Washington Crossing the Delaware, maleri av Emanuel Leutze ved Metropolitan Museum of Art
#1 - Washington Crossing the Delaware

Topp 100 - Metropolitan Museum of Art

Topp 100 malerier fra Metropolitan Museum of Art

Hundre malerier for å krysse Met uten å løpe, fra Duccio til Van Gogh, fra Vermeer til Sargent og fra Bruegel til Ogata Kôrin.

Metropolitan Museum of Art har nok store malerier til å gjøre en times omvisning til en forhandling med stengetid. De hundre verkene kommer fra de offisielle Met-postene, med en distinkt identitet og bilde for hver rangering.

Se rangeringenVanlige spørsmål
100klassifiserte verk
77kunstnere representert
rundt 1250-1940syv århundrer med maleri på hundre stopp
100 malerier100 offisielle museumsmeldinger
Met-ikonerLeutze, David, Sargent, Van Gogh, Vermeer og Rembrandt åpner turen med bildene som har formet museets omdømme.
Renessanse og gamle mestereDuccio, Botticelli, Titian, Bruegel, El Greco og Caravaggio sirkulerer blikket fra Italia til Nederland og Spania.
Frankrike, lys og modernitetIngres, Delacroix, Courbet, Manet, Degas, Renoir, Seurat og Cézanne flytter historien mot Paris og dens visuelle revolusjoner.
Maleri AmerikaCole, Church, Bingham, Bierstadt, Homer, Eakins, Heade og Sargent gir museet dets landskap, portretter og nasjonale mytologier.
Utover den europeiske rutenPersiske, indiske, kinesiske og japanske malerier minner oss om at et leksikonmuseum ikke passer inn i en eneste fløy, selv en veldig godt polert.

Hundre malerier, et museum umulig å fullføre

Metropolitan Museum uten å slite ut alle sålene

De første stedene kombinerer verdensberyktethet, historisk betydning og emblematisk rolle i samlingen. Washington Crossing the Delaware, Madame.

The Met inneholder nok malerier til å gjøre et raskt besøk til en hel dag. Denne Topp 100 holder mesterverk og etterlater unødvendige omveier i garderoben.
Bytt til bilder

De 100 maleriene i Metropolitan Museum of Art

I
Ikoniske bilder

De første tjue radene samler malerier hvis berømmelse strekker seg utover Met-galleriene, fra Washington Crossing the Delaware til Van Goghs og Vermeers.

Washington Crossing the Delaware, maleri av Emanuel Leutze ved Metropolitan Museum of Art #1
Emanuel Leutze

Washington Crossing the Delaware

Dato1851SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat149 x 255 tommer (378,5 x 647,7 cm)

I "Washington Crossing the Delaware" fanger det første blikket motivet; det andre begynner å forstå hvordan Emanuel Leutze organiserer møtet Leutze forvandler amerikansk historie til et monumentalt teater, med nok vind i flaggene til at vi glemmer at Delaware nok var mindre samarbeidsvillig I "Washington Crossing the Delaware" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. I "Washington Crossing the Delaware" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. Rangering 1 av "Washington Crossing the Delaware" kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museum-samlingen.

Se museumsmeldingen →
The Death of Socrates, maleri av Jacques Louis David ved Metropolitan Museum of Art #2
Jacques Louis David

Sokrates død

Dato1787SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat51 x 77 1/4 tommer. (129,5 x 196,2 cm)

David bestiller gester, profiler og arkitektur med en nyklassisk klarhet som gir hver moralsk avgjørelse klarheten i en dom. I "The Death of Socrates" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. Rangering 2 av "The Death of Socrates" kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museum-samlingen.

Se museumsmeldingen →
Madame X (Virginie Amélie Avegno Gautreau), maleri av John Singer Sargent ved Metropolitan Museum of Art #3
John Singer Sargent

Madame X (Virginie Amélie Avegno Gautreau)

Dato1883 -84SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat82 1/8 × 43 1/4 tommer (208,6 × 109,9 cm) Innrammet: 95 3/4 × 56 5/8 × 5 tommer (243,2 × 143,8 × 12,7 cm)

Med "Madame X (Virginie Amélie Avegno Gautreau)" forvandler John Singer Sargent et identifiserbart motiv til en konstruksjon av lys, rytme og tilstedeværelse. Sargent balanserer portrettet mellom virtuositet, sosial tilstedeværelse og detaljer som er i stand til diskret å stjele scenen fra modellen. I "Madame X (Virginie Amélie Avegno Gautreau)", utgjør, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt. Rang 3 av "Madame X (Virginie Amélie Avegno Gautreau)" kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og emblematisk rolle i samlingen til Metropolitan Museum.

Se museumsmeldingen →
Wheat Field with Cypresses, maleri av Vincent van Gogh ved Metropolitan Museum of Art #4
Vincent van Gogh

Hveteåker med sypresser

Dato1889SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat28 13/16 × 36 3/4 tommer (73,2 × 93,4 cm)

Den visuelle suksessen til "Hvetefelt med sypresser" skyldes en umiddelbart lesbar komposisjon som likevel fortsetter å gi detaljer etter reguleringsstoppet foran kartellet Van Gogh konstruerer rommet etter nøkkelretningen og etter en farge som beskriver både følelsen og motivet som observeres Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på enkel dekor Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på enkel dekor Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på enkel dekor Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på enkel dekor Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på enkel dekor. Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på enkel dekor. Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på enkel dekor. Rad 4 av "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på enkel dekor. Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på enkel dekor. Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på enkel dekor. Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på enkel dekor. Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på enkel dekor. Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på enkel dekor. Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på enkel dekor. Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på enkel dekor. Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på enkel dekor. Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på enkel dekor. Landskapet til "Hvetefelt med sypresser" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på enkel dekor. Landskapet til "H

Se museumsmeldingen →
Iries, maleri av Vincent van Gogh ved Metropolitan Museum of Art #5
Vincent van Gogh

Irises

Dato1890SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat29 x 36 1/4 tommer (73,7 x 92,1 cm)

"Irises" viser hvorfor Vincent van Gogh forblir essensiell for Mets reise: verket forteller, beskriver og organiserer rommet uten å forvirre overflod og uorden Van Gogh konstruerer rommet etter nøkkelens retning og etter en farge som beskriver både følelsene og det observerte motivet I "Irises" lar gjenstander, blomster eller frukter farge, tekstur og varighet måles med en presisjon som gjør bordet overraskende ambisiøst. Rangering 5 av "Irises" kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museum-samlingen.

Se museumsmeldingen →
Selvportrett med stråhatt (forside: Potetskrelleren), maleri av Vincent van Gogh ved Metropolitan Museum of Art #6
Vincent van Gogh

Selvportrett med stråhatt (forside: Potetskrelleren)

Dato1887SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat16 x 12 1/2 tommer. (40,6 x 31,8 cm)

Foran "Selvportrett med stråhatt (forside: Potetskrelleren)" beveger blikket seg fra emne til materiale og går deretter tilbake til emnet med litt tilleggsinformasjon og ideelt sett litt mer trommer Van Gogh konstruerer rommet gjennom retning av nøkkelen og gjennom en farge som beskriver både følelsen og det observerte motivet I "Selvportrett med stråhatt (forside: Potetskrelleren)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt I "Selvportrett med stråhatt (forside: Potetskrelleren)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt. Rang 6 av "Selvportrett med stråhatt (forside: Potetskrelleren)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt. Rang 6 av "Selvportrett med stråhatt (forside: Potetskrelleren)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt. Rang 6 av "Selvportrett med stråhatt (forside: Potetskrelleren)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt. Rang 6 av "Selvportrett med stråhatt (forside: Potetskrelleren)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt. Rang 6 av "Selvportrett med stråhatt (forside: Potetskrelleren)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt. Rang 6 av "Selvportrett med stråhatt (forside: Potetskrelleren)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt. Rang 6 av "Selvportrett med stråhatt (forside: Potetskrelleren)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt. Rang 6 av "Selvportrett med stråhatt (forside: Potetskrelleren)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt. Rang 6 av "Selvportrett med stråhatt (forside: Potetskrelleren)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt. Rang 6 av "Selvportrett med stråhatt

Se museumsmeldingen →
Aristoteles med en byste av Homer, maleri av Rembrandt (Rembrandt van Rijn) ved Metropolitan Museum of Art #7
Rembrandt (Rembrandt van Rijn)

Aristoteles med en byste av Homer

Dato1653SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat56 1/2 x 53 3/4 tommer. (143,5 x 136,5 cm)

Plassen til "Aristoteles med en byste av Homer" i samlingen avhenger ikke bare av forfatteren: Rembrandt (Rembrandt van Rijn) kondenserer en epoke, en teknikk og en enestående måte å henvende seg til betrakteren på. Rembrandt (Rembrandt van Rijn) gir "Aristoteles med en byste av Homer" en presis identitet gjennom tegning, farger og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. I "Aristoteles med en byste av Homer" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. I "Aristoteles med en byste av Homer" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. I "Aristoteles med en byste av Homer" kombinerer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. Rangering 7 av "Aristoteles med en byste av Homer" internasjonal beryktethet, historisk betydning og en emblematisk rolle i samlingen til Metropolitan Museum.

