1600- til 1900-tallet · oljemalerier
De 100 mest kjente rosa maleriene
Hundre malerier hvor rosa blir til kjøtt, stoff, himmel, blomst, lys eller moderne manifest, fra Fragonard og Lawrence til Picasso, Matisse, Klimt og Sorolla.
Mer kompleks farge enn det ser ut
Rosa har aldri vært en klok farge
Fra rokokkosateng til Picassos skarpe kropper, rosa skifter roller uten å miste evnen til å tiltrekke øyet Det kan smigre et stoff, kjøle ned kjøtt, heve en kveldshimmel eller forvandle et helt verksted til verdensrommet mental. I Fragonard følger det begjær; i Munch krysser han tiden; i Matisse bygger han overflaten.
Farge tilhører verken en sjanger eller en epoke Lawrence bruker den til å gi bevegelse til et barneportrett, Cassatt for å bringe omsorg og dekor sammen, Sorolla for å måle solen på et vått lerret.Klimt og Alma-Tadema viser til og med at et skred av roser kan bære en politisk historie, en begivenhetsrik herkomst eller en spesielt blomstrende keiserlig forbrytelse.
Rosa mykner ikke alltid maling: det kan også gjøre det mer direkte, mer fysisk og mer moderne.
Veldig lysnet og litt grånet, det binder hudtoner, stoffer og interiør uten herdende overganger.
Varmere og oransje, den reflekterer solen på huden, fasadene, sanden og kveldsskyene.
Gjennomsiktig og dyp, den beriker glasurer, blomster og fargede skygger uten å gjøre dem ugjennomsiktige.
Livlig og kald får den en nesten elektrisk kraft ved kontakt med grønt, blått og svart.
100 malerier hvor rosa konstruerer bildet
Redaksjonell rangeringTjue bilder som har blitt uforglemmelige
De absolutte ikonene av rosa
Pablo Picasso
Demoiselles d'Avignon
Picasso jobbet i månedsvis på dette store lerretet fra 1907 og mangedoblet studiene før han forlot sammenhengende perspektiv og klassisk skjønnhet. De fem skjærefigurene låner fra iberisk kunst og, for visse ansikter, fra afrikanske masker Roser og kjødelige oker gjør konfrontasjonen enda mer direkte og åpner veien for kubismen.
Se arbeidet på museet →
Jean-Honoré Fragonard
The Happy Chances of the Escarpolette
En ung mann gjemt i roser ser sin elskerinne skynde seg inn på en huske presset av en selvtilfreds ektemann eller prest.Fragonard forvandler denne libertinske ordenen til en virvelvind av løvverk, rosa sateng og lys. Skoen som flyr bort og Amoren som ber om stillhet oppsummerer rokokkoånden med relativ skjønn.
Se maleriet →
Thomas Lawrence
Pinkie
Thomas Lawrence malte Sarah Goodin Barrett Moulton, rundt elleve år gammel, kort tid etter ankomst til England fra Jamaica Vinden svulmer opp den rosa kjolen hennes, animerer båndene og gir portrettet skalaen til en åpenbaring. Kallenavnet Pinkie lenge etter opprettelsen ble maleriet det populære motstykket til The Blue Boy i USA, hengende i samme samling.
Se maleriet →
Pierre-Auguste Renoir
Rosa og blå
Renoir maler Alice og Élisabeth Cahen fra Antwerpen i to chiffonkjoler, den ene rosa og den andre blå. På oppdrag fra faren deres, bankmannen Louis Cahen fra Antwerpen, kontrasterer dette dobbeltportrettet fra 1881 farger mens de forener søstrene ved installasjon og lys.Lysheten til stoffene skjuler en svært nøye justert sammensetning.
Se maleriet →
William Bouguereau
Venus' fødsel
Bouguereau stilte ut Venus' fødsel på salongen i 1879 og satte inn en komposisjon inspirert av Rafael og gammel tradisjon.Gudinnen står på et skall omgitt av nymfer, salamander og amoriner.Perlekjøtt og melkeaktige roser viser all den akademiske virtuositeten til maleren, som tydeligvis ikke hadde planlagt en beskjeden velkomstkomité.
Se maleriet →
Frédéric Bazille
Den rosa kjolen
Bazille maler sin fetter Thérèse des Hours bakfra, sittende på Mérics familieterrasse foran landsbyen Castelnau. Den rosa og grå kjolen opptar skyggen mens Languedoc-landskapet åpner seg i et klart lys. Fra 1864, denne motsetningen mellom en nærliggende figur og friluft kunngjør impresjonistisk forskning som Bazilles tidlige død vil gi en brutal slutt på.
Se maleriet →
Lawrence Alma-Tadema
Rosene til Heliogabalus
Alma-Tadema illustrerer en sen beretning om at keiser Heliogabalus kvelte sine gjester under et snøskred av kronblader Rosene går ned fra et skjult tak mens verten ser på festen fra en plattform Malt rett i midten vinter med blomster sendt fra Rivieraen, forvandler maleriet rosa til praktfull luksus, deretter til et instrument for drap av tvilsom hagebrukseffektivitet.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Portrett av Adèle Bloch-Bauer II
Fem år etter det berømte gullportrettet skildrer Klimt Adèle Bloch-Bauer stående i en hage med nesten tekstilfarger, Det rosa i kjolen, blomster og orientalske motiver løser opp dybden rundt en svært figur vertikal. Despolert av nazistene og deretter returnert til Bloch-Bauer-arvingene i 2006, bærer maleriet også en stor historie med herkomst og reparasjon.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Den rosa badekåpen
Den Rosa Badekåpen tilhører de store strandscenene som ble malt av Sorolla i Valencia i 1916 To kvinner skifter under et badehus; det rosa stoffet filtrerer lyset og forvandler en vanlig gest til fargerik arkitektur Havet vises nederst i små åpninger, som om maleren hadde installert et midlertidig verksted direkte i brisen.
