INTIMITET · PRESISJON · TILSTEDEVÆRELSE · MESTERVERK
De 100 små formatene som er store mesterverk
Når noen titalls centimeter er nok til å inneholde en verden
Mona Lisa måler mindre enn åtti centimeter høy, The Lacemaker knapt tjuefire.Disse maleriene har imidlertid formet vårt visuelle minne.Deres stramme skala bringer betrakteren nærmere hverandre, intensiverer gester og forvandler hver detalj til en hendelse.
Storhet uten monumentalitet
Et mesterverk trenger ikke å okkupere en vegg
Klassifiseringen omfatter malerier hvis største dokumenterte side av den malte overflaten ikke overstiger 100 cm Tegninger, trykk, fotografier og skulpturer er unntatt Små diptyker, triptyker og altertavler aksepteres når deres utforming forblir som av en malt gjenstand beregnet for nær observasjon.
Å redusere skala reduserer ikke ambisjonene: småformat tvinger maleren til å kondensere verden.
Hvert bilde og hver knapp åpner Alpha Reproduction-arket som tilsvarer verket nøyaktig. Dimensjonene som er angitt gjelder originalen som oppbevares av museet eller samlingen, aldri reproduksjonsstørrelsen som tilbys i butikken.
Gå inn i rangeringenHundre malerier hvor hver tomme teller
Mona Lisa, Starry Night, Girl with a Pearl Earring eller Impression, Rising Sun beviser at berømmelse ikke er et spørsmål om kvadratmeter.
#1
Mona Lisa
Et nesten urørlig ansikt har vært nok til å holde blikket i fem århundrer Leonardo myker konturene med sfumato, kobler figuren til det steinete landskapet og lar smilet endre seg avhengig av hvor man ser Begynte rundt 1503 og fortsatte til malerens siste år, dette portrettet på poppelpanel følger Leonardo til Frankrike Hans berømmelse skylder mye til hans virtuositet, men også til flukten i 1911 som forvandlet et allerede beundret verk til et verdensikon.
Se denne reproduksjonen →
#2
Starry Night
Over Saint-Rémy fungerer ikke Van Goghs himmel som tak: den roterer, svulmer opp og bærer stjernene i store lysstrømmer. Den svarte sypressen forbinder den stille landsbyen med stjernene, mens den gule månen reagerer på de bittesmå vinduene. Natten blir en synlig energi. Selv klokketårnet ser ut til å lure på hvordan man skal holde seg rolig.
Se denne reproduksjonen →
#3
Jenta med perleørering
Det er nok ikke portrettet av en identifisert person, men en trony: studie av et forestilt ansikt og kostyme Den unge jenta snur seg, med lepper som er delt, foran en dybdeløs bakgrunn Den berømte "juvelen" er gjengitt med to lyse skår og kan være en imitasjon snarere enn en ekte perle Den berømte "juvelen" er gjengitt med to lyse skår og kan være en imitasjon snarere enn en ekte perle Den blå og gule turbanen flytter figuren bort fra det nederlandske hverdagslivet for å intensivere utseendet.
Se denne reproduksjonen →
#4
Inntrykk, Rising Sun
Havnen i Le Havre kommer ut av en blågrå tåke krysset av en oransje sol og noen få silhuetter redusert til tegn I 1874 gjorde Louis Leroy narr av tittelen Impression, soleil levant og kalte ufrivillig "impressionistene" Den hånende formelen ble navnet på en bevegelse fordi Monet nettopp hadde antatt den flyktige karakteren som kritikere kritiserte ham for.
Se denne reproduksjonen →
#5
Verdens opprinnelse
Courbet rammer inn en kvinnelig penis med en anatomisk presisjon som tittelen ironisk nok utvider til verdens dimensjoner Malt i 1866 for Khalil-Bey, The Origin of the World forblir lenge skjult for offentligheten, skjult bak gardiner og deretter bak et annet maleri. Dens historie veksler mellom privat samling, hemmelighet, forlegenhet og fascinasjon før dens inntreden i Musée d'Orsay i 1995. Dens historie veksler mellom privat samling, hemmelighold, forlegenhet og fascinasjon før dens inntreden i Musée d'Orsay i 1995. Historien veksler mellom privat samling, hemmelighold, forlegenhet og fascinasjon før den kom inn i Musée d'Orsay i 1995. Skandalen er ikke en salong: den ligger i mer enn et århundre med strategier oppfunnet for å eie bildet uten å virkelig avsløre det.
Se denne reproduksjonen →
#6
Damen med hermelinen
I 1490 malte Leonardo Cecilia Gallerani vendt mot et nærvær utenfor rammen Hermelinen reagerer på håndenes bevegelse, modellens status og skuespillet på hennes navn, uten å redusere portrettet til en enkel rebus Damen med hermelinen introduserer en sjelden psykologisk mobilitet i hoffportrettet: ansiktet tenker, lytter og reagerer Ansiktet tenker, lytter og reagerer Figuren er ikke lenger bare beskrevet; hun virker overrasket midt i et forhold.
Se denne reproduksjonen →
#7
Den reisende tenker på et hav av skyer
En mann sett bakfra står på en stein over et tåkehav hvorfra rygger kommer ut Malt rundt 1817, tillater imidlertid ikke dette sjeldne store vertikale formatet av Friedrich betrakteren å innta akkurat sin plass eller vite hva de ser.Rückenfigur er derfor ikke en enkel heroisk erstatning: den setter inn et blikk mellom oss og landskapet, og forvandler den tilsynelatende erobringen til en opplevelse av avstand og usikkerhet.
Se denne reproduksjonen →
#8
Amerikansk gotisk
En mann med høygaffel og en kvinne står foran et nygotisk hus, like bratt som linjene i arkitekturen. Etter utgivelsen i 1930 irriterte American Gothic mange Iowa-innbyggere som så det som en foraktelig karikatur av deres innstramminger. Grant Wood opprettholder tvetydigheten mellom satire og hyllest, slik at uenighet kan overleve berømmelse.
Se denne reproduksjonen →
#9
Melkepiken
En tjener heller melk i en beholder omgitt av brød Vermeer slettet en bikubeholder og en kurv fra veggen for å isolere gesten hennes ytterligere. Forsvinningspunktet, preget av en liten perforering nær armen, plasserer blikket litt under henne og forsterker dens monumentalitet. Smulene og skorpen er laget av lysende innslag som gir stillheten en nesten taktil tetthet.
Se denne reproduksjonen →
#10
Arnolfini-ektefellene
I 1434 forvandlet Jan van Eyck et borgerlig interiør til en visuell gåte Det konvekse speilet, skoene, hunden, appelsinene og vinduets lys multipliserer ledetrådene uten å påtvinge en eneste tolkning Arnolfini-ektemennene demonstrerer også oljens evne til å gjengi glass, pels, metall og hud i det samme sammenhengende rommet Arnolfini-ektemennene demonstrerer også oljens evne til å gjengi glass, pels, metall og hud i det samme sammenhengende rommet Portrettet her blir samtidig sosial tilstedeværelse, hukommelse og symbolsk konstruksjon.