Se museumsmeldingen →
Juan de Pareja (ca. 1608 -1670), maleri av Velázquez (Diego Rodriguez de Silva y Velázquez) ved Metropolitan Museum of Art #8
Velazquez (Diego Rodriguez de Silva y Velazquez)

Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)

Dato1650SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat32 x 27 1/2 tommer. (81,3 x 69,9 cm)

"Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)" har denne sjeldne kvaliteten på museumsmalerier: å være gjenkjennelig i reproduksjon og mye mer kompleks så snart man ser på kantene, gestene og stillhetene Velazquez (Diego Rodriguez de Silva y Velazquez) gir "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på i rammen. I "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. I "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)", forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. I "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)", forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. I "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)", forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. I "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)", forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. Rang 8 av "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)", forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. Rang 8 av "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)", forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. Rang 8 av "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)", forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. Rang 8 av "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)", forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. Rang 8 av "Juan de Pareja (ca. 1608 -1670)", forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. Rang 8 av "Juan de Pareja

Se museumsmeldingen →
Young Woman with a Water Pitcher, maleri av Johannes Vermeer ved Metropolitan Museum of Art #9
Johannes Vermeer

Ung kvinne med en vannkrukke

Datoca. 1662SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat18 x 16 tommer (45,7 x 40,6 cm)

I "Ung kvinne med vannkrukke" justerer Johannes Vermeer avstanden nøyaktig; verket tiltrekker seg først, for så å tvinge deg til å bremse Vermeer forvandler et rolig rom til en opplevelse av lys, geometri og venting, uten å flytte på flere møbler enn nødvendig I "Ung kvinne med vannkrukke" konstruerer positur, klær, hender og blikk en sosial identitet like mye som et ansikt. Rangering 9 av "Ung kvinne med vannkrukke" kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museum-samlingen.

Se museumsmeldingen →
The Harvesters, maleri av Pieter Bruegel den eldste ved Metropolitan Museum of Art #10
Pieter Bruegel den eldre

Høstmaskinene

Dato1565SamlingMetropolitan Museum of ArtFormatTotalt sett, inkludert tilsatte strimler øverst, nederst og til høyre, 46 7/8 x 63 3/4 tommer. (119 x 162 cm); original malt overflate 45 7/8 x 62 7/8 tommer. (119 x 162 cm); original malt overflate 45 7/8 x 62 7/8 tommer (116,5 x 159,5 cm)

Tittelen "The Harvesters" kunngjør motivet, men Pieter Bruegel den eldre legger til en visuell struktur som forklarer dens varige tilstedeværelse i galleriene til Met. Bruegel deler handlingen gjennom landskapet og belønner det oppmerksomme øyet med episoder som det første blikket hadde sluppet. I "The Harvesters" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. Rangering 10 av "The Harvesters" kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og en emblematisk rolle i Metropolitan Museum-samlingen.

Se museumsmeldingen →
Utsikt over Toledo, maleri av El Greco (Domenikos Theotokopoulos) ved Metropolitan Museum of Art #11
El Greco (Domenikos Theotokopoulos)

Utsikt over Toledo

Datoca. 1599 -1600SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat47 3/4 x 42 3/4 tommer (121,3 x 108,6 cm)

I "View of Toledo" fanger det første blikket motivet; det andre begynner å forstå hvordan El Greco (Domenikos Theotokopoulos) arrangerer møtet El Greco (Domenikos Theotokopoulos) gir "View of Toledo" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys fremfor enkel dekor Landskapet til "View of Toledo" er basert på dybde

Se museumsmeldingen →
Musikerne, maleri av Caravaggio (Michelangelo Merisi) ved Metropolitan Museum of Art #12
Caravaggio (Michelangelo Merisi)

Musikerne

Dato1597SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat36 1/4 x 46 5/8 tommer (92,1 x 118,4 cm)

Caravaggio (Michelangelo Merisi) gir "The Musicians" en presis identitet gjennom tegning, farger og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen. Innrammingen av "The Musicians" distribuerer bevegelser, pauser og sideblikk som en scene der ingen karakter har hele historien. Rangering 12 av "The Musicians" kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museum-samlingen.

Se museumsmeldingen →
The Dance Class, maleri av Edgar Degas ved Metropolitan Museum of Art #13
Edgar Degas

Danseklassen

Dato1874SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat32 7/8 x 30 3/8 tommer (83,5 x 77,2 cm)

Med "The Dance Class" forvandler Edgar Degas et identifiserbart motiv til en konstruksjon av lys, rytme og tilstedeværelse.Degas konstruerer scenene sine som overraskede innramminger, der arbeid, venting og vanlige gester teller mer enn offisiell positur. Innrammingen av "The Dance Class" distribuerer bevegelser, pauser og sideblikk som en scene der ingen karakter har hele historien. Rang 13 av "The Dance Class" distribuerer sekundære bevegelser, pauser og blikk som en scene der ingen karakter har hele historien. Rang 13 av "The Dance Class" kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museum-samlingen.

Se museumsmeldingen →
Golfstrømmen, maleri av Winslow Homer ved Metropolitan Museum of Art #14
Winslow Homer

Golfstrømmen

Dato1899; omarbeidet innen 1906SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat28 1/8 x 49 1/8 tommer (71,4 x 124,8 cm) Innrammet: 42 5/16 x 62 11/16 x 5 7/8 tommer (107,5 x 159,3 x 15 cm)

Den visuelle suksessen til "Golfstrømmen" skyldes en umiddelbart lesbar komposisjon som likevel fortsetter å gi detaljer etter reguleringsstoppet før kartellet Homer reduserer historien til noen få essensielle krefter - hav, himmel, kropp, venting - lar så naturen gjenvinne fordelen Landskapet til "Golfstrømmen" er avhengig av dybde, vær og lysstrøm fremfor enkel dekor Landskapet til "Golfstrømmen" er avhengig av dybde, vær og lysstrøm fremfor enkel dekor Landskapet til "Golfstrømmen" er avhengig av dybde, vær og lysstrøm fremfor enkel dekor Landskapet til "Golfstrømmen" er avhengig av dybde, vær og lysstrøm fremfor enkel dekor Landskapet til "Golfstrømmen" er avhengig av dybde, vær og lysstrøm fremfor enkel dekor Landskapet til "Golfstrømmen" er avhengig av dybde, vær og lysstrøm fremfor enkel dekor Landskapet til "Golfstrømmen" er avhengig av dybde, vær og lysstrøm fremfor enkel dekor Landskapet til "Golfstrømmen" er avhengig av dybde, vær og lysstrøm fremfor enkel dekor Landskapet til "Golfstrømmen" er avhengig av dybde, vær og lysstrøm fremfor enkel dekor Landskapet til "Golfstrømmen" er avhengig av dybde, vær og lysstrøm fremfor enkel dekor Landskapet til "Golfstrømmen" er avhengig av dybde, vær og lysstrøm fremfor enkel dekor Landskapet til "Golfstrømmen" er avhengig av dybde, vær og lysstrøm fremfor enkel dekor Landskapet til "Golfstrømmen" er avhengig av dybde, vær og lysstrøm fremfor enkel dekor. Rangering 14 av "Golfstrømmen" kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museum-samlingen.

Se museumsmeldingen →
Jeanne d'Arc, maleri av Jules Bastien-Lepage ved Metropolitan Museum of Art #15
Jules Bastien-Lepage

Jeanne d'Arc

Dato1879SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat100 x 110 tommer. (254 x 279,4 cm)

"Joan of Arc" viser hvorfor Jules Bastien-Lepage forblir essensiell for Mets reise: verket forteller, beskriver og organiserer rommet uten å forvirre overflod og uorden Jules Bastien-Lepage gir "Joan of Arc" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Joan of Arc" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne I "Joan of Arc" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. Rangering 15 av "Joan of Arc" kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og en emblematisk rolle i Metropolitan Museum-samlingen.

Se museumsmeldingen →
Hestemessen, maleri av Rosa Bonheur ved Metropolitan Museum of Art #16
Rosa Lykke

Hestemessen

Dato1852 -55SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat96 1/4 x 199 1/2 tommer. (244,5 x 506,7 cm)

Foran "Hestemessen" beveger blikket seg fra emne til materiale og går så tilbake til emne med litt tilleggsinformasjon og ideelt sett litt mer trommer Rosa Bonheur gir "Hestemessen" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på i rammen I "Hestemessen" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken i bildet bedre enn dets eneste emne. Rangering 16 av "Hestemessen" kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museum-samlingen.

Se museumsmeldingen →
Utsikt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, etter et tordenvær - The Oxbow, maleri av Thomas Cole på Metropolitan Museum of Art #17
Thomas Cole

Utsikt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, etter et tordenvær - The Oxbow

Dato1836SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat51 1/2 x 76 tommer (130,8 x 193 cm)

Stedet for "Utsikt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, etter et tordenvær - Oxbow" i samlingen avhenger ikke bare av forfatteren: Thomas Cole kondenserer en epoke, en teknikk og en enestående måte å henvende seg til betrakteren på Cole forvandler det amerikanske landskapet til en moralsk, historisk og klimatisk fortelling, med skyer sjelden engasjert som bare statister Landskapet til "Utsikt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, etter et tordenvær - Oxbow" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på en enkel setting Landskapet til "Utsikt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, etter et tordenvær - Oxbow" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på en enkel setting Landskapet til "Utsikt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, etter et tordenvær - Oxbow" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på en enkel setting Landskapet til "Utsikt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, etter et tordenvær - Oxbow" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på en enkel setting Landskapet til "Utsikt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, etter et tordenvær - Oxbow" er basert på dybde, historisk og klimatisk, med skyer sjelden engasjert som bare statister Landskapet til "Utsikt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, etter et tordenvær - Oxbow" er basert på dybde, historisk og klimatisk, med skyer sjelden engasjert som bare statister Landskapet til "Utsikt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, etter et tordenvær - Oxbow" er basert på dybde, historisk og klimatisk, med skyer sjelden engasjert som bare statister Landskapet til "Utsikt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, etter et tordenvær - Oxbow" er basert på dybde, historisk og klimatisk, med skyer sjelden engasjert som bare statister Landskapet til "Utsikt fra Mount Holyoke, Northampton, Massachusetts, etter et tordenvær - Oxbow" er basert på dybde, historisk og klimatisk, med skyer kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museum-samlingen.

Se museumsmeldingen →
Heart of the Andes, maleri av Frederic Edwin Church ved Metropolitan Museum of Art #18
Frederic Edwin kirke

Hjertet av Andesfjellene

Dato1859SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat66 1/8 x 120 3/16 tommer. (168 x 302,9 cm)

"Heart of the Andes" har denne sjeldne kvaliteten på museumsmalerier: å være gjenkjennelig i reproduksjon og mye mer kompleks så snart du ser på kantene, gestene og stillhetene. Kirken kombinerer presis observasjon og panoramaopptog for å gi landskapet omfanget av en offentlig begivenhet. I "Heart of the Andes" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. Rangering 18 av "Heart of the Andes" kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museum-samlingen.

