldri visker bort materialet eller gleden ved å se.
Se museumsomtalen →
#87
Beside My Home No.9
Styrken i « Beside My Home No.9 » kommer av balansen mellom narrativ lesbarhet og dekorativ overflod. I « Beside My Home No.9 » organiserer surapong Somsook bildet etter en billedlogikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser arbeider sammen. Merknaden for « Beside My Home No.9 » gir konkrete holdepunkter: 1994, Art Centre Silpakorn University. For « Beside My Home No.9 » gir denne dialogen mellom narrativ og overflate den en tilstedeværelse som langt overskrider sitt umiddelbare emne.
Se museumsomtalen →.jpg)
#88
Les Trois Royaumes, panneau 3 de Wat Bowonniwet
« De tre rikene, panel 3 fra Wat Bowonniwet » har den generøse tettheten der hver figur ser ut til å ha noe å gjøre, noen ganger til og med mer enn forventet. I « De tre rikene, panel 3 fra Wat Bowonniwet », ved Wat Bowonniwet, er den kinesiske fortellingen om De tre rikene tilpasset thailandsk veggmaleri, med kamper, prosesjoner og arkitekturer nøye fordelt. Merknaden til « De tre rikene, panel 3 fra Wat Bowonniwet » gir konkrete referanser: 1800-tallet, Wat Bowonniwet, Bangkok. For « De tre rikene, panel 3 fra Wat Bowonniwet », gir den en nyttig milepæl for å forstå hvordan siamesiske verksteder tilpasset tekster, ritualer og observasjon av verden.
Se museumsomtalen →
#89
Soul of Human
I « Soul of Human » gjør hierarkiet av størrelser og posisjoner episoden forståelig selv før man kjenner alle navnene. I « Soul of Human » organiserer thaweesak Srithongdee bildet etter en billedlogikk der farge, rytme, materiale og thailandske referanser arbeider sammen. Merknaden for « Soul of Human » gir konkrete holdepunkter: 1995, Art Centre Silpakorn University. For « Soul of Human » forklarer spenningen mellom religiøs funksjon og visuell oppfinnelse dens varige styrke.
Se museumsomtalen →.jpg)
#90
Cycle mural de Wat Ko Kaeo Suttharam, scène 4
« Veggmalerisyklus fra Wat Ko Kaeo Suttharam, scene 4 » forener tegningens presisjon med fortellingens frihet på en flate som forblir levende på alle avstander. I « Veggmalerisyklus fra Wat Ko Kaeo Suttharam, scene 4 » beholder tempeldekorasjonen sin opprinnelige rolle: å ledsage den rituelle vandringen samtidig som den gir en malt kronikk over tidens klær, bygninger og gester. Beskrivelsen av « Veggmalerisyklus fra Wat Ko Kaeo Suttharam, scene 4 » gir konkrete holdepunkter: sen Ayutthaya-periode, Wat Ko Kaeo Suttharam, Phetchaburi. For « Veggmalerisyklus fra Wat Ko Kaeo Suttharam, scene 4 » ligger styrken like mye i dens historiske verdi som i måten bildet fortsatt er lesbart i dag.
Se museumsomtalen →
#91
Symbol (Five)
Scenen i « Symbol (Five) » beveger seg gjennom blikk, hender, dyr og arkitektur, med en følelse av bevegelse som ikke er avhengig av bråk. I « Symbol (Five) » organiserer Parinya Tantisuk bildet etter en billedlig logikk der farge, rytme, materialitet og thailandske referanser samarbeider. Beskrivelsen av « Symbol (Five) » gir konkrete holdepunkter: 1998, Art Centre Silpakorn University. For « Symbol (Five) » ligger det særegne nettopp i blandingen av kodifisert rammeverk og frihet i detaljene.
Se museumsomtalen →
#92
Calmness
« Calmness » gir en umiddelbar nærvær til den religiøse eller episke verden den fremstiller, uten å redusere den til en enkel illustrasjon. I « Calmness » organiserer Surasit Saokong bildet etter en billedlig logikk der farge, rytme, materialitet og thailandske referanser samarbeider. Beskrivelsen av « Calmness » gir konkrete holdepunkter: 1986, Art Centre Silpakorn University. For « Calmness » vender man tilbake for episoden, men blir værende for detaljene som diskret har forberedt sitt angrep.