Se denne reproduksjonen →
#11
Nattkafeen
Nattkafeen låser biljardbord, bord og slitne kunder i et ustabilt perspektiv Van Gogh kontrasterer det røde på veggene med det grønne i taket og de gule gloriene på lampene, bevisst aggressive farger som gir rommet et nesten sykt humør Ingen ser ut til å ville inn Møblene virker heller ikke særlig trygge å stå rett opp.
Se denne reproduksjonen →
#12
Kirken Auvers-sur-Oise
"The Church of Auvers-sur-Oise" av Vincent van Gogh opptar rang 79 av denne ruten dedikert til de mest kjente malerilandskapene Verket tilhører kapittelet dedikert til friluftsliv, impresjonisme og moderne lys.Dateringen er 1890; dens bevaring eller dokumentarreferanse er Musée d'Orsay Landskapet behandles ikke som en enkel setting: relieff, himmel, vann, arkitektur, vegetasjon og mulige figurer organiserer en opplevelse av avstand, lys og tid. Hvert nummer konstruerer en historie om sjangeren i stedet for en matematisk premieliste.
Se denne reproduksjonen →
#13
Døperen Johannes
I "Saint Jean-Baptiste" bruker billedmateriale for å skille overflater, avstander og intensiteter Det religiøse emnet "Saint Jean-Baptiste" blir en arkitektur av gester og lys ment å virke på tilskueren så mye som å fortelle.Datert fra rundt 1513-1516 plasserer dette maleriet oppfinnelsen av Leonardo da Vinci i århundrets konkrete kronologi.For "Saint Jean-Baptiste" bør bildets berømmelse derfor ikke få oss til å glemme presisjonen i produksjonen.
Se denne reproduksjonen →
#14
Stormen
En soldat og en kvinne som ammer et barn står adskilt av en bekk, under en himmel som lynet nettopp har delt Giorgione nekter å levere en klar fortelling og gjør atmosfæren til den sanne koblingen mellom figurene, ruinene og byen Malt rundt 1506-1508, Stormen er blant de første verkene hvor landskapet så sterkt påtvinger sin autonome tilstedeværelse Malt rundt 1506-1508, Stormen er blant de første verkene hvor landskapet så sterkt påtvinger sin autonome tilstedeværelse Dens mysterium kommer ikke fra et eneste symbol å dekode, men fra den presisjon som alt synes viktig uten å gå med på å vitne.
Se denne reproduksjonen →
#15
The Happy Chances of the Escarpolette
The Happy Chances of the Escarpolette plasserer en ung kvinne over en rokokkohage hvor statuer, roser og løvverk blir medskyldige i et kjærlighetsspill Fragonard får kjolen, skoen og insinuasjonene til å fly med samme letthet Innredningen er ikke et bakteppe: den beskytter hemmeligheten, organiserer utseendet og beviser at på 1700-tallet kunne selv en lund ha et veldig travelt sosialt liv.
Se denne reproduksjonen →
#16
Astronomen
Astronomen berører en himmelsk klode redigert av Jodocus Hondius og konsulterer en bok av Adriaan Metius åpen for søken etter guddommelig inspirasjon Maleriet av Moses reddet fra vannet, i bakgrunnen, kan forsterke ideen om forsyn og kunnskap.Datert 1668 danner lerretet et naturlig motstykke til geografen: den ene studerer himmelen, den andre måler jorden.
Se denne reproduksjonen →
#17
Den gule Kristus
Den gule Kristus plasserer Korsfestelsen på den bretonske landsbygda, blant bedende kvinner og trær i høstfarger Gauguin forenkler formene, omgir de flate områdene og gir Kristi legeme det gule av de omkringliggende feltene Det hellige er forankret i et moderne sted snarere enn i det historiske Jerusalem Årstiden, troen og maleriet snakker det samme fargerike språket.
Se denne reproduksjonen →
#18
Klagesang over den døde Kristus
Mantegna skyver inn "Klagesang over den døde Kristus" - perspektiv, stein og forkortet inntil man gjør antikken fysisk til stede, med vinkler som nekter den enkle rollen som dekorasjon Verket er datert rundt 1480. bevaringssted: Brera Pinacoteca, Milano.
Se denne reproduksjonen →
#19
Smuget
Vermeer maler ikke et Delft-monument, men to vanlige fasader, sammenkrøpende barn og kvinner absorbert i flekkene sine Mursteinene, sprekkene og skjøtene observeres nøyaktig, likevel omorganiseres perspektivet subtilt Verket gir en uvanlig verdighet til huslig vedlikehold og nabolaget Verket gir en uvanlig verdighet til huslig vedlikehold og nabolaget Lyset fra himmelen forbinder de diskontinuerlige veggene og forvandler en bestemt gate til et rolig minne om byen.
Se denne reproduksjonen →
#20
La Fornarina
Armbåndet bærer signaturen "Raphael Urbinas" og myrten bak modellen fremkaller Venus og kjærlighet Den unge kvinnen oppdager et bryst samtidig som den opprettholder gesten til beskjedne Venus. Hans identifikasjon med Margherita Luti, antatt elsker av maleren, er fortsatt en attraktiv tradisjon, men ikke demonstrert av et samtidsdokument. Institusjonsmeldingen plasserer verket i 1519 og oppbevarer det i Nasjonalgalleriet for antikk kunst.
Se denne reproduksjonen →Lesere, lærde, hellige figurer og kafékarakterer får intensitet fordi innstillingen strammer gester og utseende.
#21
Absint
På en kafé forblir to figurer side om side uten egentlig å dele samme plass; foran kvinnen blir absintglasset det bleke sentrum for offentlig ensomhet. Degas malte scenen i 1875-1876, men hans London-utstilling fra 1893 gjenopplivet en moralsk skandale rundt alkoholisme og den påståtte franske nedgangen. Modellene, skuespillerinnen Ellen Andrée og gravøren Marcellin Desboutin, ble forvekslet med karakterene de spilte, til det punktet at Degas måtte forsvare ryktet sitt. Verket gjør vondt fordi seeren føler seg sittende ved nabobordet.
Se denne reproduksjonen →
#22
Selvportrett med pels
Malt som tjueåtte, adopterer dette selvportrettet en frontalitet som da spesielt assosieres med bildene av Kristus. Dürer guddommeliggjør seg ikke: han bekrefter at kunstnerens kreative kraft fortjener en ny intellektuell verdighet. Det direkte blikket, symmetrien i ansiktet, hånden plassert på pelsen og den latinske inskripsjonen forvandler utseendet hans til en forfatters erklæring. Den forsiktige utførelsen av håret og klærne opprettholder likevel bildet i individuell observasjon.