Se museumsmeldingen →
The Card Players, maleri av Paul Cézanne ved Metropolitan Museum of Art #19
Paul Cezanne

Kortspillerne

Dato1890 -92SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat25 3/4 x 32 1/4 tommer. (65,4 x 81,9 cm)

I "Kortspillerne" justerer Paul Cézanne avstanden nøyaktig; verket tiltrekker seg først, for så å tvinge deg til å bremse ned Cézanne bremser motivet for å undersøke volumer, fargerike forhold og stabilitet; selv et eple ser ut til å ha tenkt lenge og hardt på sin plass. I "Kortspillerne" ser det ut til at forholdet mellom figurer, rom og lys har forklart styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. I "Kortspillerne" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. Rangering 19 av "Kortspillerne" kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og en emblematisk rolle i samlingen til Metropolitan Museum.

Se museumsmeldingen →
Two Men Contemplating the Moon, maleri av Caspar David Friedrich ved Metropolitan Museum of Art #20
Caspar david friedrich

To menn vurderer månen

Datoca. 1825 -30SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat13 3/4 x 17 1/4 tommer. (34,9 x 43,8 cm)

Tittelen "Two Men Contemplating the Moon" kunngjør motivet, men Caspar David Friedrich legger til en visuell struktur som forklarer dens varige tilstedeværelse i galleriene til Met. Caspar David Friedrich gir "Two Men Contemplating the Moon" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. I "Two Men Contemplating the Moon" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. I "Two Men Contemplating the Moon" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. Rangering 20 av "Two Men Contemplating the Moon" kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og en ikonisk rolle i Metropolitan Museum-samlingen.

Se museumsmeldingen →
II
Franske og amerikanske moderniteter

Fra Rembrandt og Vermeer til amerikanske landskap, deretter fra Manet til Klimt, denne delen samler portretter, utendørs og moderne brudd.

Selvportrett, maleri av Rembrandt (Rembrandt van Rijn) ved Metropolitan Museum of Art #21
Rembrandt (Rembrandt van Rijn)

Selvportrett

Dato1660SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat31 5/8 x 26 1/2 tommer. (80,3 x 67,3 cm)

I "Selvportrett" fanger det første blikket motivet; det andre begynner å forstå hvordan Rembrandt (Rembrandt van Rijn) arrangerer møtet Rembrandt (Rembrandt van Rijn) gir "Selvportrett" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Selvportrett" konstruerer positur, klær, hender og blikk en sosial identitet like mye som et ansikt. De offisielle landemerkene til "Selvportrett" - 1660; Olje på lerret; 31 5/8 x 26 1/2 tommer (80,3 x 67,3 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Studie av en ung kvinne, maleri av Johannes Vermeer ved Metropolitan Museum of Art #22
Johannes Vermeer

Studie av en ung kvinne

Datoca. 1665-67SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat17 1/2 x 15 3/4 tommer. (44,5 x 40 cm)

Vermeer forvandler et stille rom til en opplevelse av lys, geometri og venting, uten å flytte flere møbler enn nødvendig I "Study of a Young Woman" konstruerer positur, klær, hender og blikk en sosial identitet like mye som et ansikt. De offisielle referansene til "Study of a Young Woman" - ca. 1665-67; Olje på lerret; 17 1/2 x 15 3/4 tommer (44,5 x 40 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
The Champion Single Sculls (Max Schmitt in a Single Scull), maleri av Thomas Eakins ved Metropolitan Museum of Art #23
Thomas Eakins

Champion Single Sculls (Max Schmitt i en Single Scull)

Dato1871SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat32 1/4 x 46 1/4 tommer (81,9 x 117,5 cm)

Med "The Champion Single Sculls (Max Schmitt in a Single Scull)" forvandler Thomas Eakins et identifiserbart motiv til en konstruksjon av lys, rytme og tilstedeværelse Eakins ser på kroppen, håndverket og rommet med en åpenhet som gir den moderne scenen en nesten dokumentarisk tetthet I "The Champion Single Sculls (Max Schmitt in a Single Scull)" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. De offisielle referansene til "The Champion Single Sculls (Max Schmitt in a Single Scull)", forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. De offisielle referansene til "The Champion Single Sculls (Max Schmitt in a Single Scull)" - 1871; Olje på lerret; 32 1/4 x 46 1/4 tommer (81,9 x 117,5 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Veteranen i et nytt felt, maleri av Winslow Homer ved Metropolitan Museum of Art #24
Winslow Homer

Veteranen i et nytt felt

Dato1865SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat24 1/8 x 38 1/8in. (61,3 x 96,8 cm) Innrammet: 37 3/8 × 51 1/4 × 5 1/4 tommer (94,9 × 130,2 × 13,3 cm)

Den visuelle suksessen til "Veteranen i et nytt felt" skyldes en umiddelbart lesbar komposisjon som likevel fortsetter å gi detaljer etter reguleringsavgjørelsen før kartellet.Homer reduserer historien til noen få essensielle krefter - hav, himmel, kropp, venting - lar så naturen gjenvinne fordelen. Landskapet til "Veteranen i et nytt felt" er basert på dybde, vær og sirkulasjonen av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "Veteranen i et nytt felt" - 1865; Olje på lerret; 24 1/8 x 38 1/8in. (61,3 x 96,8 cm) Innrammet: 37 3/8 × 51 1/4 × 5 1/4 tommer (94,9 × 130,2 × 13,3 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Fur Traders Descending the Missouri, maleri av George Caleb Bingham ved Metropolitan Museum of Art #25
George Caleb Bingham

Pelshandlere som går ned i Missouri

Dato1845SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat29 x 36 1/2 tommer. (73,7 x 92,7 cm)

"Fur Traders Descending the Missouri" viser hvorfor George Caleb Bingham fortsatt er essensiell for Mets reise: verket forteller, beskriver og organiserer rommet uten forvirrende overflod og uorden. George Caleb Bingham gir "Fur Traders Descending the Missouri" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. I "Fur Traders Descending the Missouri" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. I "Fur Traders Descending the Missouri" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Fur Traders Descending the Missouri" - 1845; Olje på lerret; 29 x 36 1/2 tommer (73,7 x 92,7 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Rocky Mountains, Lander's Peak, maleri av Albert Bierstadt ved Metropolitan Museum of Art #26
Albert bierstadt

Rocky Mountains, Lander's Peak

Dato1863SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat73 1/2 x 120 3/4 tommer. (186,7 x 306,7 cm)

Foran "The Rocky Mountains, Lander's Peak" beveger blikket seg fra emne til materiale og går deretter tilbake til emnet med litt tilleggsinformasjon og ideelt sett litt mer trommer Albert Bierstadt gir "The Rocky Mountains, Lander's Peak" en presis identitet gjennom design, farge og måten å fordele oppmerksomheten på i rammen Landskapet til "The Rocky Mountains, Lander's Peak" er basert på dybde, vær og sirkulasjonen av lys i stedet for på en enkel setting Landskapet til "The Rocky Mountains, Lander's Peak" er basert på dybde, vær og sirkulasjonen av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "The Rocky Mountains, Lander's Peak" er basert på dybde, vær og sirkulasjonen av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "The Rocky Mountains, Lander's Peak" er basert på dybde, vær og sirkulasjonen av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "The Rocky Mountains, Lander's Peak" er basert på dybde, vær og sirkulasjonen av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "The Rocky Mountains, Lander's Peak" er basert på dybde, vær og sirkulasjonen av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "The Rocky Mountains, Lander's Peak" er basert på dybde, vær og sirkulasjonen av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "The Rocky Mountains, Lander's Peak" er basert på dybde, vær og sirkulasjonen av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "The Rocky Mountains, Lander's Peak" er basert på dybde, vær og sirkulasjonen av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "The Rocky Mountains, Lander's Peak" er basert på dybde, vær og sirkulasjonen av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "The Rocky Mountains, Lander's Peak" - 1863; Olje på lerret; 73 1/2 x 120 3/4 tommer (186,7 x 306,7 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Nærmer seg Thunder Storm, maleri av Martin Johnson Heade ved Metropolitan Museum of Art #27
Martin Johnson Heade

Thunder Storm nærmer seg

Dato1859SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat28 x 44 tommer. (71,1 x 111,8 cm) Innrammet: 42 1/2 × 58 3/8 × 5 tommer (108 × 148,3 × 5 tommer (108 × 148,3 × 12,7 cm)

Plassen til "Approaching Thunder Storm" i samlingen avhenger ikke bare av forfatteren: Martin Johnson Heade kondenserer en epoke, en teknikk og en unik måte å henvende seg til betrakteren på Martin Johnson Heade gir "Approaching Thunder Storm" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen. I "Approaching Thunder Storm" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Approaching Thunder Storm" - 1859; Olje på lerret; 28 x 44in. (71,1 x 111,8 cm) Innrammet: 42 1/2 × 58 3/8 × 5 tommer (108 × 148,3 × 12,7 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Stilleben - Fiolin og musikk, maleri av William Michael Harnett ved Metropolitan Museum of Art #28
William michael harnett

Stilleben - fiolin og musikk

Dato1888SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat40 x 30 tommer (101,6 x 76,2 cm)