Se maleriet →
John Singer Sargent
Nellik, Lilje, Lilje, Rose
Sargent maler to små jenter som tenner lykter i en engelsk hage, bare i løpet av de få minuttene skumringslyset når ønsket balanse Han tar lerretet igjen kveld etter kveld i to somre og beveger seg til og med blomster i potter Denne tålmodigheten gir hvite, lilla og roser en lysstyrke som virker spontan, en liten seier for organisasjonen over været.
Se maleriet →
John Singer Sargent
Portrett av Lady Agnew av Lochnaw
Sargent maler Gertrude Agnew i en lenestol dekket av kinesisk silke, litt skråstilt mot betrakteren Den hvite kjolen mottar syrinrefleksjonene av veggen og beltet, mens det direkte blikket unngår enhver høflighet automatisk. Portrettet ble utstilt på Royal Academy i 1893, og lanserte modellens verdslige berømmelse og bekreftet malerens.
Se maleriet →
Frederic Leighton
Flammende juni
Leighton pakker en sovende kvinne inn i en koralloransje kjole hvis folder følger kroppen som en flamme. En gren av giftig oleander dukker opp over henne og introduserer en trussel i dette bildet av perfekt hvile. Flaming June ble presentert i 1895, deretter glemt og funnet på 1900-tallet, og ble det sene ikonet for viktoriansk klassisisme.
Se maleriet →
Edvard Munch
Livets dans
Livets dans ble malt i 1899-1900 og tilhører Munchs Livsfrise Tre kvinner i hvitt, rødt og svart rammer inn en sirkel i fjæra, som de påfølgende begjærsalder Den rosa-røde kjolen til den sentrale danseren forbinder omfavnelse, lidenskap og tid som går, under en måne hvis refleksjon egentlig ikke forbedrer generell optimisme.
Se maleriet →
John william waterhouse
Rosesjelen
Waterhouse malte en kvinne som pustet en rose mot en hagevegg i 1908 Tittelen tar opp atmosfæren til Maud de Tennyson, hvor blomsten blir selve tilstedeværelsen av den kjære Profilen, den rosa kjolen og det mørke bladverket fokuser bildet på den usynlige duften; maleriet lykkes dermed med å antyde hva det absolutt ikke kan levere med rammen.
Se maleriet →
Henri Matisse
Vinduet er åpent, Collioure
Malt i Collioure sommeren 1905, er dette lille vinduet et av fauvismens grunnverk. Havnen er redusert til master og lyse innslag, mens den rosa rammen forbinder rommet med utelyset. Matisse kopierer ikke fargene på stedet: han øker dem til han bringer Middelhavet inn i rommet uten å spørre om tillatelse.
Se maleriet →
Georges Seurat
Posene
Seurat malte Les Poseuses mellom 1886 og 1888 som svar på kritikk som anså figurene til La Grande Jatte for stive. Tre påfølgende positurer av samme modell okkuperer verkstedet foran en del av hans store maleri. Tonene roser og blå viser at divisjonisme kan forme kroppen; optisk teori består en akademisk tegneeksamen her.
Se maleriet →
Paul Gauguin
Kvinner fra Tahiti
Gauguin malte disse to kvinnene i 1891 under sitt første opphold på Tahiti Sittende på sanden deltar de ikke i en spektakulær eksotisk scene: deres lukkede holdninger motstår blikket De rosa kjolene, okergulvet og den blått hav organiserer store områder, men bildet må også leses i kolonisammenheng og i den tahitiske fiksjonen konstruert av maleren.
Se maleriet →
Claude Monet
Parlamentet, solnedgang
Mellom 1899 og 1904 malte Monet parlamentet i London fra et vindu på St. Thomas Hospital, alltid under skiftende atmosfærer Ved solnedgang forsvinner steinen inn i den lilla tåken og rosa refleksjoner.THE politisk monument blir et mål på luft; Big Ben kan pålegge tiden, men absolutt ikke fargen.
Se maleriet →
JMW Turner
The Fighting Temeraire rykket til hennes siste køye for å bli brutt opp, 1838
Turner viser i 1839 det gamle krigsskipet Temeraire slept til verftet hvor det skal demonteres Den bleke båten glir bak en mørk slepebåt under en rosa og gull solnedgang Mellom nasjonalt minne og revolusjon industrielt gjør maleriet et teknisk farvel til en elegi; selv Trafalgars helter møter etter hvert logistikk.
Se maleriet →
Henri Matisse
Den grønne strålen
På Salon d'Automne i 1905 ble portrettet av Amélie Matisse et av fauvismens emblemer. Den grønne stripen som deler ansiktet beskriver ingen naturlig skygge: den balanserer de røde, rosa og blå naboene. Matisse dermed forvandlet hans kone til et fargerikt manifest, med en økonomi av midler som fikk besøkende til å snakke mye.
Se maleriet →Hud, stoff og tilstedeværelse
Det rosa av figurer, stoffer og kjøtt
Henri Matisse
Luksus, ro og vellystighet
Tittelen kommer fra Baudelaires Invitasjon til Reise Matisse malte Luxury, Calm and Voluptuousness i 1904 etter et opphold i Saint-Tropez med Signac, ved hjelp av enda et delt preg Roser, gule og blå bygger et paradis moderne som kunngjør fauvismen og dens beslutning om å la farge lede samtalen.
Se maleriet →
Salvador Dali
Den hallusinogene Toreador
Dalí jobbet mellom 1968 og 1970 med denne enorme komposisjonen født fra et gjentatt bilde av Venus de Milo sett på en boks med blyanter. Rosa silhuetter forvandles til tyrefektere, arenaer, fluer og barndomsminner. Metoden paranoid-kritisk forvandler et kommersielt motiv til en visuell labyrint der tyrefekting blir både hyllest og anklage.