Se museumsomtalen →
#93
Vessantara Jataka ved Wat Suwannaram
I « Vessantara Jataka ved Wat Suwannaram » bygger gjentatte mønstre rytmen, mens avvikene gir hver episode sin særpregede aksent. I « Vessantara Jataka ved Wat Suwannaram » setter fortellingen om prins Vessantara sjenerøsitet, adskillelse og gjenforening på prøve; gestene gjør disse moralske valgene umiddelbart synlige. Beskrivelsen av « Vessantara Jataka ved Wat Suwannaram » gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Suwannaram, Bangkok. For « Vessantara Jataka ved Wat Suwannaram » minner verket oss om at thailandsk maleri forteller like mye gjennom linjen som gjennom figurene.
Se museumsomtalen →
#94
Girl with Man and Woman in the Past
« Girl with Man and Woman in the Past » fyller rommet uten å kvele det, en egenskap som er like verdifull i et palass som på en skjerm. I « Girl with Man and Woman in the Past » organiserer weerasak Sutsadee bildet etter en billedlogikk der farge, rytme, materialitet og thailandske referanser samarbeider. Beskrivelsen av « Girl with Man and Woman in the Past » gir konkrete holdepunkter: 2006, Art Centre Silpakorn University. For « Girl with Man and Woman in the Past » beholder maleriet dermed et dobbeltliv: som dokument fra sin tid og som en stadig aktiv visuell opplevelse.
Se museumsomtalen →.jpg)
#95
Le Bouddha et les fidèles à Wat Suwannaram
Fargen i « Le Bouddha et les fidèles à Wat Suwannaram » fordeler rollene like sikkert som kostymer, positurer og attributter. I « Le Bouddha et les fidèles à Wat Suwannaram » styrer Buddha-figuren komposisjonens akse; tilhengere, flammer, lotusblomster og sekundære registre gjør et åndelig hierarki synlig. Beskrivelsen av « Le Bouddha et les fidèles à Wat Suwannaram » gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Suwannaram, Bangkok. For « Le Bouddha et les fidèles à Wat Suwannaram » vinner bildet dermed dybde uten å miste klarheten som gjør det umiddelbart minneverdig.
Se museumsomtalen →
#96
Life - Truth
« Life - Truth » forener hellig fortelling og hverdagslige iakttagelser, slik at en kjent detalj plutselig kan bære en enorm idé. I « Life - Truth » organiserer kiettisak Chanonnart bildet etter en billedlogikk der farge, rytme, materialitet og thailandske referanser samarbeider. Beskrivelsen av « Life - Truth » gir konkrete holdepunkter: 1994, Art Centre Silpakorn University. For « Life - Truth » forblir resultatet levende fordi fortellingen aldri visker ut materialiteten eller gleden ved å se.
Se museumsomtalen →
#97
Dancing in Silence
I « Dancing in Silence » kommer ornamentet ikke etter historien; det deltar i dens fart, høytidelighet og noen ganger dens humor. I « Dancing in Silence » tilhører prasong Luemuang de generasjonene som ble utmerket av de nasjonale kunstutstillingene; komposisjon, farge og lokal erfaring bygger her en solid thailandsk modernitet. Beskrivelsen av « Dancing in Silence » gir konkrete holdepunkter: 1987, Art Centre Silpakorn University. For « Dancing in Silence » gir denne dialogen mellom fortelling og overflate den en tilstedeværelse som går langt utover det umiddelbare motivet.
Se museumsomtalen →
#98
Scène de cour à Wat Suwannaram
« Scène de cour à Wat Suwannaram » forvandler veggen, lerretet eller siden til et rom som blikket vandrer gjennom snarere enn et bilde som konsumeres på én gang. I « Scène de cour à Wat Suwannaram » beholder tempeldekorasjonen sin primære rolle: å følge den rituelle vandringen samtidig som den tilbyr en malt krønike av sin tids klær, bygninger og bevegelser. Beskrivelsen av « Scène de cour à Wat Suwannaram » gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Suwannaram, Bangkok. For « Scène de cour à Wat Suwannaram » gir den en nyttig milepæl for å forstå hvordan siamesiske verksteder tilpasset tekster, ritualer og observasjon av verden.