"Still Life -Violin and Music" har denne sjeldne kvaliteten på museumsmalerier: å være gjenkjennelig i reproduksjon og mye mer kompleks så snart du ser på kantene, gestene og stillhetene. William Michael Harnett gir "Still Life -Violin and Music" en presis identitet gjennom tegning, farger og måten å fordele oppmerksomheten på innenfor rammen. Innrammingen av "Still Life -Violin and Music" distribuerer bevegelser, pauser og sekundære blikk som en scene der ingen karakter har hele scenariet. Innrammingen av "Still Life -Violin and Music" distribuerer bevegelser, pauser og sekundære blikk som en scene der ingen karakter har hele scenariet. Innrammingen av "Still Life -Violin and Music" distribuerer bevegelser, pauser og sekundære blikk som en scene der ingen karakter har hele scenariet. De offisielle landemerkene til "Still Life -Violin and Music" - 1888; Olje på lerret; 40 x 30 tommer (101,6 x 76,2 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
George Washington, maleri av Gilbert Stuart ved Metropolitan Museum of Art #29
Gilbert Stuart

George Washington

Datopåbegynt 1795SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat30 1/4 x 25 1/4 tommer (76,8 x 64,1 cm)

I "George Washington" justerer Gilbert Stuart avstanden nøyaktig; verket tiltrekker seg først, for så å tvinge deg til å bremse Gilbert Stuart gir "George Washington" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "George Washington" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle landemerkene til "George Washington" - startet 1795; Olje på lerret; 30 1/4 x 25 1/4 tommer (76,8 x 64,1 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Stilleben med epler og en gryte med primula, maleri av Paul Cézanne ved Metropolitan Museum of Art #30
Paul Cezanne

Stilleben med epler og en gryte med primula

Datoca. 1890SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat28 3/4 x 36 3/8 tommer (73 x 92,4 cm)

Tittelen "Still Life with Apples and a Pot of Primroses" kunngjør motivet, men Paul Cézanne legger til en visuell struktur som forklarer dens varige tilstedeværelse i Met-galleriene. Cézanne bremser mønsteret for å undersøke volumer, fargede forhold og stabilitet; selv et eple ser ut til å ha tenkt lenge og hardt på sin plass. I "Still Life with Apples and a Pot of Primroses" lar gjenstander, blomster eller frukter farge, tekstur og varighet måles med en presisjon som gjør bordet overraskende ambisiøst. De offisielle målestokkene for "Still Life with Apples and a Pot of Primroses" - ca. 1890; Olje på lerret; 28 3/4 x 36 3/8 tommer (73 x 92,4 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Båtliv, maleri av Edouard Manet ved Metropolitan Museum of Art #31
Edouard Manet

Båtliv

Dato1874SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat38 1/4 x 51 1/4 tommer (97,2 x 130,2 cm)

I "Boating" fanger det første blikket motivet; den andre begynner å forstå hvordan Edouard Manet organiserer møtet Manet forenkler massene, herder visse kontraster og overlater til betrakteren å løse en scene som høflig nekter å forklare alt. I "Boating" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Boating" - 1874; Olje på lerret; 38 1/4 x 51 1/4 tommer (97,2 x 130,2 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Young Lady i 1866, maleri av Edouard Manet ved Metropolitan Museum of Art #32
Edouard Manet

Young Lady i 1866

Dato1866SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat72 7/8 x 50 5/8 tommer (185,1 x 128,6 cm)

Manet forenkler massene, herder visse kontraster og overlater til betrakteren å løse en scene som høflig nekter å forklare alt. I "Young Lady in 1866" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Young Lady in 1866" - 1866; Olje på lerret; 72 7/8 x 50 5/8 in. (185,1 x 128,6 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Den spanske sangeren, maleri av Edouard Manet ved Metropolitan Museum of Art #33
Edouard Manet

Den spanske sangeren

Dato1860SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat58 x 45 tommer (147,3 x 114,3 cm)

Med "Den spanske sanger" forvandler Edouard Manet et identifiserbart motiv til en konstruksjon av lys, rytme og nærvær Manet forenkler massene, herder visse kontraster og overlater til betrakteren å løse en scene som høflig nekter å forklare alt I "Den spanske sanger" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Den spanske sanger" - 1860; Olje på lerret; 58 x 45 tommer (147,3 x 114,3 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) og hennes barn, Georgette-Berthe (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895), maleri av Auguste Renoir ved Metropolitan Museum of Art #34
Auguste Renoir

Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) og hennes barn, Georgette-Berthe (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895)

Dato1878SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat60 1/2 x 74 7/8 tommer (153,7 x 190,2 cm)

Den visuelle suksessen til "Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) og Her Children, Georgette-Berthe (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895)" skyldes en umiddelbart lesbar komposisjon som likevel fortsetter å gi detaljer etter reguleringsavgjørelsen før kartellet. Auguste Renoir gir "Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) og Her Children, Georgette-Berthe (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomhet innenfor rammen. I "Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) og Her Children, Georgette-Berthe (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomhet innenfor rammen. I "Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) og Her Children, Georgette-Berthe (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomhet innenfor rammen. I "Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) og Her Children, Georgette-Berthe (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomhet innenfor rammen. I "Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) og Her Children, Georgette-Berthe (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomhet innenfor rammen. I "Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) og Her Children, Georgette-Berthe (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomhet innenfor rammen (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895)", positur, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt. De offisielle referansene til "Madame Georges Charpentier (Marguerite-Louise Lemonnier, 1848 -1904) og Her Children, Georgette-Berthe (1872 -1945) og Paul-Emile-Charles (1875 -1895)" - 1878; Olje på lerret; 60 1/2 x 74 7/8 tommer (153,7 x 190,2 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Ved kysten, maleri av Auguste Renoir ved Metropolitan Museum of Art #35
Auguste Renoir

Ved Seashore

Dato1883SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat36 1/4 x 28 1/2 tommer. (92,1 x 72,4 cm)

"By the Seashore" viser hvorfor Auguste Renoir forblir essensiell for Mets reise: verket forteller, beskriver og organiserer rommet uten forvirrende overflod og uorden Auguste Renoir gir "By the Seashore" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen Landskapet til "By the Seashore" er basert på dybde, vær og sirkulasjonen av lys snarere enn på en enkel setting Landskapet til "By the Seashore" er basert på dybde, vær og sirkulasjonen av lys snarere enn på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "By the Seashore" - 1883; Olje på lerret; 36 1/4 x 28 1/2 in. (92,1 x 72,4 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Two Young Girls at the Piano, maleri av Auguste Renoir ved Metropolitan Museum of Art #36
Auguste Renoir

To unge jenter på piano

Dato1892SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat44 × 34 tommer (111,8 × 86,4 cm) Innrammet: 57 3/8 × 47 tommer (145,7 × 119,4 cm)

Foran "Two Young Girls at the Piano" beveger blikket seg fra emne til materiale og går deretter tilbake til emnet med litt tilleggsinformasjon og ideelt sett litt flere trommer. Auguste Renoir gir "Two Young Girls at the Piano" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på innenfor rammen. I "Two Young Girls at the Piano" konstruerer positur, klær, hender og blikk en sosial identitet like mye som et ansikt. De offisielle landemerkene til "Two Young Girls at the Piano" - 1892; Olje på lerret; 44 × 34 tommer (111,8 × 86,4 cm) Innrammet: 57 3/8 × 47 tommer (145,7 × 119,4 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Circus Sideshow (Circus Parade), maleri av Georges Seurat ved Metropolitan Museum of Art #37
Georges Seurat

Circus Sideshow (Circus Parade)

Dato1887 -88SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat39 1/4 x 59 tommer. (99,7 x 149,9 cm)

Plassen til "Circus Sideshow (Circus Parade)" i samlingen avhenger ikke bare av forfatteren: Georges Seurat kondenserer en epoke, en teknikk og en enestående måte å henvende seg til tilskueren på. Georges Seurat gir "Circus Sideshow (Circus Parade)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på innenfor rammen. I "Circus Sideshow (Circus Parade)" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. I "Circus Sideshow (Circus Parade)" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Circus Sideshow (Circus Parade)" - 1887-88; Olje på lerret; 39 1/4 x 59 tommer (99,7 x 149,9 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Studie for "A Sunday on La Grande Jatte", maleri av Georges Seurat ved Metropolitan Museum of Art #38
Georges Seurat

Studie for "En søndag på La Grande Jatte"

Dato1884SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat27 3/4 x 41 tommer. (70,5 x 104,1 cm)

"Studie for "A Sunday on La Grande Jatte"" har denne sjeldne kvaliteten på museumsmalerier: å være gjenkjennelig i reproduksjon og mye mer kompleks så snart du ser på kantene, gestene og stillhetene. Georges Seurat gir "Studie for "A Sunday on La Grande Jatte" en presis identitet gjennom tegning, farger og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. I "Studie for "A Sunday on La Grande Jatte"", forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. I "Studie for "A Sunday on La Grande Jatte"", forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. I "Studie for "A Sunday on La Grande Jatte"", forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Studie for "A Sunday on La Grande Jatte"" - 1884; Olje på lerret; 27 3/4 x 41 tommer (70,5 x 104,1 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Ia Orana Maria (Hail Mary), maleri av Paul Gauguin ved Metropolitan Museum of Art #39
Paul Gauguin

Ia Orana Maria (Hil Mary)

Dato1891SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat44 3/4 x 34 1/2 tommer. (113,7 x 87,6 cm)

I "Ia Orana Maria (Hail Mary)" justerer Paul Gauguin avstanden nøyaktig; verket tiltrekker seg først, for så å tvinge deg til å bremse Paul Gauguin gir "Ia Orana Maria (Hail Mary)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Ia Orana Maria (Hail Mary)", forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Ia Orana Maria (Hail Mary)", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle landemerkene til "Ia Orana Maria (Hail Mary)" - 1891; Olje på lerret; 44 3/4 x 34 1/2 tommer (113,7 x 87,6 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Mæda Primavesi (1903 -2000), maleri av Gustav Klimt ved Metropolitan Museum of Art #40
Gustav Klimt

Mæda Primavesi (1903 -2000)

Dato1912 -13SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat59 x 43 1/2 tommer. (149,9 x 110,5 cm)

Tittelen "Mæda Primavesi (1903 -2000)" kunngjør motivet, men Gustav Klimt legger til en visuell struktur som forklarer dets varige tilstedeværelse i galleriene til Met. Gustav Klimt gir "Mæda Primavesi (1903 -2000)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. I "Mæda Primavesi (1903 -2000)", forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. De offisielle landemerkene til "Mæda Primavesi (1903 -2000)", forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. De offisielle landemerkene til "Mæda Primavesi (1903 -2000)", forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. De offisielle landemerkene til "Mæda Primavesi (1903 -2000)", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. De offisielle landemerkene til "Mæda Primavesi (1903 -2000)", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. De offisielle landemerkene til "Mæda Primavesi (1903 -2000)", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. De offisielle landemerkene til "Mæda Primavesi (1903 -2000)", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. De offisielle landemerkene til "Mæda Primavesi (1903 -2000)", de offisielle landemerkene til "Mæda Primavesi (1903 -2000)", de offisielle landemerkene til "Mæda Primavesi (1903 -2000)", de offisielle landemerkene til "Mæda Primavesi (1903 -2000)", de offisielle landemerkene til "Mæda Primavesi (1903 -2000)" - 1912 -13; Olje på lerret; 59 x 43 1/2 tommer (149,9 x 110,5 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
III
Teater, portrett og historie

Moreau, Delacroix, Turner, Ingres, Goya og Poussin gir de malte historiebevegelsene, kostymene og noen skyer som tar rollen deres veldig seriøst.