Se arbeidet på museet →
Henri Matisse
Det rosa verkstedet
Matisse malte L'Atelier rose i 1911 i sitt arbeidsrom i Issy-les-Moulineaux Veggene, gulvet og hengende malerier er samlet av samme rosa tone, mens perspektivet forblir bevisst ustabilt Verkstedet blir mindre et stykke enn et mentalt kart over skapelsen, der verkene som allerede er malt ser på neste ta form.
Se maleriet →
François Boucher
Marquise de Pompadour
Boucher representerer Jeanne-Antoinette de Pompadour omgitt av bøker, partiturer og raffinerte gjenstander, ikke som en enkel favoritt men som en kvinne av kultur og makt Den sjøgrønne kjolen utfolder seg blant roser og blues av innredningen.Malt i 1756 forvandlet portrettet rokokkosmak til et ekte politisk program for eleganse.
Se maleriet →
Claude Monet
Vår, frukttrær i blomst
I Argenteuil malte Monet en frukthage i 1873 hvis blomstrende grener danner et rosa og hvitt slør foran huset. De blå skyggene og det lyse gresset gjør våren mindre symbolsk enn meteorologisk. Våren forvandles en veldig kort blomstring i strukturen av hele landskapet; treet landet i noen dager, maleren hadde den gode ideen om å komme i tide.
Se maleriet →
Edgar Degas
Dansere i rosa
Degas observerer danserne fra bak kulissene fremfor fra orkesterstolen Den rosa tutusen bringer kroppene sammen i samme sats, men hver elev justerer posituren, båndet eller balansen ytterligere Maleriet interessert i arbeidet som går foran sceneillusjonen: farge lover nåde, husker gester de timene med repetisjon som er nødvendig for å oppnå det.
Se maleriet →
Mary Cassatt
Barnets bad
Cassatt observerer en daglig gest: en kvinne holder barnet fast mens hun vasker føttene hans. Den stupende innrammingen, teppemønstrene og forenklede konturene skylder mye til de japanske trykkene hun beundret. Le Bain de l'enfant ble malt i 1893 og forvandler en hjemlig scene til en monumental komposisjon uten å få behandlingen til å miste sin konkrete mykhet.
Se maleriet →
James Abbott McNeill Whistler
Harmoni i rosa og grått: Lady Meux
Whistler maler Lady Meux, en velstående arving og sosialistfigur, i en blekrosa kjole mot en grå bakgrunn Harmonys tittel flytter oppmerksomheten fra modellens status til harmonien mellom farger og materialer. Stillingen forblir spektakulær, men komposisjon unngår narrativ; maleren forvandler høysamfunnet til et bemerkelsesverdig velkledd toneproblem.
Se maleriet →
James Abbott McNeill Whistler
Symfoni i hvitt nr. 2: Den lille hvite jenta
Jo Hiffernan står foran en peis, ansiktet reflektert i speilet og en japansk vifte i hånden Whistler kontrasterer den hvite kjolen med rosa blomster, lyst tre og orientalske aksenter uten å fortelle om en bestemt scene. Utsatt i 1865 inspirerte lerretet vers i Swinburne som deretter ble trykt på rammen, et vakkert tilfelle av maleri som hadde fått legenden i ettertid.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Den rosa blusen
Modigliani malte Den rosa bluse i 1919, i løpet av de siste årene av sitt liv Plagget myknet av oker og grått stabiliserer bysten under et langstrakt ansikt, mens bakgrunnen forblir nesten bar Modellen opprettholder en rolig tilstedeværelse, uten verdslig dekor eller anekdote; fargen er nok til å gi portrettet sin beherskede varme.
Se maleriet →
Paul Signac
Havnen i Saint-Tropez
Signac flyttet til Saint-Tropez i 1892 og bidro til å gjøre havnen til et arnested for nyimpresjonisme.I dette synet fra 1901 gjenkomponerer de separate innslagene av rosa, blått og gult middelhavslyset på avstand.Mastene struktur overflaten mens vannet multipliserer fargene; havnen fungerer, men malingen ser allerede ut til å være på ferie.
Se maleriet →
John william waterhouse
Ved helligdommen
I At the Sanctuary ser Waterhouse for seg en ung kvinne som legger et offer foran en eldgammel guddom Den rosa kjolen skiller seg ut mot steinen og blomstene, mens den innsamlede posituren bremser historien. Malt på slutten av 1800-tallet, scenen vitner om den viktorianske smaken for en antikk gjenoppbygd med mye marmor, kronblader og en bemerkelsesverdig dekorasjonstjeneste.
Se maleriet →
Henri Matisse
Den rosa duken
Den rosa duken tilhører interiør der Matisse forvandler et husbord til et fargefelt. Gjenstander, frukt og stoff er ikke justert fra et klokt perspektiv: de glir inn i et rom bygget av dem kontraster Rosa kobler stilleben til innredningen og gir et stille måltid en energi som rettene sannsynligvis ikke krevde.
Se maleriet →
Alexej von Jawlensky
Sammendrag: Symfoni i rosa
Jawlensky forenkler ansiktet gradvis til det blir et moderne ikon I Symphony in Pink blir øyne, nese og munn noen mørke linjer plassert på rosa og lilla felt Portrettet søker ikke lenger en presis sosial identitet; den tilbyr en meditativ tilstedeværelse, konstruert som en musikalsk akkord snarere enn en fotografisk likhet.
Se maleriet →
Wassily Kandinsky
Avgjørende rose
Kandinsky malte Decisive Rose i 1932, på slutten av årene på Bauhaus.En stor geometrisk rose opptrer blant linjer, sirkler og flytende former på mørk bakgrunn.Tittelen gir fargen en reell handlingsevne: den gjør det ikke fyller ikke en form, den tar en posisjon i et abstrakt rom hvor hver nabo reagerer på den.