Se museumsomtalen →
#99
Ghost Family
Fortellingen i « Ghost Family » forblir tydelig til tross for detaljrikdommen, et bevis på at en godt malt folkemengde kan være bedre organisert enn en kø. I « Ghost Family » organiserer weerasak Sutsadee bildet etter en billedlogikk der farge, rytme, materialitet og thailandske referanser samarbeider. Beskrivelsen av « Ghost Family » gir konkrete holdepunkter: 2009, Art Centre Silpakorn University. For « Ghost Family » forklarer denne spenningen mellom religiøs funksjon og visuell oppfinnelse dens varige styrke.
Se museumsomtalen →
#100
Assemblée céleste à Wat Suwannaram
« Assemblée céleste à Wat Suwannaram » forener bevegelse, symbol og dekor i en komposisjon hvis orden gradvis åpenbarer seg. I « Assemblée céleste à Wat Suwannaram » beholder tempeldekorasjonen her sin opprinnelige rolle: å følge den rituelle vandringen samtidig som den gir en malt krønike av tidens klær, bygninger og gester. Notisen til « Assemblée céleste à Wat Suwannaram » gir konkrete holdepunkter: 1800-tallet, Wat Suwannaram, Bangkok. For « Assemblée céleste à Wat Suwannaram » ligger styrken like mye i dens historiske verdi som i måten bildet fortsatt er leselig i dag.
Se museumsomtalen →Hva rangeringen avslører
Hundre malerier, tre kriterier som teller
Rangeringen kombinerer verkets styrke, kunstnerens anerkjennelse og museets autoritet. Tilgjengeligheten av et bilde gir ikke lenger en medalje alene.
Museet gir konteksten
En institusjonell merknad gir dato, teknikk, dimensjoner, samling og historie i stedet for en enkel, forførende billedtekst.
Kunstneren bygger kontinuiteten
Verk av anerkjente mestere gjør det mulig å følge bruddene og troskapene i moderne thailandsk maleri.
Bildet må forbli lovlig
Et beskyttet verk kan klassifiseres og knyttes til kilden; det blir likevel ikke en fri reproduksjon å selge.
En historie i fem holdepunkter
Fem trinn for å navigere i rangeringen
Pu Man Ya Man blir et av landets mest elskede historiske bilder.
Universitetet, grunnlagt rundt Silpa Bhirasris undervisning, former flere generasjoner av moderne malere.
Den første nasjonale kunstutstillingen etablerer et varig sted for anerkjennelse og bevaring.
Institusjonen samler siamesisk tradisjon, moderne maleri og verk av betydelige kunstnere.
Det private museet samler et vidt panorama av thailandsk maleri fra de siste tiårene.
Thailandsk maleri i dybden
Fra moderne mestere til historiske bilder
MOCA Bangkok huser en omfattende samling av thailandsk samtidskunst. Rommene viet Thawan Duchanee og samlingene til Chalermchai Kositpipat, Prateep Kochabua, Somphong Adulyasaraphan og Panya Vijinthanasarn gir rangeringen dens første kjerne.
National Gallery forbinder siamesisk tradisjon med moderne kunst. Dens samlinger gjør det mulig å plassere Fua Hariphitak, kongelige malerier og historiske verk i en kontinuitet som bare tempelbilder ikke kunne fortelle.
Silpakorn Art Centre oppbevarer vinnende verk fra Expositions nationales d'art. Coconut Grove av Chalood Nimsamer, Hua Hin av Misiem Yipintsoi, portrettene av Chakrabhand Posayakrit eller landskapene av Tawee Nandakwang gir et enkelt og robust kriterium: disse verkene er blitt vurdert, premiert og bevart.
BACC fullfører dette panoramaet med utstillinger viet til Artistes nationaux, spesielt Damrong Wong-Uparaj. Rangeringen kan dermed sammenligne et hovedverk med et annet, i stedet for å stille opp tjue anonyme variasjoner av samme syklus.
Le Murmure de l'amour fra Wat Phumin, phra bot, enkelte Jātaka og Ramakien forblir til stede. De forsvinner ikke; de finner bare en forholdsmessig plass i en historie som fortsetter lenge etter 1800-tallet.