Se denne reproduksjonen →
#23
E-leseren
I "La Liseuse" leder Jean-Honoré Fragonard øyet gjennom en rekke perfekt synlige avgjørelser; billedmaterialet gir vekt til de roligste områdene; rytmen gir temperaturen til helheten.
Se denne reproduksjonen →
#24
Medusa
I "Medusa", bruker billedmateriale for å skille overflater, avstander og intensiteter For "Medusa" kondenserer maleren historie, komposisjon og materiale til et bilde hvis tilstedeværelse går forut for enhver detaljert forklaring Datert rundt 1597 plasserer dette maleriet Caravaggios oppfinnelse i århundrets konkrete kronologi For "Medusa" bør berømmelsen til bildet derfor ikke få oss til å glemme presisjonen i fremstillingen.
Se denne reproduksjonen →
#25
Lille Bacchus syk
Den syke Lille Bacchus holder noen druer med bleke lepper og en grønnaktig hudfarge som med glede saboterer det eldgamle idealet Caravaggio skal ha brukt sitt eget speilbilde i en sykdomsperiode, og forvandlet vinens gud til en pasient fortsatt kledd i verkstedduk. Laget rundt 1593 -1594 og oppbevart på Borghese Gallery, er maleriet på en gang et selvportrett, stilleben og en tidlig demonstrasjon av en realisme som nekter å sminke feber.
Se denne reproduksjonen →
#26
E-leseren ved vinduet
Restaureringen som ble fullført i Dresden avslørte den store Amor som Vermeer malte på veggen, for så å bli dekket med en bakhånd Denne kjærlighetsguden bekrefter at brevet gjelder et sentimentalt forhold Vinduet reflekterer diskret leserens ansikt, mens det grønne forhenget og teppet lukker rommet rundt henne Hemmeligheten bak budskapet blir dermed det virkelige motivet.
Se denne reproduksjonen →
#27
Kvinnen med vekten
En kvinne holder en tom skala foran en representasjon av den siste dommen.De fortsatt ubevegelige brettene kan fremkalle mål på sjelen, måtehold eller indre undersøkelse.Biter og perler hviler på bordet, jordiske goder konfrontert med guddommelig dom.Vermeer leverer imidlertid ikke en entydig moral: lyset som omgir ansiktet gir materiell balanse en åndelig dybde.
Se denne reproduksjonen →
#28
Magpie på Gibet
I "Haglepien på Gibet" fordeler komposisjonen veier, bygninger og figurer som deler av en kollektiv fortelling Om "Haglepien på Gibet" gir gjenstander, kostymer og holdninger scenen en sannhet som motstår det lett pittoreske Til slutt viser "Haglepien på Gibet" at klima, arbeid og hukommelse til syvende og sist deler samme overflate.
Se denne reproduksjonen →
#29
Bacchus
I "Bacchus" går de nære detaljdialogene med en monumental organisering av helheten I "Bacchus" autoriserer myten eller allegorien en svært fri forskning på kropp, farge, begjær og metamorfose, Datert rundt 1596 plasserer dette maleriet Caravaggios oppfinnelse i århundrets konkrete kronologi. For "Bacchus" forblir scenen umiddelbart tilgjengelig samtidig som den beholder nok tvetydighet til å motstå en enkelt lesning.
Se denne reproduksjonen →
#30
Geografen
Geografen lener seg over et kart, kompass i hånden, og ser så opp som i oppdagelsesøyeblikket.Lyset når pannen hans før papiret, og gir en synlig form til refleksjonen.Kart, globus og bøker fremkaller den kommersielle og vitenskapelige ekspansjonen av De forente provinser.Signert og datert 1669, fullfører verket The Astronomer uten å gjenta sin mer meditative positur.
Se denne reproduksjonen →
#31
Kvinnen i blått leser et brev
Kvinnen står alene, helt oppslukt av et brev Det store kartet over De forente provinser bringer den geografiske avstanden inn i rommet og lar oss forestille oss en fraværende korrespondent Vermeer fjerner unødvendige vinduer og møbler for å konsentrere scenen om det ultramarinblå, den opplyste magen og hendene. Det litt uskarpe snittet av konturene reflekterer mindre et fotografisk øyeblikk enn en indre oppmerksomhet.
Se denne reproduksjonen →
#32
Narrenes skip
Narrenes skip, av Hieronymus Bosch, er blant maleriene i Louvre for å se å forstå tettheten til museet. Det minner om viktigheten av de nordlige skolene i Louvre-samlingene, mellom portrett, materiale, detaljer og narrativ oppfinnelse. Louvre-varselet forbinder arbeidet med Institutt for malerier; teknikken som er angitt er olje på tre (eik) og dateringen som er valgt er Dato for opprettelse/produksjon: 4. kvartal av 1400-tallet (1475 - 1500).
Se denne reproduksjonen →
#33
Vei med sypress og stjerne
Van Gogh plasserer en svart sypress mellom en svingete vei, to reisende og en stjerne ledsaget av en halvmåne Det sene landskapet i Saint-Rémy kombinerer terrestriske og himmelske bevegelser i samme pulsering Stien ser ut til å snu med himmelen De reisende rykker frem, heldigvis uten å måtte følge stjernene i samme hastighet.
Se denne reproduksjonen →
#34
Danae av Gustav Klimt
Danaé folder seg sammen til et nesten firkantet format, lårene hennes trekkes mot bysten og det røde håret som okkuperer det øvre hjørnet. Det gylne regnet som Zevs den fruktbare krysser de lilla slørene og sirkulære motivene gjennom. Klimt beskriver verken rom eller påfølgende historie: myten er kondensert til en lukket form, samtidig søvn, forlatelse og metamorfose. Produsert i 1907-1908, skyver verket assosiasjonen av erotikk og ornament til det punktet at de umuliggjøres.
Se denne reproduksjonen →
#35
Gutt med fruktkurv
Gutt med en kurv med frukt plasserer en ung modell bak en overflod av druer, fiken, epler og blader observert uten botanisk overbærenhet. Den avdekkede skulderen, utseendet og vekten av kurven gir maleriet en sensualitet som overmodne frukter allerede gjør prekære. Malt rundt 1593 -1595 og bevart på Borghese Gallery, kunngjør dette tidlige verket Caravaggios smak for ekte kropper og gjenstander som eldes mye mindre diskret enn allegorier.
Se denne reproduksjonen →
#36
Madonnaen av Alba
I tondoen ordner Maria, Jesus og døperen Johannes seg rundt et lite sivkors Jomfruens blikk fokuserer på dette lidenskapstegnet, mens barna undersøker det Det omfattende landskapet og identifiserbare planter gir det religiøse varselet det konkrete lyset fra en italiensk landsbygd Katalogene beholder 1510 og angir National Gallery of Art som nåværende sted.