Se maleriet →
Henri Matisse
Hvitt og rosa hode
Matisse malte White and Pink Head under første verdenskrig, da portrettene hans ble mer strenge og strukturerte, Ansiktsbildene er delt mellom hvite, rosa og mørke linjer, uten tradisjonell modellering Der mykhet annonsert av fargene kolliderer med en nesten arkitektonisk konstruksjon, en påminnelse om at rosa perfekt kan ha karakter av en bærende vegg.
Se maleriet →
Henri Matisse
Rosa naken sitter
Sittende rosa naken tilhører Matisses forskning på forenklet kropp og dekorativt rom Figuren er konstruert av store rosa flater som skiller seg ut fra en kaldere bakgrunn, uten å søke akademisk anatomi Posituren virker rolig, men konturene og flate områdene opprettholder en konstant spenning mellom volum og overflate.
Se maleriet →
Henri Rousseau
Ung jente i rosa
Henri Rousseau plasserer en ung jente i rosa kjole foran et landskap redusert til noen få vanlige messer Frontaliteten, den bevisst enkle tegningen og den litt merkelige skalaen gir portrettet en uventet tyngdekraft Modellen virker posert i en veldig rolig verden der hvert blad kjenner sin plass og hvor ingen har ansett det som nyttig å finne opp et komplisert perspektiv.
Se maleriet →
Pierre-Auguste Renoir
Kvinne med rose foran speilet
Renoir representerer en kvinne som justerer en rose foran et speil, et mønster som lar henne formere ansikt, refleksjon og intime gester. Rosa toner sirkulerer mellom blomst, hud og klær, mens speilet åpner et annet rom. Der koketteri er ikke bare et emne: det blir en konstruksjon av blikket, siden modellen sees akkurat i det øyeblikket vi observerer den.
Se maleriet →
Amedeo Modigliani
Caryatid rose (Audacity)
Modigliani tegnet denne karyatiden rundt begynnelsen av 1910-tallet, da han fortsatt drømte om store skulpturerte ensembler Den rosa kroppen, forenklet og stram, tar opp den arkitektoniske figuren som er ansvarlig for å bære en vekt.Her er ingen bygninger vises ikke: installasjonen alene beholder ideen om innsats, mens fargen gir dette studiet en nesten veggmontert varme.
Se maleriet →Fra kronbladet til overflaten
Blomster, hager og rosa materialer
Henri Matisse
Kvinne på rosa sofa
I Woman with a Pink Couch lar Matisse figuren strekke seg inn i et interiør der sofa, vegg og klær tilhører samme dekorative nettverk Modellen er ikke isolert fra innredningen; den blir hovedrytmen De flatrosa, rødt og lys samler komfort og abstraksjon, bevis på at en sofa kan delta aktivt i maleriets historie.
Se maleriet →
Henri Matisse
Three Sisters og "The Pink Marble Table" (De tre søstrene på "The Pink Marble Table")
Matisse malte de tre søstrene Antoinette, Laurette og Georgette i flere jumpsuits i Nice rundt 1917 Samlet rundt et rosa marmorbord delte de plassen uten å blande seg inn i en anonym gruppe Mønstrene til klærne og fra styret bygge dybde ved superposisjon; familiegjenforeningen føles mindre som en samtale enn en nøye orkestrert avtale.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Clotilde i aftenkjole
Sorolla maler sin kone Clotilde i aftenkjole, en elegant figur som dukker opp i mange familieportretter. Stoffets roser og svarte reagerer på et mer interiørlys enn strendene. Maleren vet intimt hans modell, men beholder antrekket til et stort verdslig portrett; hengivenhet forhindrer tydeligvis ikke utmerket iscenesettelse.
Se maleriet →
John william waterhouse
Psyke som åpner den gyldne boksen
Waterhouse tar opp myten om Psyche, straffet for å ha åpnet esken betrodd av Persephone. Den unge kvinnen løfter forsiktig lokket, kledd i rosa i en stein- og blomstersetting. Det valgte øyeblikket går foran katastrofe; maleriet gir en svært elegant form til dette universelle sekundet hvor nysgjerrigheten allerede vet at det sannsynligvis bør lukke boksen.
Se maleriet →
John william waterhouse
Psyke inn i Amors hage
Psyke går gjennom døren til Amors hage her, et forbudt domene som kunngjør kjærlighet, prøvelser og metamorfose. Waterhouse kontrasterer den rosa kjolen med vegetasjonen og lysarkitekturen, som om karakteren brakte sitt eget lys. Scenen viser ennå ikke guden: terskelen og ventetiden er nok til å etablere historien.
Se maleriet →
John william waterhouse
Heksa
Waterhouse maler en magiker omgitt av rituelle gjenstander, planter og mørke flater Kjolen i rosa og lilla toner fanger først blikket før forstyrrende detaljer dukker opp Som ofte er tilfellet med ham, gjør ikke skjønnhet det ikke bli beroliget: det er nettopp måten fare får oppmerksomheten til tilskueren på.
Se maleriet →
John william waterhouse
Tristan og Isolde, andre versjon
Waterhouse vender tilbake til middelalderhistorien om Tristan og Isolde, elskere bundet av en trylledrikk I denne andre versjonen bringer rosa og blå klær figurene sammen samtidig som de opprettholder en travel venteavstand. Maleren behandler det legende som et øyeblikk suspendert før valget, når skjebnen allerede er i rommet, men ennå ikke har tømt koppen.
Se maleriet →
John william waterhouse
Ariadne
Ariadne, forlatt av Theseus på øya Naxos, vises i en hvile som går før ankomsten av Bacchus. Waterhouse installerer figuren blant rosa stoffer, hav og eldgammel arkitektur. Roen i paletten forsinker dramaet og gjør forlatelse til å vente; heltinnen er fortsatt uvitende om at mytologien forbereder en mye mer festlig andre akt for henne.