Ødipus og sfinksen, maleri av Gustave Moreau ved Metropolitan Museum of Art #41
Gustave Moreau

Ødipus og sfinksen

Dato1864SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat81 1/4 × 41 1/4 tommer (206,4 × 104,8 cm)

I "Ødipus og sfinksen" fanger det første blikket motivet; det andre begynner å forstå hvordan Gustave Moreau arrangerer møtet Gustave Moreau gir "Ødipus og sfinksen" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Ødipus og sfinksen" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne.De offisielle referansene til "Ødipus og sfinksen" - 1864; Olje på lerret; 81 1/4 × 41 1/4 in. (206,4 × 104,8 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
The Repast of the Lion, maleri av Henri Rousseau (tollbetjenten) ved Metropolitan Museum of Art #42
Henri Rousseau (tollbetjenten)

The Repast of the Lion

Datoca. 1907SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat44 3/4 tommer. × 63 tommer. (113,7 × 160 cm)

Henri Rousseau (Tollbetjenten) gir "Løvens repast" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Løvens repast" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv De offisielle landemerkene til "Løvens repast" - ca. 1907; Olje på lerret; 44 3/4 tommer. × 63 tommer. (113,7 × 160 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Engelskmannen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge, maleri av Henri de Toulouse-Lautrec ved Metropolitan Museum of Art #43
Henri de Toulouse-Lautrec

Engelskmannen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge

Dato1892SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat33 3/4 x 26 tommer (85,7 x 66 cm)

Med "Engelskmannen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge" forvandler Henri de Toulouse-Lautrec et identifiserbart motiv til en konstruksjon av lys, rytme og tilstedeværelse Henri de Toulouse-Lautrec gir "Engelskmannen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på i rammen I "Engelskmannen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge", posere, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Engelskmannen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge", posere, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Engelskmannen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge", posere, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Engelskmannen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge", posere, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Engelskmannen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge", posere, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Engelskmannen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge", posere, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Engelskmannen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge", posere, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Engelskmannen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge", posere, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Engelskmannen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge", posere, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Engelskmannen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge", posere, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Engelskmannen (William Tom Warrener, 1861 -1934) ved Moulin Rouge", posere, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Engelskmannen (William Tom Warrener, 18

Se museumsmeldingen →
Bortføringen av Rebecca, maleri av Eugène Delacroix ved Metropolitan Museum of Art #44
Eugene Delacroix

Bortføringen av Rebecca

Dato1846SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat39 1/2 x 32 1/4 tommer. (100,3 x 81,9 cm)

Den visuelle suksessen til "The Abduction of Rebecca" skyldes en umiddelbart lesbar komposisjon som likevel fortsetter å gi detaljer etter reguleringsavgjørelsen før kartellet. Delacroix fremmer historien gjennom farger, diagonaler og lysstøt i stedet for gjennom en klokt justert fortelling. I "The Abduction of Rebecca" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle landemerkene til "The Abduction of Rebecca" - 1846; Olje på lerret; 39 1/2 x 32 1/4 tommer (100,3 x 81,9 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Hvalfangere, maleri av Joseph Mallord William Turner ved Metropolitan Museum of Art #45
Joseph Mallord William Turner

Hvalfangere

Datoca. 1845SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat36 1/8 x 48 1/4 tommer (91,8 x 122,6 cm)

"Whalers" viser hvorfor Joseph Mallord William Turner forblir essensiell for Mets reise: verket forteller, beskriver og organiserer rommet uten forvirrende overflod og uorden Joseph Mallord William Turner gir "Whalers" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Whalers" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle landemerkene til "Whalers" - ca. 1845; Olje på lerret; 36 1/8 x 48 1/4 tommer (91,8 x 122,6 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
The Toilet of Venus, maleri av François Boucher ved Metropolitan Museum of Art #46
François Boucher

Venus toalett

Dato1751SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat42 5/8 x 33 1/2 tommer. (108,3 x 85,1 cm)

Foran "Venustoaletten" beveger blikket seg fra emne til materiale og går deretter tilbake til motivet med litt tilleggsinformasjon og ideelt sett litt flere trommer. François Boucher gir "Venustoaletten" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. I "Venustoaletten" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. De offisielle landemerkene til "Venustoaletten" - 1751; Olje på lerret; 42 5/8 x 33 1/2 tommer (108,3 x 85,1 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Soap Bubbles, maleri av Jean Siméon Chardin ved Metropolitan Museum of Art #47
Jean Siméon Chardin

Såpe Bobler

Datoca. 1733 -34SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat24 x 24 7/8 tommer. (61 x 63,2 cm)

Plassen til "Soap Bubbles" i samlingen avhenger ikke bare av forfatteren: Jean Siméon Chardin kondenserer en epoke, en teknikk og en unik måte å henvende seg til betrakteren på. Jean Siméon Chardin gir "Soap Bubbles" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på innenfor rammen. I "Soap Bubbles" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Soap Bubbles" - ca. 1733-34; Olje på lerret; 24 x 24 7/8 tommer (61 x 63,2 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Mezzetin, maleri av Antoine Watteau ved Metropolitan Museum of Art #48
Antoine Watteau

Mezzetin

Datoca. 1718-20SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat21 3/4 x 17 tommer (55,2 x 43,2 cm)

"Mezzetin" har denne sjeldne kvaliteten på museumsmalerier: å være gjenkjennelig i reproduksjon og mye mer kompleks så snart du ser på kantene, gestene og stillhetene. Antoine Watteau gir "Mezzetin" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på innenfor rammen. I "Mezzetin" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Mezzetin" - ca. 1718-20; Olje på lerret; 21 3/4 x 17 tommer (55,2 x 43,2 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Bashi-Bazouk, maleri av Jean-Léon Gérôme ved Metropolitan Museum of Art #49
Jean-Leon Gerome

Bashi-Bazouk

Dato1868 -69SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat31 3/4 x 26 tommer (80,6 x 66 cm)

I "Bashi-Bazouk" justerer Jean-Léon Gérôme avstanden nøyaktig; verket tiltrekker seg først, og tvinger deg deretter til å bremse. Jean-Léon Gérôme gir "Bashi-Bazouk" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på innenfor rammen. I "Bashi-Bazouk" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Bashi-Bazouk" - 1868-69; Olje på lerret; 31 3/4 x 26 tommer (80,6 x 66 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825 -1860), prinsesse de Broglie, maleri av Jean Auguste Dominique Ingres ved Metropolitan Museum of Art #50
Jean Auguste Dominique Ingres

Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825 -1860), prinsesse de Broglie

Dato1851 -53SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat47 3/4 × 35 3/4 tommer (121,3 × 90,8 cm) Innrammet: 61 1/4 × 49 1/2 tommer (155,6 × 125,7 cm)

Tittelen "Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825 -1860), Princesse de Broglie" kunngjør motivet, men Jean Auguste Dominique Ingres legger til en visuell struktur som forklarer dens varige tilstedeværelse i galleriene til Met. Ingres skyver linjen, stoffet og posituren mot en eleganse så presis at anatomi noen ganger går med på å forhandle. I "Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825 -1860), Princesse de Broglie", forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Joséphine-Éléonore-Marie-Pauline de Galard de Brassac de Béarn (1825 -1860), Princesse de Broglie", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. Broglie" - 1851 -53; Olje på lerret; 47 3/4 × 35 3/4 tommer (121,3 × 90,8 cm) Innrammet: 61 1/4 × 49 1/2 tommer (155,6 × 125,7 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Joseph-Antoine Moltedo (født 1775), maleri av Jean Auguste Dominique Ingres ved Metropolitan Museum of Art #51
Jean Auguste Dominique Ingres

Joseph-Antoine Moltedo (født 1775)

Datoca. 1810SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat29 5/8 x 22 7/8 tommer (75,2 x 58,1 cm)

I "Joseph-Antoine Moltedo (født 1775)" griper det første blikket motivet; det andre begynner å forstå hvordan Jean Auguste Dominique Ingres organiserer møtet Ingres skyver linjen, stoffet og posituren mot en eleganse så presis at anatomien noen ganger går med på å forhandle. I "Joseph-Antoine Moltedo (født 1775)" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Joseph-Antoine Moltedo (født 1775)", forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Joseph-Antoine Moltedo (født 1775)" - ca. 1810; Olje på lerret; 29 5/8 x 22 7/8 tommer (75,2 x 58,1 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Antoine Laurent Lavoisier (1743 -1794) og Marie Anne Lavoisier (Marie Anne Pierrette Paulze, 1758 -1836), maleri av Jacques Louis David ved Metropolitan Museum of Art #52
Jacques Louis David