Se denne reproduksjonen →
#37
Storhertugens Madonna
Den nå mørke bakgrunnen ble trolig modifisert etter Rafaels død; den fremhever silhuetten av Maria og barnet. Jomfruen støtter kroppen med behersket tyngdekraft, som om hun allerede kjente lidenskapen. Maleriet skylder navnet sitt til storhertug Ferdinand III av Toscana, som satte spesielt pris på det. Dette maleriet er datert 1506; referansesamlingen er Galerie Palatine.
Se denne reproduksjonen →
#38
De tre nådegavene
Tre kvinnelige nakenbilder står sammenvevd og bærer gullepler, sannsynligvis de som tilbys Hesperidene Raphael tilpasser en eldgammel gruppe kjent for skulptur og romersk valuta Kroppene veksler ansikt og rygg for å forvandle det lille panelet til en sirkulær studie av bevegelse og skjønnhet Institusjonsmeldingen plasserer verket i linjene 1504 -1505 og bevarer det ved Musée Condé, Chantilly.
Se denne reproduksjonen →
#39
Kvinner fra Tahiti
To sittende tahitiske kvinner blir en konstruksjon av rolige former og dempede farger; Gauguin kombinerer observasjon, dekorativ konvensjon og kolonitidsblikk som det må stilles spørsmål ved i dag Verket er datert 1891. bevaringssted: Musée d'Orsay, Paris. Teknikk: olje på lerret.
Se denne reproduksjonen →
#40
Judith I
Judith står foran en gullbakgrunn, bysten hennes avdekket, øynene halvt lukket og munnen halvåpen Holofernes' hode opptrer bare delvis i nedre høyre hjørne: den bibelske beretningen holdes på et minimum for å fokusere bildet på en tvetydig, seirende og sensuell tilstedeværelse Et stort halskjede skiller nesten ansiktet fra kroppen, mens de stiliserte trærne flater ut rommet I 1901 forvandlet Klimt den moralske heltinnen til en moderne figur av blikkets kraft.
Se denne reproduksjonen →Bosch, Bruegel, Klimt og Malevich bruker den lille overflaten som et mentalt rom hvor symbolet umiddelbart blir synlig.
#41
Selvportrett av Raphael
Raphaël representerer seg kledd i svart, i tre fjerdedeler, uten egenskapen yrke eller dekor. Enkelheten i silhuetten bidro til å etablere det moderne bildet av det unge geniet som døde trettisju år gammel. Identifikasjonen er basert på tradisjonen til Uffizi og på sammenligningen med ansiktet hans i The School of Athens. Dens publiserte datering er rundt 1506 og dens bevaringssted er Uffizi Gallery, Firenze.
Se denne reproduksjonen →
#42
Gutt bitt av en øgle
Gutt bitt av en øgle fanger den andre der smerte passerer gjennom et ansikt, spenner fingre og skyver hele kroppen bort Øglen gjemt blant frukt og blomster forvandler et attraktivt stilleben til en liten husfelle Malt rundt 1594 -1596, komposisjonen finnes i to anerkjente versjoner Malt rundt 1594 -1596, komposisjonen finnes i to anerkjente versjoner Den som er tilknyttet National Gallery i London viser allerede Caravaggios talent for å erstatte varig positur med en reaksjon så kort at den fortsatt ser ut til å være i gang.
Se denne reproduksjonen →
#43
Kristi flagellasjon
Piero della Francesca skiller hovedhandlingen og samtidens figurer i et rom av gåtefull presisjon; det kalde lyset forvandler historien til et intellektuelt problem Verket er datert rundt 1455-1460. bevaringssted: Nasjonalgalleriet i Marche, Urbino.Teknikk: tempera på panel.
Se denne reproduksjonen →
#44
Krittklipper på øya Rügen
Tre figurer stopper ved kanten av de hvite klippene i Rügen, innrammet av to trær hvis grener åpner utsikten mot Østersjøen. Malt rundt 1818 etter Friedrichs ekteskap, har maleriet ofte blitt lest som en reisesuvenir, men den nøyaktige identiteten til figurene er fortsatt omdiskutert. Den sentrale kløften forhindrer enhver fredelig spasertur: det ønskede landskapet viser seg å være lysende, skjørt og farlig å se på.
Se denne reproduksjonen →
#45
Kryssbærer
Korsbæringen strammer Kristus, den hellige Veronica og deres forfølgere i en nærkamp av ansikter nesten uten plass Korset krysser komposisjonen mens grimaser forvandler folkemengden til et moralsk landskap Bevart på Museum voor Schone Kunsten i Gent og generelt datert rundt 1510 -1516, panelet er gjenstand for attribusjonsdebatter; det er fortsatt et av de mest slående bildene knyttet til Bosch, med innramming som bokstavelig talt ikke gir noe pusterom.
Se denne reproduksjonen →
#46
Berthe Morisot med en bukett fioler
Manet maler Berthe Morisot i svart, øynene livlige og ansiktet nærmest spist av lys; det verdslige portrettet blir et psykologisk møte av sjelden intensitet Verket er datert 1872. konserveringssted: Musée d'Orsay (Paris).
Se denne reproduksjonen →
#47
Livets tidsalder
Fem figurer, inkludert barn, står på en strand mens fem skip opptar forskjellige avstander.Malt rundt 1834, forbinder maleriet eksplisitt eksistensstadiene med navigasjonsstadiene: nærhet, avgang, modenhet og horisont.Den fjerne byen minner om Greifswald, hjemlandet til Friedrich. Allegorien forblir likevel nedfelt i en konkret familiegjenforening, der den eldre maleren ser ut til å måle tid etter kropper, seil og sjø.
Se denne reproduksjonen →
#48
Diane kommer ut av badekaret
I "Diane Leaving the Bath" forvandler François Boucher et gjenkjennelig motiv til en seeropplevelse; paletten bringer bildene sammen uten å flate ut scenen; komposisjonen opprettholder en klar dekorativ spenning Verket er datert 1742. Sted for bevaring: maleriavdelingen ved Louvre-museet.
Se denne reproduksjonen →
#49
Visjon etter prekenen
Synet etter prekenen avslører Jakobs og engelens kamp i et rødt felt adskilt fra bretonerne av en skrå stamme Gauguin maler ikke den bibelske hendelsen som en virkelig scene, men som det mentale bildet født fra prekenen De hvite hodeplaggene forankrer synet i fellesskapet Troen åpner her et rom mer levende enn landskapet, og mye mindre underlagt perspektivlovene.
Se denne reproduksjonen →
#50
Vertumne
I "Vertumne" bruker billedmateriale for å skille overflater, avstander og intensiteter I "Vertumne" tillater myte eller allegori en svært fri forskning på kropp, farge, begjær og metamorfose, Datert 1591 plasserer dette maleriet Giuseppe Arcimboldos oppfinnelse i århundrets konkrete kronologi For "Vertumne" bør bildets berømmelse derfor ikke få oss til å glemme presisjonen i produksjonen.