Se maleriet →
John william waterhouse
Juliet
Waterhouse representerer Juliet i Shakespeares univers, mellom balkong, hage og romantisk drømmeri De rosa og lyse tonene gir karakteren en ungdommelig tilstedeværelse, men arkitekturen stenger allerede rommet rundt henne Maleriet velger å vente fremfor den berømte dialogscenen, og minner oss om at tragedien ofte begynner med noen minutter når noe fortsatt virker mulig.
Se maleriet →
Johannes Vermeer
Lacemakeren
Vermeer malte La Dentellière rundt 1669-1670 på et av sine minste formater. Den unge kvinnen lener seg over arbeidet sitt mens de røde og hvite trådene sprer seg i forgrunnen. Den lyse veggen og den gule bodice konsentrerer lys på gesten; maleri forvandler nitid arbeid til en opplevelse av nesten stille konsentrasjon.
Se maleriet →
Johannes Vermeer
Jenta med glasset av vin
I Jenta med et glass vin arrangerer Vermeer en forførelsesscene rundt en mann, en kvinne og en gratis drink Den rødrosa kjolen skiller seg ut i et rom krysset av vinduslyset Karakterens smil maskulint og den unge kvinnens senkede blikk etterlater tvil; vinen er servert, men samtykket i historien gjenstår å undersøke.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Min kone og mine barn
Sorolla samler Clotilde og deres tre barn i et familieportrett malt med svært klart lys De hvite klærne og rosa innslagene bringer figurene sammen uten å fryse dem i seremoniell positur Min kone og min barn viser at strandmaleren visste hvordan de skulle organisere en intim gruppe; alle beholder sitt nærvær, selv når faren holder penselen og derfor det siste ordet.
Se maleriet →
Henri Matisse
Spanjolen: harmoni i blått
I Nice-årene forvandlet Matisse kostymer, gardiner og lenestoler til partnere av modellen Spanjolen bærer et blått plagg som roser og røde varmer, uten å bekymre seg for den nøyaktige lokale fargen Portrettet blir en dekorativ harmoni der identitet og teater blander seg; kostymet forteller like mye som ansiktet.
Se maleriet →
Henri Matisse
Rosa statuett og mugge på rød kommode
Matisse samler en liten skulptur, en kanne og en rød kommode i et interiør hvor gjenstandene ser ut til å endre skala Rosene i keramikken og bakgrunnen reagerer på de tettere røde i møblene Stilleben søker ikke den innenlandske orden: den setter former i ustabil balanse, som om hvert objekt forsvarte sitt eget territorium.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Rosebusker under trærne
Rundt 1905 beveget Klimt seg oppover horisonten og fylte plassen med bittesmå trær, busker og roser Hagen slutter å være en utsikt å gå inn i; det blir et billedvev av grønne innslag punktert med rosa blomster.Dette dekorativ kompresjon forbinder landskapene hans direkte med ornamentet til hans samtidige portretter.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Frukthage med rosebusker
Klimt maler frukthagen som en tett overflate der stammer, løvverk og rosebusker nesten opphever dybden Rosa innslag vises blant greenene som tegn på lys Ingen turgåer kommer for å gi skalaen: den hage eksisterer for seg selv, tett, dekorativ og tilstrekkelig organisert slik at hver rose finner sin plass uten et sameie møte.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Blomsterhage
I Flower Garden rammer Klimt vegetasjonen tett inn og dekker lerretet med små fargerike innslag Roser, gule og blå beskriver ikke blomst etter blomst; de komponerer en mosaikk hvor øyet sirkulerer uten horisont Landskapet er dermed bringer oss nærmere abstraksjon samtidig som vi beholder den visuelle duften av et massiv i høysesongen.
Se maleriet →
Gustav Klimt
Hagesti med kyllinger
Klimt maler en hagesti strukturert av trær og punktert med kyllinger som introduserer et uventet dagligliv Rosa blomster og løvverk deler overflaten inn i nesten tekstilmønstre. Den landlige scenen unngår pittoresk: selv fjærfe blir aksenter av komposisjon, en kunstnerisk promotering som de sannsynligvis ikke hadde blitt informert om.
Se maleriet →
Gustav Klimt
To jenter med oleander
To unge kvinner står nær en oleander, på grensen mellom portrett, allegori og dekorative studier Klimt forbinder kjolene, blomstene og bakgrunnen med myke konturer som varsler hennes senere forskning Planten gir sin vertikale rytme til scenen; modellene deler med henne en elegant immobilitet, men uten fotosynteseplikt.
Se maleriet →
Henri Matisse
Juleroser og saxifrage
Matisse maler juleroser og saxifrage som en gruppe fargerike former fremfor et trofast herbarium Blomstenes rosa går i dialog med det grønne og hvite i vasen og bakgrunnen Stilleben forvandler en blomstring vinter i romopplevelse; selv på et bord nekter planter å forbli bare dekorative.
Se maleriet →Farge blir autonom
Fra fauvisme til moderne magenta
Henri Matisse
Rosa løk
Pink Onions gir Matisse et beskjedent mønster hvis kurver, volumer og fargeforhold han kan overdrive Pærene skiller seg ut på stoffet uten forsiktig illusjonisme Rosa går fra grønnsakenes tørre hud til bunns og til skygger, noe som gjør en kjøkkenforsyning ambisiøs nok til å glemme suppen et øyeblikk.
Se maleriet →
Piet Mondrian
Hvit rose i et glass
Før han blir med i De Stijl og abstraksjon, maler Mondrian regelmessig isolerte blomster.Denne hvite rosen i et glass er konstruert av små nyanser av hvitt, rosa og grått på mørk bakgrunn Studien avslører hans oppmerksomhet til den indre strukturen til et naturlig mønster; fremtidige ortogonale linjer er ikke der ennå, men disiplin har allerede funnet sted.