Antoine Laurent Lavoisier (1743 -1794) og Marie Anne Lavoisier (Marie Anne Pierrette Paulze, 1758 -1836)

Dato1788SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat102 1/4 x 76 5/8 tommer (259,7 x 194,6 cm)

David bestiller gester, profiler og arkitektur med en nyklassisk klarhet som gir hver moralsk avgjørelse klarheten i en dom.I "Antoine Laurent Lavoisier (1743 -1794) og Marie Anne Lavoisier (Marie Anne Pierrette Paulze, 1758 -1836)" forklarer forholdene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Antoine Laurent Lavoisier (1743 -1794) og Marie Anne Lavoisier (Marie Anne Pierrette Paulze, 1758 -1836)", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Antoine Laurent Lavoisier (1743 -1794) og Marie Anne Lavoisier (Marie Anne Pierrette Paulze, 1758 -1836)" - 1788; Olje på lerret; 102 1/4 x 76 5/8 in. (259,7 x 194,6 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792), maleri av Goya (Francisco de Goya y Lucientes) ved Metropolitan Museum of Art #53
Goya (Francisco de Goya y Lucientes)

Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)

Dato1787 -88SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat50 x 40 tommer (127 x 101,6 cm)

Med "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)" forvandler Goya (Francisco de Goya y Lucientes) et identifiserbart motiv til en konstruksjon av lys, rytme og tilstedeværelse Goya (Francisco de Goya y Lucientes) gir "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Manuel Osorio Manrique de Zuniga (1784 -1792

Se museumsmeldingen →
Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina, maleri av Goya (Francisco de Goya y Lucientes) ved Metropolitan Museum of Art #54
Goya (Francisco de Goya y Lucientes)

Condesa de Altamira og datteren hennes, Maria Agustina

Dato1787 -88SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat76 3/4 x 45 1/4 tommer. (195 x 115 cm)

Den visuelle suksessen til "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina" skyldes en umiddelbart lesbar komposisjon som likevel fortsetter å gi detaljer etter reguleringsavgjørelsen for kartellet. Goya (Francisco de Goya y Lucientes) gir "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. I "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina", forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Condesa de Altamira og hennes datter, Maria Agustina", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Condesa de Altamira og hennes datter,

Se museumsmeldingen →
The Fortune-Teller, maleri av Georges de La Tour på Metropolitan Museum of Art #55
Georges de La Tour

Spåmannen

Datotrolig 1630-åreneSamlingMetropolitan Museum of ArtFormat40 1/8 x 48 5/8 tommer (101,9 x 123,5 cm)

"Lykkefortelleren" viser hvorfor Georges de La Tour forblir essensiell for Mets reise: verket forteller, beskriver og organiserer rommet uten forvirrende overflod og uorden Georges de La Tour gir "Lykkefortelleren" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Lykkefortelleren" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken i bildet bedre enn dets eneste motiv De offisielle landemerkene til "Lykkefortelleren" - sannsynligvis 1630-tallet; Olje på lerret; 40 1/8 x 48 5/8 in. (101,9 x 123,5 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Blind Orion Searching for the Rising Sun, maleri av Nicolas Poussin ved Metropolitan Museum of Art #56
Nicolas Poussin

Blind Orion søker etter den stigende solen

Dato1658SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat46 7/8 x 72 tommer (119,1 x 182,9 cm)

Foran "Blind Orion Searching for the Rising Sun" beveger blikket seg fra emne til materiale og går deretter tilbake til emnet med litt tilleggsinformasjon og ideelt sett litt mer batteri Nicolas Poussin gir "Blind Orion Searching for the Rising Sun" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen Landskapet til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på en enkel setting Landskapet til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på en enkel setting De offisielle landemerkene til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på en enkel setting De offisielle landemerkene til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på en enkel setting De offisielle landemerkene til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys snarere enn på en enkel setting De offisielle landemerkene til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på en enkel setting De offisielle landemerkene til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på en enkel setting De offisielle landemerkene til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på en enkel setting De offisielle landemerkene til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på en enkel setting De offisielle landemerkene til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "Blind Orion Searching for the Rising Sun" er basert på dybde, vær og sirkulasjon av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "Blind Orion Searching for the Rising Sun

Se museumsmeldingen →
The Abduction of the Sabine Women, maleri av Nicolas Poussin ved Metropolitan Museum of Art #57
Nicolas Poussin

Bortføringen av sabinerkvinnene

Datosannsynligvis 1633 -34SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat60 7/8 x 82 5/8 tommer (154,6 x 209,9 cm)

Plassen til "The Abduction of the Sabine Women" i samlingen avhenger ikke bare av forfatteren: Nicolas Poussin kondenserer en epoke, en teknikk og en enestående måte å henvende seg til betrakteren på. Nicolas Poussin gir "The Abduction of the Sabine Women" en presis identitet gjennom tegning, farger og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. I "The Abduction of the Sabine Women" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. I "The Abduction of the Sabine Women" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle målestokkene for "The Abduction of the Sabine Women" - sannsynligvis 1633 -34; Olje på lerret; 60 7/8 x 82 5/8 in. (154,6 x 209,9 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Mars og Venus United av Love, maleri av Paolo Veronese (Paolo Caliari) ved Metropolitan Museum of Art #58
Paolo Veronese (Paolo Caliari)

Mars og Venus United av Love

Dato1570-talletSamlingMetropolitan Museum of ArtFormat81 x 63 3/8 tommer (205,7 x 161 cm)

"Mars and Venus United by Love" har denne sjeldne kvaliteten på museumsmalerier: å være gjenkjennelig i reproduksjon og mye mer kompleks så snart du ser på kantene, gestene og stillhetene Paolo Veronese (Paolo Caliari) gir "Mars and Venus United by Love" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på i rammen. I "Mars and Venus United by Love" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. I "Mars and Venus United by Love" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. De offisielle landemerkene til "Mars and Venus United by Love" - 1570-tallet; Olje på lerret; 81 x 63 3/8 in. (205,7 x 161 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Venus og Adonis, maleri av Titian (Tiziano Vecellio) ved Metropolitan Museum of Art #59
Titian (Tiziano Vecellio)

Venus og Adonis

Dato1550-talletSamlingMetropolitan Museum of ArtFormat42 x 52 1/2 tommer. (106,7 x 133,4 cm)

I "Venus og Adonis" justerer Titian (Tiziano Vecellio) avstanden nøyaktig; verket tiltrekker seg først, for så å tvinge deg til å bremse Titian (Tiziano Vecellio) gir "Venus og Adonis" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Venus og Adonis" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Venus og Adonis" - 1550-tallet; Olje på lerret; 42 x 52 1/2 tommer (106,7 x 133,4 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Den siste nattverden av Saint Jerome, maleri av Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) ved Metropolitan Museum of Art #60
Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi)

Den siste nattverden til Saint Hieronymus

Datotidlig på 1490-talletSamlingMetropolitan Museum of ArtFormat13 1/2 x 10 tommer (34,3 x 25,4 cm)

Tittelen "The Last Communion of Saint Hieronymus" kunngjør motivet, men Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) legger til en visuell struktur som forklarer dens varige tilstedeværelse i Met-galleriene. Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) gir "The Last Communion of Saint Hieronymus" en presis identitet gjennom tegning, farger og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. Ikonografien til "The Last Communion of Saint Hieronymus" blir lesbar av gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke av en ettertankelegenden. Ikonografien til "The Last Communion of Saint Hieronymus" blir lesbar av gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke av en ettertankelegenden. Ikonografien til "The Last Communion of Saint Hieronymus" blir lesbar av gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke av en ettertankelegenden. Ikonografien til "The Last Communion of Saint Hieronymus" blir lesbar av gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke av en ettertankelegenden. Ikonografien til "The Last Communion of Saint Hieronymus" blir lesbar av gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke av en ettertankelegenden. Ikonografien til "The Last Communion of Saint Hieronymus" blir lesbar av gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke av en bildetekst pusset i ettertid. De offisielle landemerkene til "The Last Communion of Saint Hieronymus" - tidlig på 1490-tallet; Tempera og gull på tre; 13 1/2 x 10 tommer (34,3 x 25,4 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
IV
Renessanse, barokk og gullalder

Botticelli, Duccio, Giotto, Van Eyck, Holbein, Raphael, Rubens and the Caravaggesques installerer andakt, portrett og chiaroscuro i galleriene.

Bebudelsen, maleri av Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) ved Metropolitan Museum of Art #61
Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi)

Bebudelsen

Datoca. 1490SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat7 1/2 x 12 3/8 tommer (19,1 x 31,4 cm)

I "Bebudelsen" fanger det første blikket motivet; den andre begynner å forstå hvordan Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) arrangerer møtet Botticelli (Alessandro di Mariano Filipepi) gir "Bebudelsen" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. Ikonografien til "Bebudelsen" blir lesbar av gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke av en bildetekst pusset i ettertid. De offisielle landemerkene til "Bebudelsen" - ca. 1490; Tempera og gull på tre; 7 1/2 x 12 3/8 tommer (19,1 x 31,4 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Madonna og barnet, maleri av Duccio di Buoninsegna på Metropolitan Museum of Art #62
Duccio di Buoninsegna

Madonna og barn

Datoca. 1290 -1300SamlingMetropolitan Museum of ArtFormatTotalt sett, med innkoblet ramme, 11 x 8 1/4 tommer. (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer. (23,8 x 16,5 cm)

Duccio kombinerer en gullbakgrunn, en fleksibel linje og følelser valgt for å gjøre hengivenhet til et møte i øyehøyde. Ikonografien til "Madonna og barn" blir lesbar av gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke av en bildetekst gitt i ettertid. De offisielle markørene til "Madonna og barn" - ca. 1290 -1300; Tempera og gull på tre; Totalt sett, med innkoblet ramme, 11 x 8 1/4 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27,9 x 21 cm); malt overflate 9 3/8 x 6 1/2 tommer (27