Se denne reproduksjonen →
#51
Portrett av Elisabetta Gonzaga
Elisabetta Gonzaga, hertuginne av Urbino, bærer en skorpionformet juvel i pannen Ansiktet forblir rolig, nesten passivt, foran et sammenhengende landskap Verket tilhører hoffkretsen der Raphael møter Castiglione, Bembo og Émilie Pia, fremtidige hovedpersoner i hans romerske karriere. Dens publiserte datering er rundt 1504 -1505 og dens bevaringssted er Uffizi Gallery, Firenze.
Se denne reproduksjonen →
#52
Portrett av Bindo Altoviti
Bindo Altoviti snur seg over skulderen og avslører blondt hår som er langt forvekslet med Raphaels. Bankmannen var en kultivert ung beskytter, senere motstander av Medici. Bevegelsen av bysten og hånden nær hjertet gjør portrettet mer mobilt enn tradisjonelle florentinske mannlige bilder. Bevegelsen av bysten og hånden nær hjertet gjør portrettet mer mobilt enn tradisjonelle florentinske mannlige bilder. Eksemplet som presenteres er dokumentert rundt 1515, i National Gallery of Art, Washington.
Se denne reproduksjonen →
#53
Lille Cowper Madonna
Lille Cowper Madonna plasserer Maria og Jesus foran et landskap i Urbino hvor vi kjenner igjen en kirke Barnets hånd griper mors bodice, en konkret detalj innenfor en ideell konstruksjon Navnet kommer fra Cowper familien, som også eide en andre Raphael Madonna Dette maleriet er datert rundt 1505; dens referansesamling er National Gallery of Art, Washington.
Se denne reproduksjonen →
#54
Misantropen
En svartkledd mann trekker seg tilbake fra verden under en glasshette, mens en småtyv kutter av seg vesken Inskripsjonen fordømmer verdens utroskap, men bildet kritiserer også alle som mener seg beskyttet av sin forakt for andre Malt i 1568 i tempera på lerret gjør Misantropen den sirkulære rammen til en mental boble: moralsk isolasjon blir nettopp det som gjør en blind.
Se denne reproduksjonen →
#55
The Death of the Miser
The Death of the Miser konsentrerer et helt liv i de siste sekundene av en mann som er revet mellom krusifikset utpekt av en engel og vesken strukket av en demon. Ved fotenden av sengen legger en yngre versjon av den døende fortsatt fra seg stykkene sine mens han holder en rosenkrans. National Gallery of Art i Washington daterer panelet rundt 1485 -1490; Bosch maler døden mindre enn det pinlige øyeblikket da det blir umulig å utsette sitt valg til i morgen.
Se denne reproduksjonen →
#56
To menn som tenker på månen
To menn i "gammeltyske" drakter observerer den voksende månen og kveldsstjernen nær et opprevet eiketre og et levende grantre. Produsert i 1819 -1820, kombinerer scenen nattlig kontemplasjon og politisk kontekst: dette antrekket kan signalisere nasjonale og liberale ambisjoner under restaureringen. Friedrich påtvinger imidlertid ikke en eneste tolkning. Dødt tre, stein, lys og selskap tillater kristne, politiske eller rett og slett meditative lesninger.
Se denne reproduksjonen →
#57
Kvinne i hatt
Amélie Matisse har på seg en ekstravagant hatt hvis farger strekker seg fritt i ansiktet, kjolen og bakgrunnen. På Salon d'Automne i 1905 skapte rommet der verket ble stilt ut bråk; kritikeren Louis Vauxcelles laget ordet "fauves" der. Skandalen kommer fra en farge som ikke lenger adlyder huden eller lyset som observeres. Kvinne i hatt viser hvordan en kritisk fornærmelse kan bli det varige navnet på en bevegelse om noen uker.
Se denne reproduksjonen →
#58
Beata Beatrix
Beata Beatrix transponerer Beatrice de Dantes død til en hyllest til Elizabeth Siddal Rossetti lukker øynene med ansiktet, plasserer en rød fugl som legger en valmue i hendene og bader Firenze i et uvirkelig lys Kjærlighet, sorg og poesi smelter sammen uten bokstavelig illustrasjon Tiden som er angitt på urskiven fortsetter; for kvinnen i forgrunnen har den nettopp endret sin natur.
Se denne reproduksjonen →
#59
Litotomi
En falsk kirurg trekker ut en blomst fra en pasients hode; inskripsjonen og tilbehøret fordømmer godtroenhet, sjarlatanisme og galskap Trakten plassert på utøverens hode snur kunnskapstegnet, mens nonnen bærer en bok i balanse; Bosch konstruerer en satire der de som hevder å bli kurert deler galskap.
Se denne reproduksjonen →
#60
Portrett av en mann (selvportrett?)
Van Eyck gir "Portrait of a Man with a Red Turban" en presisjon der olje, lys og materiale forvandler speil, metall, pels eller hud til synlig informasjon Verket er datert 1433. bevaringssted: National Gallery, London.
Se denne reproduksjonen →Panelmaling, diptyk og nærbildeportrett gir verket den materielle tilstedeværelsen av en dyrebar gjenstand.
#61
Rød firkant
"Rød firkant: billedrealisme av en bondekvinne i to dimensjoner" avfeier det tradisjonelle perspektivet for å gi mer autoritet til maleriets plan For "Rød firkant: billedrealisme av en bondekvinne i to dimensjoner" fjerner ikke abstraksjonen betydningen: den omfordeler den mellom rytme, farge, materiale og balanse Datert fra 1915 plasserer dette maleriet Kazimir Malevichs oppfinnelse i århundrets konkrete kronologi.
Se denne reproduksjonen →
#62
Kristus og den utro kvinnen
Kristus skriver på bakken foran kvinnen som er anklaget for utroskap, omgitt av menn som til slutt vil gi opp å steine henne. Bruegel maler scenen nesten helt grå, som et steinrelieff som har våknet til liv. Datert 1565 kontrasterer verket Kristi lysende klarhet med skyggen av den anklagende gruppen. Uttrykket "la den som er uten synd..." blir en meditasjon over kollektiv dømmekraft og individuelt ansvar.
Se denne reproduksjonen →
#63
Tiggerne
Fem amputerte menn rykker frem på krykker og bruker hodeplagg som noen ganger har blitt sammenlignet med ulike samfunnsordener En kvinne går bort nederst og holder en bolle Bruegel unngår både heltemot og enkel karikatur: kropper, innretninger og bevegelser observeres med forstyrrende frontalitet.Datert 1568 forblir det lille panelet gåtefullt med hensyn til dets politiske eller karnevaleske betydning.