Se maleriet →
Robert Delaunay
Hvit stokkrose
Robert Delaunay malte denne stokkrosen i starten av sin karriere, før samtidige nedtegnelser og eksploderte Eiffeltårn Den hvite og rosa blomsten skiller seg ut i et klart lys, fortsatt nær postimpresjonismen Motivet botanikk blir et diskret fargelaboratorium, som om fremtidig abstraksjon hadde begynt med å observere en stamme veldig seriøst.
Se maleriet →
Martin Johnson Heade
Cherokee roser på et lysegrått stoff
Martin Johnson Heade maler Cherokee-roser plassert på grått stoff, og isolerer deres hvite og rosa kronblader mot en nøytral bakgrunn.Den stramme innrammingen og oppmerksomheten på teksturer gir blomstene en nesten skulpturell tilstedeværelse. Der stilleben kombinerer botanisk presisjon og sensualitet, uten vaser eller hager for å distrahere øyet.
Se maleriet →
John william waterhouse
Plukk rosene mens det er tid, første versjon
Waterhouse låner tittelen sin fra Robert Herricks vers som inviterer deg til å plukke roser før tiden går I denne første versjonen samler en ung kvinne blomstene i en lys hage Rosa blir både skjønnhet og måling av skjørhet; hvert kronblad kunngjør diskret at ungdom, i motsetning til maleriet, ikke drar nytte av en konserveringslakk.
Se maleriet →
John william waterhouse
Plukk rosene mens det er tid, andre versjon
Waterhouse tar opp Pick the Roses While There's Time i en andre komposisjon, og endrer figuren, hagen og rytmen til blomstene. Denne nye versjonen viser hvordan det samme diktet kan produsere en annen scene. Roser behold deres rolle som en poetisk kalender, med en insistering på at modellen ser ut til å akseptere rolig.
Se maleriet →
John william waterhouse
Samle sommerblomster i en Devonshire-hage
I en Devonshire-hage viser Waterhouse kvinner som samler sommerblomster i mykt lys Scenen kombinerer engelsk observasjon og nesten eldgammel komposisjon, uten en presis mytologisk beretning Kjoler og kurver fordel rosene gjennom hele bildet; hagen gir nok sesongdrama til å klare seg uten en forbannelse.
Se maleriet →
John william waterhouse
Den fortryllede hagen
The Enchanted Garden illustrerer en episode av Decameron og forblir uferdig da Waterhouse døde i 1917. Figurer beveger seg blant blomstene i en setting som er magisk lovet midt på vinteren. Områdene som er friere avslører malerens prosess; hagen er ikke bare fortryllet, den forblir også åpen på grunn av avbrutt konstruksjon.
Se maleriet →
John william waterhouse
Ophélie med blomster
Waterhouse vender flere ganger tilbake til Ophelia, Shakespeares heltinne knyttet til blomster og vann I denne versjonen samler hun eller holder blomster før katastrofen, fortsatt stående i et lyst landskap Roser og hvite utsett tragedien; tilskueren vet hva som skjer videre, men maleriet gir ham noen ekstra minutter med vår.
Se maleriet →
John william waterhouse
Vindblomster
Anemoner, kalt windflowers på engelsk, omgir en kvinneskikkelse i en hage animert av en lett bris Waterhouse kombinerer bevegelsen av kronblader med den av hår og klær Den unge kvinnen illustrerer ikke en historie presis: det personifiserer heller sesongen, med en meteorologisk tjeneste levert av blomster.
Se maleriet →
Ethel Carrick
Blomstermarked
Ethel Carrick maler parisiske blomstermarkeder med en rask touch og en livlig palett Rosa boder, hatter og silhuetter passer sammen i en tett urban scene hvor handel blir et fargeskue Blomst Markedet opprettholder agitasjonen uten å detaljere hvert ansikt; helhetsinntrykket betyr like mye som prisen på buketten.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Hagen til Maison Sorolla
Sorolla maler hagen til hjemmet sitt i Madrid som et intimt rom formet av hennes egne valg av arkitektur og planting. Rosa vegger, dammer og løvverk filtrerer et roligere lys enn strendene. DEN jardin blir et figurløst selvportrett, ordnet etter minnet om Andalusia og Italia.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Garden of Maison Sorolla i 1920
I hagen til sitt Madrid-hus malte Sorolla et rom i 1920 som han tegnet av andalusiske og italienske suvenirer Veggene, dammene og bladverket filtrerer et intimt lys Hagen blir et figurløst selvportrett: hver plante kjenner sin plass, selv om solen fortsetter å endre planen.
Se maleriet →
August Macke
Hage ved bredden av Thunsjøen
Macke malte hagene rundt Thunsjøen, Sveits, i 1913, hvor han bodde hos familien Trærne, stiene og vannet er forenklet til rosa, grønne og blå planer, men lyset beholder en sommermykhet.Hage kl lakeside Thun kunngjør forskning utført året etter i Tunisia.
Se maleriet →
Henri Matisse
Stilleben med epler på rosa duk
Matisse legger eplene på en rosa duk og lar stoffet ta like stor plass som frukten Brettene, konturene og fargene bygger dybde uten akademisk perspektiv Stilleben blir en utveksling mellom kurver og overflater; eplene er helt stille, men bordet har ingen intensjon om å forbli så visuelt.
Se maleriet →
Henri Matisse
Gullfisk
Matisse malte Gullfisk i 1912 etter et opphold i Marokko, hvor han observerte gleden av å tenke på fisk i lang tid Den elliptiske krukken, plantene og balkongen nekter et unikt perspektiv Gullfisk bli de faste punktene i et rolig interiør hvis plass foretrekker å gjøre som den vil.