Se museumsmeldingen →
The Adoration of the Magi, maleri av Giotto di Bondone ved Metropolitan Museum of Art #63
Giotto di Bondone

Magienes tilbedelse

Datomuligens ca. 1320SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat17 3/4 x 17 1/4 tommer. (45,1 x 43,8 cm)

Med "The Adoration of the Magi" forvandler Giotto di Bondone et identifiserbart motiv til en konstruksjon av lys, rytme og tilstedeværelse Giotto di Bondone gir "The Adoration of the Magi" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på Ikonografien til "The Adoration of the Magi" blir lesbar av gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke av en ettertanke-legende De offisielle landemerkene til "The Adoration of the Magi" - muligens ca. 1320; Tempera på tre, gullgrunn; 17 3/4 x 17 1/4 tommer (45,1 x 43,8 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Korsfestelsen; Den siste dommen, maleri av Jan van Eyck ved Metropolitan Museum of Art #64
Jan van Eyck

Korsfestelsen; Den siste dommen

Datoca. 1436 -38SamlingMetropolitan Museum of ArtFormatHver 22 1/4 x 7 2/3 tommer. (56,5 x 19,7 cm)

Den visuelle suksessen til "Korsfestelsen; Den siste dommen" skyldes en umiddelbart lesbar komposisjon som likevel fortsetter å gi detaljer etter reguleringsavgjørelsen for kartellet. Jan van Eyck gir "Korsfestelsen; Den siste dommen" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. Ikonografien til "Korsfestelsen; Den siste dommen" blir lesbar gjennom gester, attributter og hierarki av figurer, ikke gjennom en ettertanketekst. De offisielle landemerkene til "Korsfestelsen; Den siste dommen" blir lesbar gjennom gester, attributter og hierarki av figurer, ikke gjennom en ettertanketekst. De offisielle landemerkene til "Korsfestelsen; Den siste dommen" blir lesbar av gester, attributter og hierarki av figurer, ikke av en ettertanke ca. 1436-38; Olje på lerret, overført fra tre; Hver 22 1/4 x 7 2/3 tommer (56,5 x 19,7 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Annunciation Triptych (Merode Altertavle), maleri av Robert Campin ved Metropolitan Museum of Art #65
Robert Campin

Annunciation Triptych (Merode Altertavle)

Datoca. 1427 -32SamlingMetropolitan Museum of ArtFormatTotalt (åpent): 25 3/8 x 46 3/8 tommer (64,5 x 117,8 cm) Sentralpanel: 25 1/4 x 24 7/8 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer (6

"Annunciation Triptych (Merode Altertavle)" viser hvorfor Robert Campin forblir essensiell for Mets reise: verket forteller, beskriver og organiserer rommet uten forvirrende overflod og uorden. Robert Campin gir "Annunciation Triptych (Merode Altertavle)" en presis identitet gjennom tegning, farger og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. Ikonografien til "Annunciation Triptych (Merode Altertavle)" blir lesbar gjennom gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke gjennom en ettertankeforklaring. Ikonografien til "Annunciation Triptych (Merode Altertavle)" blir lesbar gjennom gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke gjennom en ettertankeforklaring. De offisielle landemerkene til "Annunciation Triptych (Merode Altertavle)" blir lesbar av gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke ved en ettertankeforklaring. De offisielle landemerkene til "Annunciation Triptych (Merode Altertavle)" blir lesbar av gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke ved en bildetekst. 1427-32; Olje på eik; Totalt sett (åpen): 25 3/8 x 46 3/8 in. (64,5 x 117,8 cm) Sentralpanel: 25 1/4 x 24 7/8 tommer. (64,1 x 63,2 cm) hver vinge: 25 3/8 x 10 3/4 tommer. (64,5 x 27,3 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
En gullsmed i butikken hans, maleri av Petrus Christus ved Metropolitan Museum of Art #66
Petrus Christus

En gullsmed i butikken hans

Dato1449SamlingMetropolitan Museum of ArtFormatTotalt 39 3/8 x 33 3/4 tommer (100,1 x 85,8 cm); malt overflate 38 5/8 x 33 1/2 tommer (98 x 85,8 cm)

Foran "En gullsmed i butikken sin" beveger blikket seg fra emne til materiale og går deretter tilbake til emnet med litt tilleggsinformasjon og ideelt sett litt mer batteri. Petrus Christus gir "En gullsmed i butikken" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen. Teknikken til "En gullsmed i butikken sin" favoriserer linje, flate områder og dyrebare detaljer; det krever nærmere lesing enn olje på lerret. De offisielle referansene til "En gullsmed i butikken sin" - 1449; Olje på eikepanel; Totalt 39 3/8 x 33 3/4 tommer (100,1 x 85,8 cm); De offisielle referansene til "En gullsmed i butikken sin" - 1449; Olje på eikepanel; Totalt 39 3/8 x 33 3/4 tommer (100,1 x 85,8 cm); Malt overflate 38 5/8 x 33 3/4 tommer (100,1 x 85,8 cm); Malte overflate 38 5/8 x 33 3/4 tommer (100,1 x 85,8 cm); De offisielle referansene til "En gullsmed i butikken sin" - 1449; Olje på eikepanel; Totalt 39 3/8 x 33 3/4 tommer (100,1 x 85,8 cm); Malte overflate 38 5/8 x 33 3/4 tommer (100,1 x 85,8 cm); Malte overflate 38 5/8 x 33 3/4 tommer (100,1 x 85,8 cm); Malt overflate 38 5/8 x 33 3/4 tommer (100,1 x 85,8 cm); Malt overflate 38 5/8 x 33 3/4 tommer (100,1 x 85,8 cm); Malt overflate 38 5/8 x 33 3/4 tommer (100,1 x 85,8 cm); Malt overflate 38 5/8 x 33 3/4 tommer (100,1 x 85,8 cm); Malt overflate 38 5/8 x 33 3/4 tommer (100,1 x 85,8 cm); Malt overflate 38 5/8 x 33 3/4 tommer (100,1 x 85,8 cm); Malt overflate 38 5/8 x 33 3/4 tommer (100,1 x 8

Se museumsmeldingen →
Portrett av en karteuser, maleri av Petrus Christus ved Metropolitan Museum of Art #67
Petrus Christus

Portrett av en karteuser

Dato1446SamlingMetropolitan Museum of ArtFormatTotalt 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); malt overflate 11 1/2 x 7 3/8 tommer (29,2 x 21,6 cm); malt overflate 11 1/2 x 7 3/8 tommer (29,2 x 18,7 cm)

Plasseringen av "Portrett av en karteuser" i samlingen avhenger ikke bare av forfatteren: Petrus Christus kondenserer en epoke, en teknikk og en enestående måte å henvende seg til betrakteren på. Petrus Christus gir "Portrett av en karteuser" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på innenfor rammen. I "Portrett av en karteuser", positur, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt. De offisielle landemerkene til "Portrett av en karteuser" - 1446; Olje på eik; Totalt 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x 21,6 cm); Malt overflate 11 1/2 x 8 1/2 tommer (29,2 x

Se museumsmeldingen →
Bebudelsen, maleri av Hans Memling ved Metropolitan Museum of Art #68
Hans Memling

Bebudelsen

Datoca. 1465 -70SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat73 1/4 x 45 1/4 tommer. (186,1 x 114,9 cm)

"Bebudelsen" har denne sjeldne kvaliteten på museumsmalerier: å være gjenkjennelig i reproduksjon og mye mer kompleks så snart du ser på kantene, gestene og stillhetene. Hans Memling gir "Bebudelsen" en presis identitet gjennom tegningen, fargen og måten å fordele oppmerksomheten på innenfor rammen. Ikonografien til "Bebudelsen" blir lesbar av gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke av en bildetekst pusset i ettertid. De offisielle landemerkene til "Bebudelsen" - ca. 1465 -70; Olje på tre; 73 1/4 x 45 1/4 tommer (186,1 x 114,9 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Hermann von Wedigh III (død 1560), maleri av Hans Holbein den yngre ved Metropolitan Museum of Art #69
Hans Holbein den yngre

Hermann von Wedigh III (død 1560)

Dato1532SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat16 5/8 x 12 3/4 tommer (42,2 x 32,4 cm), med tilsatt stripe på 1/2 tommer (1,3 cm) nederst

I "Hermann von Wedigh III (død 1560)" justerer Hans Holbein den yngre avstanden nøyaktig; verket tiltrekker seg først, for så å tvinge deg til å bremse Hans Holbein den yngre gir "Hermann von Wedigh III (død 1560)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Hermann von Wedigh III (død 1560)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Hermann von Wedigh III (død 1560)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Hermann von Wedigh III (død 1560)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Hermann von Wedigh III (død 1560)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Hermann von Wedigh III (død 1560)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Hermann von Wedigh III (død 1560)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Hermann von Wedigh III (død 1560)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Hermann von Wedigh III (død 1560)", poserer, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt De offisielle landemerkene til "Hermann von Wedigh III (død 1560)" - 1532; Olje og gull på eik; 16 5/8 x 12 3/4 tommer (42,2 x 32,4 cm), med ekstra stripe på 1/2 tommer (42,2 x 32,4 cm), med ekstra stripe på 1/2 tommer (42,2 x 32,4 cm), med ekstra stripe på 1/2 tommer (42,2 x 32,4 cm), med ekstra stripe på 1/2 tommer (42,2 x 32,4 cm), med ekstra stripe på 1/2 tommer (42,2 x 32,4 cm)

Se museumsmeldingen →
Erasmus av Rotterdam, maleri av Hans Holbein den yngre ved Metropolitan Museum of Art #70
Hans Holbein den yngre

Erasmus av Rotterdam

Datoca. 1532SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat7 1/4 x 5 9/16 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/2 tommer (17,6 x 14,2 cm)