Se denne reproduksjonen →
#64
Ecce Homo
Ecce Homo presenterer Kristus for en kompakt folkemengde, under en inskripsjon som navngir scenen med en nesten rettslig tørrhet. Anklagende gester, skrå blikk og urban arkitektur flytter oppmerksomheten fra tortur til kollektivt ansvar. Denne komposisjonen, kjent fra flere versjoner og stater, minner om hvordan Boschs oppfinnelser sirkulerte mellom original, verksted og kopi; dens kraft kommer nettopp fra denne mengden som tvinger tilskueren til å søke sin egen plass.
Se denne reproduksjonen →
#65
Portrett av Juan de Pareja
Juan de Pareja, Velázquez' assistent som da fortsatt var lovlig slaveret, står foran en nøytral bakgrunn med suveren selvtillit. Den mørke frakken, den hvite kragen og de frie berøringene av ansiktet fokuserer all oppmerksomhet på et direkte, innesluttet utseende, men fullstendig klar over hans verdighet. Presentert i Roma i 1650 før portrettet av Innocent X, fungerte maleriet som en offentlig demonstrasjon av malerens talent. Velazquez frigjorde Pareja noen måneder senere; han fortsatte deretter sin egen karriere som kunstner.
Se denne reproduksjonen →
#66
Dresden Triptych
Den lille triptyken i Dresden samler en jomfru og et barn og helgener i et smalt, men lysende interiør Van Eyck viser refleksjoner, steiner, stoffer og inskripsjoner med en omhyggelighet som gir næring til kontemplasjon Intim skjæring forsterker inntrykket av nærhet til det hellige.
Se denne reproduksjonen →
#67
Selvportrett i allegori om maleri
Artemisia Gentileschi viser ikke bare en kunstner i arbeid: hun glir inn i selve allegorien om Maleri, tradisjonelt personifisert som kvinne Kroppen lener seg mot lerretet, gullkjeden og det ugjorte håret som reagerer på egenskapene til Iconologia Ideen er strålende og veldig praktisk: umulig å fjerne hovedrollen.
Se denne reproduksjonen →
#68
Selvportrett med Døden som spiller fiolin
I sitt Selvportrett med Døden som spiller fiolin avbryter Arnold Böcklin malerens arbeid av en musiker ingen ville ha invitert. Skjelettet lener seg bak skulderen hans og gnir et enkelt tau, et lydbilde av den nærme enden. Böcklin holder imidlertid en pensel og palett i hånden: overfor denne insisterende naboen svarer kunstneren med et klart blikk og fortsetter økten.
Se denne reproduksjonen →
#69
Pastor Robert Walker på skøyter på Duddingston Loch
I "The Skating Minister" tar Henry Raeburn utgangspunkt i et klart identifisert emne; detaljene forsinker lesningen akkurat nok til å gjøre den interessant; fargen gir sin temperatur til helheten Verket er datert rundt 1795. bevaringssted: National Galleries of Scotland, Edinburgh.
Se denne reproduksjonen →
#70
Maria Magdalena lesing
Glansen i "Mary Magdalene reading" tiltrekker seg først; logikken i kropper, objekter og kraftlinjer forklarer så hvorfor den blir igjen Med "Mary Magdalene Reading" strammer Van der Weyden inn holdninger og linjer slik at følelser flyter fra en figur til en annen med en presisjon som er en klokke verdig, men mye mindre kald Posituren, hendene og blikket til "Mary Magdalene Reading" tydeliggjør modellens rangering uten å redusere dens tilstedeværelse til en bemerkelsesverdig drakt.
Se denne reproduksjonen →
#71
Den ødelagte kolonnen
Det ortopediske korsettet åpner overkroppen som medisinsk rustning og avslører en brukket ionisk ryggrad i stedet for ryggraden. Neglene fordelt over huden gjør smerten synlig uten å endre ansiktsuttrykket i fronten. Det sprukne landskapet forlenger den skadde kroppen: i Kahlo, anatomi og territorium blir den samme påviste overflaten. Dateringen som er valgt er 1944; det publiserte stedet er Museo Dolores Olmedo, Mexico.
Se denne reproduksjonen →
#72
La Grenouillère
I La Grenouillère bygges båter, refleksjoner og badegjester med raske berøringer; moderne fritid fungerer som prøveplass for den fremtidige impresjonistiske metoden Verket er datert 1869. bevaringssted: Metropolitan Museum of Art, New York.
Se denne reproduksjonen →
#73
Kysset ved sniking
I "Kysset av stealth" forvandler Jean-Honoré Fragonard et gjenkjennelig motiv til en seeropplevelse; tegningen opprettholder helheten mens atmosfæren tar seg noen friheter; mønsteret forsinker med fordel første lesning.
Se denne reproduksjonen →
#74
Miraflores altertavle
Miraflores-altertavlen utfolder tre øyeblikk av forholdet mellom Kristus og jomfruen i små skulpturerte rom Van der Weyden kombinerer ømhet, smerte og himmelsk belønning Hvert panel ligner et miniatyrkapell hvor presise følelser gir tilgang til doktrine.
Se denne reproduksjonen →
#75
Den grønne strålen
Amélie Matisses ansikt deles av et grønt bånd som går ned fra pannen til haken. På den ene siden dominerer varme rosa og gule; på den andre, kaldere grønne Denne inndelingen reflekterer ikke en skygge observert i tradisjonell forstand: den organiserer volumet i motsetning til farger. Bakgrunnen i seg selv fragmenteres ikke i lilla, turkise og oransje områder som gjør tilstedeværelsen av modellen mer intens uten å gjøre den mer realistisk.
Se denne reproduksjonen →
#76
Bonden og reiretyven
En bonde peker på en mann som er opptatt med å stjele et rede, uten å se at han selv går mot en grøft Ordtaket setter den som vet hvor redet er mot den som faktisk vet hvordan den skal tas, men Bruegel legger til en leksjon om feilrettet oppmerksomhet. Datert 1568 konstruerer maleriet sin humor ved forskjellen mellom karakterens selvsikre gest og faren rett under føttene hans.
Se denne reproduksjonen →
#77
Altertavlen til de ti tusen martyrene
Dürer samler de ti tusen martyrene i en myldrende scene hvor tortur, landskap og kostymer formerer seg. Han glir selv blant vitnene og holder en inskripsjon. Kollektiv vold organiseres med en presisjon som krever at vi ser på hver skjebne i mengden.
Se denne reproduksjonen →
#78
Selvportrett i et konveks speil
Parmigianino observerer refleksjonen hennes i et konveks speil og maler på et kuppelformet panel som gjengir krumningen. Den forstørrede hånden opptar forgrunnen, mens stykket og ansiktet folder seg rundt det med manieristisk virtuositet. Enheten forvandler en optisk begrensning til en signatur. Speilet forvrenger alt unntatt ambisjoner.