Se maleriet →
Henri Matisse
Gul odalisk
I 1920-årene tok Matisse opp temaet odalisken i sitt Nice-verksted, fylt med stoffer og pyntegjenstander De gule og rosene forbinder figur, oppheng og møbler i en sammenhengende overflate Det orientalske motivet blir fremfor alt et laboratorium av farger og rom, også for å leses med den kritiske avstanden på grunn av denne koloniale fantasien.
Se maleriet →
Henri Matisse
Odalisk med gul persisk farge
Matisse maler denne odalisken i en persisk kjole midt i en dekor av stoffer, mønstre og Fine møbler Det gule på plagget får de rosa refleksjonene av bakgrunnen og hindrer figuren i å skille seg fra interiøret Scenen vokser ornamentet til metning, men ansiktet opprettholder en nesten uforstyrret ro midt i denne tekstilaktiviteten.
Se maleriet →
Henri Matisse
Ung kvinne i hvit, rød bakgrunn
En ung kvinne kledd i hvitt skiller seg ut mot en rød bakgrunn hvis rosa aksenter myker opp volden. Matisse reduserer detaljene for å gjøre kontrast til det virkelige motivet for portrettet. Figuren kaster nesten ingen skygge: hun holder plassen gjennom farger, som om veggen og plagget hadde signert en svært presis sameksistensavtale.
Se maleriet →
Henri Matisse
To små jenter, gul og rød bakgrunn
Matisse bringer to små jenter sammen foran en gul og rød bakgrunn som forvandler rommet til en dekorativ overflate Ansikter og klær er forenklet, men holdningene forblir distinkte. Malt sent viser verket at portrett kan beholde en følelsesmessig tilstedeværelse selv når rommet forlater nesten enhver illusjon av dybde.
Se maleriet →Den rosa timen av landskapet
Rosa himmel, strender og lakselys
Fernand Léger
Den rosa slepebåten
Léger maler The Pink Tugboat i en tid da maskiner, båter og urban arkitektur er i ferd med å bli aktørene i hans moderne vokabular. Det rosa skroget passer inn i svarte, hvite og blå former som en mekanisk del.Båten arbeid får nesten reklamesynlighet; sjelden har en slepebåt antatt sin farge med så mye autoritet.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Okser som trekker en båt på Valencia-stranden
Sorolla malte okser som trakk en båt opp av vannet i Valencia i 1903 Kveldens massive dyr, fiskere og rosa refleksjoner gir verket en monumental skala Lys eliminerer ikke vekt eller anstrengelse; hun dem synliggjør, mens havet fortsetter sin bevegelse med en svært tidligere arbeidsgivers faglige likegyldighet.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Å komme seg ut av badekaret
Sorolla maler utgangen fra badekaret som en overgang mellom havets glans og stoffenes ly En kvinne hjelper en annen figur med å dekke seg til, en praktisk gest som lyset forvandler til en ballett av hvite og roser Våte stoffer hold vekten av virkeligheten; eleganse kommer fra presisjonen som maleren følger hver refleksjon med.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Nalon elvemunning, Asturias
Ved Nalon-elvemunningen i Asturias oppdager Sorolla et våtere og gråere lys enn Valencia.Bankene, vannet og båtene blander seg inn i diskrete lilla og roser.Det maritime landskapet endrer seg temperament uten å miste sin bevegelse; Atlanterhavet har ikke Middelhavets farge og ønsker tydeligvis å gjøre dette kjent.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Damevandring på Biarritz-stranden
I Biarritz følger Sorolla en gruppe elegante kvinner som rykker frem nær vannet under en kjøligere himmel enn Valencia.Lilla, blågrå og rosa stoffer reflekterer det atlantiske lyset. Turen forblir verdslig, men vinden forstyrrer silhuettene akkurat nok til å minne oss på at stranden ikke anerkjenner noen klesbestemmelser.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Valencia
Valencia tilhører de store Vision of Spain panelene bestilt av Archer Milton Huntington for Hispanic Society of America Sorolla samler kostymer, arbeid og regionalt lys i en monumental komposisjon Rosene stoffer er ikke enkle aksenter: de leder øyet gjennom et bilde designet for å representere et helt territorium.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Aragon: jotaen
For Aragon: la jota viser Sorolla regional dans blant kostymer, gester og musikere Panelet er en del av Vision of Spain, en syklus produsert mellom 1912 og 1919. de rosa skjørtene og sirkulære satsene gir å folklore en direkte energi; maleriet dokumenterer en tradisjon mens det konstruerer et show i målestokk av en vegg.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Catalonia: fisk
Catalonia: fisk tilhører også Hispanic Society-syklusen. Sorolla forbinder marked, fiskere, kurver og kostymer i en tett scene der varene organiserer reiser. Roser og hvite letter det kollektivt arbeid uten å forvandle det til en abstrakt feiring; fisken forblir det helt konkrete sentrum for all denne koreografien.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Unge amfibier
Unge amfibier viser barn som leker på det grunne vannet på den valencianske stranden. Sorolla sirkulerer hudrosa i speilbildets blå og grønne farger, til grensen mellom kropp og hav utviskes. Tittelen affectiate understreker deres letthet; barna ser ut til å ha forhandlet frem en permanent oppholdsrett med vann.
Se maleriet →
Joaquin Sorolla
Båt stranding, ettermiddagslys
I Stranding the Boat, Afternoon Light, Fishermen and Beasts Pull a Boat on the Sand Den lave solen farger vannet og kroppene med roser og gull uten å lette innsatsen Sorolla forvandler en daglig operasjon til en scene monumental, hvor hvert tau, hvert trinn og hver refleksjon deltar i samme bevegelse mot bredden.