Hver oppføring må samle en distinkt tittel, en solid kunstner eller attribusjon, en institusjonell kilde og et juridisk brukbart bilde. Et samtidsverk kan siteres og kobles til sitt museum uten automatisk å bli en kommersiell reproduksjon; opphavsretten er ikke et lite kartell man gjemmer bak rammen.
Fire lesenøkler
Hvordan lese denne nye rangeringen
Museum, berømmelse, pris og visuell særegenhet gjør det mulig å skille et essensielt verk fra et bilde som bare er lett å finne.
Bekrefte tilstedeværelse
En nasjonal eller universitetsamling veier tyngre enn et galleri med resultater uten opphav.
Måle anerkjennelse
Nasjonal kunstner, stor pris og museumsutstilling styrker et verks plass.
Vurdere særegenhet
Tittel, komposisjon og historie må tydelig skille hver oppføring fra de nittini andre.
Å skille mellom å se og å reprodusere
Lenken til et museum dokumenterer et verk; en kommersiell lisens alene tillater kopiering på et produkt.
Museer, templer og notiser
Fortsette etter det hundrede maleriet
National Gallery, MOCA Bangkok, Silpakorn Art Centre og BACC leverer notatene som nå strukturerer klassifiseringen.
I Alpha Reproduction
01Alle toppene av kjente malerierGuides Alpha Reproduction02Japansk maleri: 100 verkGuides Alpha Reproduction03Kjente malerierGuides Alpha ReproductionMusikk og referanser
01National Gallery of Thailand - Fine Arts DepartmentMuseum & referanse02MOCA Bangkok - permanent samlingMuseum & referanse03MOCA Bangkok - nettbasert samlingMuseum & referanse04Art Centre Silpakorn University - samlingMuseum & referanse05Bangkok Art and Culture Centre - samlingMuseum & referanse06Grand Palais de Bangkok - Ramakien-malerierMuseum & referanse07The Met - BuddhisttempelmaleriMuseum & referanse08Smarthistory - Wat Phra KaewMuseum & referanse09Wikimedia Commons - malerier fra ThailandMuseum & referanseVanlige spørsmål
Thailandsk maleri, museer og store kunstnere
Noen referansepunkter for å forstå klassifiseringen, dens kilder og forskjellen mellom et verk som er synlig på nettet og et fritt tilgjengelig bilde.
Hvilke kunstnere dominerer moderne thailandsk maleri?
Chalermchai Kositpipat, Thawan Duchanee, Fua Hariphitak, Chakrabhand Posayakrit, Panya Vijinthanasarn, Prateep Kochabua, Chalood Nimsamer og Damrong Wong-Uparaj regnes blant de viktigste referansene som er valgt ut av museer og institusjoner.
Hva er Ramakien?
Ramakien er det thailandske nasjonaleposet tilpasset fra Ramayana. Dets episoder inkluderer blant annet Phra Ram, Sida, Thotsakan og Hanuman.
Hvor kan man se Ramakien-maleriene?
Wat Phra Kaew-klosteret, innenfor Grand Palais’ område i Bangkok, bevarer en monumental syklus på 178 paneler viet til Ramakien.
Hva forteller Jātaka?
Jātaka forteller om Buddhas tidligere liv. Vessantara Jātaka, viet til prins Vessantaras gavmildhet, er spesielt vanlig i thailandsk maleri.
Hva er en phra bot?
En phra bot er et buddhistisk andaktsbanner eller -maleri, vanligvis på tekstil, beregnet til å henges opp i en religiøs sammenheng.
Hvorfor finner man dagligdagse scener i templene?
Kunstnerne integrerer sin egen tid i de hellige fortellingene. Klær, arkitektur, yrker og skikker gjør episodene tilgjengelige samtidig som de dokumenterer det siamesiske samfunnet.
Er alle de hundre oppføringene malerier?
Ja. Ruten samler veggmalerier, paneler, bannere og malte manuskripter. Statuer, bygninger, dokumentarfotografier og umalte gjenstander er utelatt.
Hvilke kilder gjør det mulig å verifisere disse verkene?
Thailands Nationalgalleri, MOCA Bangkok, Silpakorn kunstsenter, Bangkok Art and Culture Centre og direkte notater fra museene dokumenterer verkene, deres datoer og teknikker.
0 commentaire