Se denne reproduksjonen →
#79
Diptyk av korsfestelsen og den siste dommen
Glansen i "Korsfestelsens og den siste dommens diptyk" tiltrekker seg først; logikken i kropper, gjenstander og kraftlinjer forklarer så hvorfor den blir igjen I Van Eyck gjør "Korsfestelsens diptyk og den siste dommen" lyset nesten målbart: refleksjoner, smykker, stoffer og hud beskriver en konkret verden samtidig som den gir subjektet åndelig tyngdekraft.
Se denne reproduksjonen →
#80
Den desperate
Courbet dukker opp i The Desperate med store øyne, hendene knyttet til håret og ansiktet presset tett inntil betrakteren Snarveien til armene og frontallyset forvandler selvportrettet til et fysisk, nesten teatralsk utseende Det er ikke et visittkort, det er et sjokk Vi tipper at poseringsøkten ikke var avslappende.
Se denne reproduksjonen →Fra Courbet til Matisse, Munch og Van Gogh ble staffeliformatet laboratoriet for et mer direkte og personlig maleri.
#81
Senecas død
Seneca åpner årene på Nero-ordenen, omgitt av slektninger hvis reaksjoner fragmenterer scenen David behandler fortsatt motivet med en barokk overflod som han snart vil rense, men spenningen mellom filosofi og skuespill kunngjør allerede sine store martyrer For å finne gjenstanden bak bildet: 1773, Petit Palais, Paris og 122 × 155 cm.
Se denne reproduksjonen →
#82
Den flådde oksen
Rembrandt behandler den flådde oksen med en korsfestelses tyngdekraft, og gir animalsk materie, kjøtt og vekt eksistensiell kraft Verket er datert 1655. bevaringssted: Louvre Museum, Paris.
Se denne reproduksjonen →
#83
Danseklassen
Rundt 1870 tok Degas opp en dansetime for første gang i dette lille trepanelet. Da han ennå ikke hadde tilgang til backstage av Operaen, fikk han modellene til å posere i studioet sitt, og beordret deretter holdningene som en scene observert på stedet: studenter sittende til venstre, danser kastet i midten, isolert silhuett nær speilet. De døve brune i rommet fremhever det hvite i tutusen og presisjonen i bevegelsene.
Se denne reproduksjonen →
#84
Trippelportrett av Charles I
Van Dyck forvandler en studie beregnet på billedhuggeren til et autonomt trippelportrett, som avslører hvordan kongelig identitet kan konstrueres gjennom variasjon av synspunkter Verket er datert rundt 1635-1636. Sted for bevaring: Royal Collection. Teknikk: olje på lerret.
Se denne reproduksjonen →
#85
Agnus Dei
Det bundne lammet hviler alene på et mørkt bord Zurbaran returnerer sin ull, sin vekt og sin mykhet med en presisjon som forvandler stilleben til et offerbilde Dyremodellen blir et eukaristisk bilde ved sin helt enkle: det virkelige lammet gjør umiddelbart uskylden lovet å ofre merkbar.
Se denne reproduksjonen →
#86
Fruktkurv
Fruktkurv gir noen få epler, fiken, druer og tørre blader tyngdekraften til et portrett. Ingenting er idealisert: fruktene bærer flekker, bladene krøller seg sammen og lyset beskriver både modenhet og begynnelsen på tilbakegang. Malt etter 1597 og holdt på Pinacoteca Ambrosienne i Milano, er dette lille lerretet en av de grunnleggende milepælene i autonomt stilleben. Caravaggio beviser at en stille kurv kan holde mye tid.
Se denne reproduksjonen →
#87
Danae d'Artemisia Gentileschi
I "Danae", innelåst av sin far, mottar Danae Jupiter forvandlet til gullregn og vil designe Perseus; brikkene som faller på sengen gjør den guddommelige foreningen synlig, men introduserer også en tvetydighet mellom mirakel, begjær og rikdom. Datert 1612 og knyttet til Saint Louis Art Museum, utmerker "Danaé" seg ved sitt format, sin herkomst og komposisjonsvalgene som er synlige i bildet; dokumentert attribusjon.
Se denne reproduksjonen →
#88
Portrett av Thomas More
I "Portrett av Thomas More" organiserer blikket rundt en sentral gest og flere sekundære responser I "Portrett av Thomas More" komponerer blikkets positur, klær, hender og retning en identitet som er like mye sosial som psykologisk Datert 1527 plasserer dette maleriet oppfinnelsen av Hans Holbein den yngre i århundrets konkrete kronologi For "Portrett av Thomas More" viser verket dermed hvordan 1500-tallet vet å perfeksjonere en regel mens man allerede forbereder seg på å stille spørsmål ved den.
Se denne reproduksjonen →
#89
Kysset
I "Kysset" balanserer Edvard Munch presis observasjon og indre spenning Munch gjør farge, bølgende linje og trangt rom til instrumentene i en psykisk opplevelse Landskapet og figuren responderer på hverandre til de blir to sider av samme følelse Emnet kombinerer observasjon og symbol Konturene, fargene og skalaforholdene beveger historiens scene mot en mer åpen opplevelse av hukommelse og myte Datert 1897 presenteres verket som en billedteknikk på support.
Se denne reproduksjonen →
#90
Kunstnerhagen i Giverny
Kunstnerhagen i Giverny viser Monet vendt mot dekoren som han selv komponerte som et levende lerret Irisene tegner en lilla elv, trærne filtrerer lyset og stien forsvinner under en nøye vedlikeholdt overflod Naturen virker spontan, men gartneren visste nøyaktig hvor han skulle plassere fargene sine; selv blomstene hadde på en måte en karriereplan.
Se denne reproduksjonen →
#91
Krabbe, liggende på ryggen
Krabbe, som ligger på ryggen, isolerer et veltet dyr fra Van Gogh hvis ben stråler rundt skallet. De røde, grønne og blåaktige skyggene gir mønsteret en uventet kraft. Den uvanlige vinkelen avviser enkle kulinariske studier for å avsløre en kompleks struktur. Krabben ser ut til å være i vanskeligheter; komposisjonen faller perfekt på bena.
Se denne reproduksjonen →
#92
Frøken Caroline Rivière
Caroline Rivière poserer foran et lett landskap, pakket inn i en hvit kjole, lange hansker og rikelig med pels. Hodet virker nesten for stort, nakken strekker seg og den veldig tynne kroppen nekter den vanlige stabiliteten til voksenportretter. Disse misforhold fremhever ungdommen til modellen uten å forvandle den til et enkelt symbol på uskyld. Disse misforhold fremhever ungdommen til modellen uten å forvandle henne til et enkelt symbol på uskyld. Bildet ble malt i 1805 og deretter presentert på Salongen i 1806 med portretter av foreldrene hennes, og beholder en merkelighet som er desto sterkere ettersom overflaten forblir helt rolig.