Se maleriet →
Claude Monet
Kvinne med paraply vendt mot høyre
Monet malte to kvinneskikkelser med parasoller på engene i Giverny i 1886, med Suzanne Hoschedé som modell.Her vipper vinden gresset og sløret mens den rosa-blå himmelen opptar nesten hele lerretet. DEN portrett blekner ved følelsen av et lyst øyeblikk, fanget raskt nok til at skyene ikke har tid til å ombestemme seg.
Se maleriet →
Claude Monet
Kvinne med paraply svingt til venstre
Monet malte en andre Woman with an Umbrella vendt mot venstre i 1886, fortsatt med Suzanne Hoschedé som modell. Helningen på kroppen, sløret og gresset reflekterer samme vindkast som den raske himmelen. Designet som et motstykke til versjon vendt mot høyre, viser lerretet at en endring av orientering er nok til å fullstendig rekomponere lyset.
Se maleriet →
Claude Monet
Rue Montorgueil, i Paris. Festival 30. juni 1878
Monet malte rue Montorgueil dekorert med flagg den 30. juni 1878, dagen for en nasjonal helligdag som ble arrangert under Verdensutstillingen Sett fra en balkong blir strømmen av tricolor-flagg en vibrasjon av rødt, rosa, blått og hvitt over mengden. Lerretet fanger mindre av en patriotisk diskurs enn en by forvandlet til en kollektiv bevegelse.
Se maleriet →
Paul Signac
Château des Papes i Avignon
Signac maler pavenes palass fra den andre bredden av Rhône og forvandler den gotiske messen til en lysende mosaikk. De små rosa, lilla og blå berøringene løser opp steinen uten å få arkitekturen til å forsvinne. Monumentet middelalderen går dermed inn i en moderne fargeteori; etter flere århundrer med tyngdekraft får den endelig en tilstrekkelig gledelig refleksjon.
Se maleriet →
Edvard Munch
Vårlandskap
Munch maler Spring Landscape med en overraskende lett palett hvor restsnø, rosa jord og nye grøntområder deler plassen Sesongfornyelsen sletter ikke all bekymring: linjene i landet holder en nervøs spenning Våren kommer, men hos Munch ser han ut til å ha kommet med egne spørsmål.
Se maleriet →
August Macke
Par ved hagebordet
Macke plasserer et par ved et hagebord, omgitt av løvverk og fargerike overflater som forenkler den moderne scenen Rosene i plagget og duken reagerer på greenene uten tung modellering Samtalen fortelles ikke; THE i stedet observerer Tableau hvordan folk blir en del av en lysende rytme som deles med hagen.
Se maleriet →
August Macke
Tre jenter iført gule stråhatter
Tre unge jenter bruker gule stråhatter i en komposisjon der Macke forvandler vandringen til en fargerik frise Rosene i kjolene balanserer grønt og gult, mens ansiktene forblir forenklet Arbeidet tilhører hans moderne og fredelige verden, malt kort før krigen brått avbrutt dette søket.
Se maleriet →
John william waterhouse
Tristan og Isolde med trylledrikken
Tristan og Isolde drikker trylledrikken ment å endre deres skjebne, den sentrale scenen i middelalderlegenden Waterhouse fokuserer oppmerksomheten på det rosa og blå snittet, utseendet og klærne. Innredningen forblir overdådig, men sekundært: bildet beholder det andre der et enkelt objekt blir mekanismen til en betydelig mer komplisert kjærlighetshistorie.
Se maleriet →
John william waterhouse
Retten /Søte tilbud
I The Court, noen ganger kalt The Sweet Offerings, forestiller Waterhouse seg en eldgammel scene med gaver og romantisk venting. Rosene av klær og blomster myker opp den klare arkitekturen, men gestene forblir nølende fortelling.Vi kommer med gaver, selvfølgelig; maleriet lar forsiktig spørsmålet om de vil bli akseptert stå åpent.
Se maleriet →
Vincent van Gogh
Van Goghs rom i Arles
Van Gogh malte rommet sitt på Det gule hus i Arles i oktober 1888, etter en periode med utmattelse Han forenkler bevisst formene og bruker flate farger for å uttrykke hvile, selv om perspektivet synes å lene seg mot flere sider Syrinveggene, rød seng og rosa innslag bygger et tilfluktssted som har blitt et av de mest kjente interiørene i verden.
Se maleriet →Fargestoff
Fem veier til å bli rosa
Historiske roser kommer ofte fra madder lakk, karmin fra cochenille eller hvit-belyst vermilion De to første er gjennomsiktige og dype, men mer følsomme for lys; blanding med hvitt blir mer dekkende og matt Valget av hvitt betyr like mye som rødt: en kjølig hvit gir en ren rosa, mens en varmere hvit leder den mot fersken eller laks.
På 1800-tallet utvidet nye fargestoffer sortimentet og gjorde mer intense roser mulig På 1900-tallet bød moderne organiske pigmenter, særlig kinakridoner, på lysende og langvarige magentaer.I olje, den samme kromatiske familien kan derfor ha form av en nesten immateriell glasur, en kjødelig pasta eller en mettet flat overflate.
Tradisjonell gjennomsiktig rød, verdifull for rosa glasurer, hudskygger og draperier.
Intens farge historisk avledet fra cochenille, i stand til å gi dype og litt lilla rosa.
Den ugjennomsiktige blandingen produserer kjøttroser, laks og fersken toner hvis temperatur avhenger av pigmentene som er valgt.
En formulering ettertraktet for sin gjennomsiktighet og sin evne til å berike passasjene uten å maskere de nedre lagene.
Veldig lyst moderne pigment, tilgjengelig fra knallrosa til magenta og spesielt stabilt i moderne blandinger.
En farge, flere temperamenter
Hvorfor rosa forblir i minnet
Hvert maleri bruker rosa av en bestemt grunn: å lede et blikk, date en mote, forstyrre et kjøtt, belyse et landskap eller gi abstraksjon et tyngdepunkt.Farge er tråden i besøket, aldri sin unnskyldning.
0 commentaire