Se denne reproduksjonen →
#93
Landskap om morgenen
Et flatt landskap strekker seg under morgenlyset, punktert av lunder, vann eller bysilhuetter, Datert 1822 og bevart i Berlin, tilhører verket sannsynligvis et sett viet til dagens øyeblikk Friedrich forenkler mønstrene for å synliggjøre overgangen fra mørke til lys Morgen er ikke bare en time: det blir en ventende struktur, hvor hver form gradvis kommer ut av verden.
Se denne reproduksjonen →
#94
Hieronymus Holzschuher
I hjertet av "Portrett av Hieronymus Holzschuher" konstruerer fysiognomien, kostymet og holdningen modellens sosiale identitet I "Portrett av Hieronymus Holzschuher" beholder renessanseportrettet ikke bare trekk: det skildrer den rang, profesjon, allianser og ide som modellen ønsker å overføre til ettertiden For denne versjonen av "Portrett av Hieronymus Holzschuher" beholder renessanseportrettet ikke bare trekk: det skildrer den rang, profesjon, allianser og ide som modellen ønsker å overføre til ettertiden For denne versjonen av "Portrett av Hieronymus Holzschuher" bremser den beskrivende presisjonen blikket og gir hvert tilbehør en funksjon totalt sett.
Se denne reproduksjonen →
#95
Vinduet er åpent, Collioure
"Open Window, Collioure" av Henri Matisse opptar rang 84 av denne ruten dedikert til de mest kjente malerilandskapene Verket tilhører kapittelet dedikert til modernitetene av farger og blikk.Dateringen er 1905; dens bevaring eller dokumentarreferanse er National Gallery of Art, Washington.Landskapet behandles ikke som en enkel setting: relieff, himmel, vann, arkitektur, vegetasjon og mulige figurer organiserer en opplevelse av avstand, lys og tid. Hvert nummer konstruerer en historie om sjangeren i stedet for en matematisk premieliste.
Se denne reproduksjonen →
#96
Kroningen av torner
The Coronation of Thorns låser Kristus i en sirkel av fire bødler hvis gester virker nesten høflige før gjenstandene deres avslører vold Ansiktene er ikke karikert tilfeldig: hver tilbyr en spesiell form for kulde, ironi eller brutalitet.National Gallery i London bevarer dette eikepanelet malt rundt 1510, og måler 73,8 × 59 cm, hvor fraværet av dekorasjon gjør hver hånd fryktelig veltalende.
Se denne reproduksjonen →
#97
Bibliotekaren
I "Bibliotekaren" samler maleren materiell presisjon, intellektuell ambisjon og en meget sikker sans for skue For "Bibliotekaren" kondenserer maleren historie, komposisjon og materiale til et bilde hvis tilstedeværelse går forut for enhver detaljert forklaring.Datert rundt 1566 plasserer dette maleriet Giuseppe Arcimboldos oppfinnelse i århundrets konkrete kronologi. For "Bibliotekaren" tilhører maleriet en presis rekkefølge, men dets visuelle innretning går langt utover dets første destinasjon.
Se denne reproduksjonen →
#98
Angst
I "Angst" balanserer Edvard Munch presis observasjon og indre spenning Munch gjør farge, bølgende linje og trangt rom til instrumentene i en psykisk opplevelse Landskapet og figuren responderer på hverandre til de blir to sider av samme følelse Subjektet kombinerer observasjon og symbol Konturene, fargene og skalaforholdene beveger historiens scene mot en mer åpen opplevelse av hukommelse og myte Datert 1894 presenteres verket som en billedteknikk på support.
Se denne reproduksjonen →
#99
Gabrielle Cot
Gabrielle var datter av maleren Pierre-Auguste Cot, venn og tidligere student av Bouguereau, Laget i 1890, ville dette portrettet først ha vært en studie beregnet på en annen komposisjon, før modellens livlighet påla dens autonomi. Ansiktet kommer ut fra en brun bakgrunn, uten sosialt tilbehør. Båndet og den lyse kjolen understreker et direkte, individuelt utseende, veldig langt fra allegori.
Se denne reproduksjonen →
#100
Sjøslag i Napolibukta
Bysser og seilbåter kolliderer i Napolibukta mens Vesuv, kysten og byen organiserer horisonten Bruegel forvandler sine minner fra turen til Italia til et maritimt teater med stort sett imaginær presisjon Røyken, årene og skroglinjene får øyet til å sirkulere mellom kamp og topografi Landskapet er ikke en enkel setting: det gir menneskelig vold en nesten geologisk skala.
Se denne reproduksjonen →Kilder og lenker
Noen små emblematiske formater
Lenkene nedenfor, som de hundre kortene, fører til de nøyaktige filene som allerede finnes i Alpha Reproduction-butikken.
Universelle ikoner
Mona Lisa - Leonardo da Vinci79,4 × 53,4 cm: det mest kjente bildet av Louvre forblir et maleri av intime dimensjoner.Jenta med perleørering - VermeerEt ansikt, et lys og en perle konsentrert på et 44,5 × 39 cm panel.Skriv ut, Rising Sun - MonetEt 48 × 63 cm lerret som ga navn til impresjonismen.Kunsten å presisere
Blondemakeren - VermeerEt av de mest slående eksemplene på billedkonsentrasjon i et lite format.De tre nådegaver - RafaelTre monumentale figurer i et firkantet panel som måler bare 17 cm på hver side.Selvportrett i et konveks speil - ParmigianinoEn tour de force malt på en sirkulær overflate på 24,4 cm.Ofte stilte spørsmål
Spørsmål om små formater
Terskel av dimensjoner, medier beholdt og forskjell mellom originalen og reproduksjon: de essensielle benchmarkene.
Hva kaller du et lite format i maleri?
Det er ingen universell terskel For å gjøre denne klassifiseringen verifiserbar har vi valgt ut malinger hvis største dokumenterte side ikke overstiger 100 cm.
Hvorfor er noen arbeider nær en meter inkludert?
Et staffelimaleri på omtrent en meter forblir beskjedent i størrelse sammenlignet med store dekorasjoner, historiemalerier og monumentale formater. Terskelen inkluderer disse verkene samtidig som store lerreter utelukkes.
Er miniatyrer, tegninger og trykk inkludert?
Nr Korpuset er satt sammen av malerier Tegninger, graveringer, fotografier og skulpturerte gjenstander er kassert, selv når de er svært små.
Hvorfor kan små formater virke så kraftige?
De tvinger deg til å se nøye.Reduksjonen av plass forsterker kontraster, utseende, gester og symbolske detaljer; sammensetning kan ikke etterlate noe ubrukelig.
Er dimensjonene angitt for reproduksjonene?
Nr Dette er dimensjonene på det opprinnelige dokumenterte verket De tilgjengelige reproduksjonsformatene presenteres separat på hvert produktark.
Åpner bildene riktig Alpha-plugg?
Ja. Titler, bilder, lenker og filer er sjekket separat for å unngå duplikater, feilnavnvariasjoner og grove treff.
0 commentaire