Tittelen "Erasmus of Rotterdam" kunngjør motivet, men Hans Holbein den yngre legger til en visuell struktur som forklarer dens varige tilstedeværelse i galleriene til Met. Hans Holbein den yngre gir "Erasmus of Rotterdam" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på innenfor rammen. I "Erasmus of Rotterdam" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. De offisielle referansene til "Erasmus of Rotterdam" - ca. 1532; Olje på lindepanel; 7 1/4 x 5 9/16 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/16 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/16 tommer (18,4 x 14,2 cm); olje på lindepanel; 7 1/4 x 5 9/16 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/2 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/2 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/2 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/2 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/2 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/2 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/2 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/2 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/2 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/2 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/2 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/2 tommer (18,4 x 14,2 cm); malt overflate 6 15/16 x 5 1/2 tommer (

Se museumsmeldingen →
Virgin and Child with Saint Anne, maleri av Albrecht Dürer ved Metropolitan Museum of Art #71
Albrecht Durer

Jomfru og barn med Saint Anne

Datosannsynligvis 1519SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat23 5/8 x 19 5/8 tommer (60 x 49,8 cm)

I "Jomfru og barn med Saint Anne" fanger det første blikket motivet; den andre begynner å forstå hvordan Albrecht Dürer arrangerer møtet. Albrecht Dürer gir "Jomfru og barn med Saint Anne" en presis identitet gjennom tegning, farger og måten å fordele oppmerksomheten på innenfor rammen. Ikonografien til "Jomfru og barn med Saint Anne" blir lesbar av gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke av en ettertankeforklaring. Ikonografien til "Jomfru og barn med Saint Anne" blir lesbar av gester, attributter og hierarki av figurer, ikke av en ettertankeforklaring. De offisielle landemerkene til "Jomfru og barn med Saint Anne" - sannsynligvis 1519; Olje på lind; 23 5/8 x 19 5/8 tommer (60 x 49,8 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Meditasjonen over lidenskapen, maleri av Vittore Carpaccio ved Metropolitan Museum of Art #72
Vittore Carpaccio

Meditasjonen på lidenskapen

Datoca. 1490SamlingMetropolitan Museum of ArtFormatTotalt 27 3/4 x 34 1/8in. (70,5 x 86,7 cm); malt overflate 26 3/16 × 33 1/4 tommer (66,5 × 84,5 cm)

Vittore Carpaccio gir "Meditasjonen på lidenskapen" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på Teknikken til "Meditasjonen på lidenskapen" favoriserer linje, flate områder og dyrebare detaljer; det krever nærmere lesing enn olje på lerret.De offisielle benchmarkene til "Meditasjonen på lidenskapen" - ca. 1490; Olje og tempera på tre; Totalt 27 3/4 x 34 1/8in. (70,5 x 86,7 cm); malt overflate 26 3/16 × 33 1/4 tommer (66,5 × 84,5 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Hyrdenes tilbedelse, maleri av Andrea Mantegna ved Metropolitan Museum of Art #73
Andrea Mantegna

Hyrdenes tilbedelse

Datokort tid etter 1450SamlingMetropolitan Museum of ArtFormatTotalt 15 3/4 x 21 7/8 tommer (40 x 55,6 cm); malt overflate 14 7/8 x 21 tommer. (37,8 x 55,6 cm); malt overflate 14 7/8 x 21 tommer (37,8 x 55,6 cm)

Med "Hyrdenes tilbedelse" forvandler Andrea Mantegna et identifiserbart motiv til en konstruksjon av lys, rytme og tilstedeværelse Andrea Mantegna gir "Hyrdenes tilbedelse" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. Ikonografien til "Hyrdenes tilbedelse" blir lesbar gjennom gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke gjennom en ettertanke. De offisielle landemerkene til "Hyrdens tilbedelse" - kort tid etter 1450; Tempera på lerret, overført fra tre; Totalt 15 3/4 x 21 7/8 tommer (40 x 55,6 cm); malt overflate 14 7/8 x 21 tommer (40 x 55,6 cm); Hyrdenes tilbedelse" - raskt etter 1450; Tempera på lerret, overført fra tre; Totalt 15 3/4 x 21 7/8 tommer (40 x 55,6 cm); Hyrdenes tilbedelse" - raskt etter 1450; Tempera på lerret, overført fra tre; Totalt 15 3/4 x 21 7/8 tommer (40 x 55,6 cm); Hyrdenes tilbedelse" - raskt etter 1450; Tempera på lerret, overført fra tre; Totalt 15 3/4 x 21 7/8 tommer (40 x 55,6 cm); Hyrdenes tilbedelse" - raskt etter 1450; Tempera på lerret, overført fra tre; Totalt 15 3/4 x 21 7/8 tommer (40 x 55,6 cm); Hyrdenes tilbedelse" - raskt etter 1450; Tempera på lerret, overført fra tre; Totalt 15 3/4 x 21 7/8 tommer (40 x 55,6 cm); Hyrdenes tilbedelse" - raskt etter 1450; Tempera på lerret, overført fra tre; Totalt 15 3/4 x 21 7/8 tommer (40 x 55,6 cm); Hyrdenes tilbedelse" - raskt etter 1450; Tempera på lerret, overført fra tre; Totalt 15 3/4 x 21 7/8 tommer (40 x 55,6 cm); Hyrdenes tilbedelse" - raskt etter 1450; Tempera på lerret, overført fra tre; Totalt 15 3/4 x 21 7/8 tommer (40 x 55,6 cm); Hyrdenes tilbedelse" - raskt etter 1450; Tempera på lerret, overført fra tre; Totalt 15 3/4 x 21 7/8 tommer (40 x 55,

Se museumsmeldingen →
Madonna og barnet tronet med hellige, maleri av Raphael (Raffaello Sanzio eller Santi) ved Metropolitan Museum of Art #74
Raphael (Raffaello Sanzio eller Santi)

Madonna og barnet tronet med hellige

Datoca. 1504SamlingMetropolitan Museum of ArtFormatHovedpanel, totalt 67 7/8 x 67 7/8 tommer (172,4 x 172,4 cm), malt overflate 66 3/4 x 66 1/2 tommer (169,5 x 168,9 cm) Briller, totalt 29 1/2 x 70 7/8 tommer (74,9 x 180 cm), malt overflate 25 1/2 x 67 1/2 tommer (169,5 x 168,9 cm), totalt 29 1/2 x 70 7/8 tommer (74,9 x 180 cm), malt overflate 25 1/2 x 67 1/2 tommer (64,8 x 171,5 cm)

Den visuelle suksessen til "Madonna og barnet tronet med hellige" skyldes en umiddelbart lesbar komposisjon som likevel fortsetter å gi detaljer etter reguleringsavgjørelsen for kartellet. Raphael (Raffaello Sanzio eller Santi) gir "Madonna og barnet tronet med hellige" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. Ikonografien til "Madonna og barnet tronet med hellige" blir lesbar gjennom gester, attributter og hierarki av figurer, ikke gjennom en ettertanke legende. Ikonografien til "Madonna og barnet tronet med hellige" blir lesbar gjennom gester, attributter og hierarki av figurer, ikke gjennom en ettertanke legende. Ikonografien til "Madonna og barnet tronet med hellige" - ca. 1504; Olje og gull på tre; Hovedpanel, totalt 67 7/8 x 67 7/8 tommer (172,4 x 172,4 cm), malt overflate 66 3/4 x 66 1/2 tommer (169,5 x 168,9 cm) Briller, totalt 29 1/2 x 70 7/8 tommer (74,9 x 180 cm), malt overflate 25 1/2 x 67 1/2 tommer (64,8 x 180 cm), malt overflate 25 1/2 x 67 1/2 tommer (64,8 x 171,5 cm).

Se museumsmeldingen →
Rubens, Helena Fourment (1614 -1673) og deres sønn Frans (1633 -1678), maleri av Peter Paul Rubens ved Metropolitan Museum of Art #75
Peter paul rubens

Rubens, Helena Fourment (1614 -1673) og deres sønn Frans (1633 -1678)

Datoca. 1635SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat80 1/4 x 62 1/4 tommer. (203,8 x 158,1 cm)

"Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), og Deres sønn Frans (1633 -1678)" viser hvorfor Peter Paul Rubens forblir essensiell for Mets reise: verket forteller, beskriver og organiserer rommet uten forvirrende overflod og uorden Peter Paul Rubens gir "Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), og Deres sønn Frans (1633 -1678)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten i rammen på I "Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), og Deres sønn Frans (1633 -1678)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten i rammen på I "Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), og Deres sønn Frans (1633 -1678)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten i rammen på I "Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), og Deres sønn Frans (1633 -1678)", en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten i rammen på I "Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), og Deres sønn Frans (1633 -1678)", en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten i rammen på I "Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), og Deres sønn Frans (1633 -1678)", en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten i rammen på I "Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), og Deres sønn Frans (1633 -1678)", en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten i rammen på I "Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), og Deres sønn Frans (1633 -1678)", en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten i rammen på I "Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), og Deres sønn Frans (1633 -1678)", en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten i rammen på I "Rubens, Helena Fourment (1614 -1673), og Deres sønn Frans (1633 -1678)", og Deres sønn Frans (1633 -1678)", og Deres sønn Frans (1633 -1678)", og Deres sønn Frans (1633 -1678)", og Deres sønn Frans ( (1633 -1678)" - ca. 1635; Olje på tre; 80 1/4 x 62 1/4 tommer. (203,8 x 158,1 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Samson Fanget av filisterne, maleri av Guercino (Giovanni Francesco Barbieri) ved Metropolitan Museum of Art #76
Guercino (Giovanni Francesco Barbieri)

Samson Fanget av filisterne

Dato1619SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat75 1/4 x 93 1/4 tommer (191,1 x 236,9 cm)

Foran "Samson Captured by the Philistines" beveger blikket seg fra emne til materiale og går deretter tilbake til emnet med litt tilleggsinformasjon og ideelt sett litt flere trommer. Guercino (Giovanni Francesco Barbieri) gir "Samson Captured by the Philistines" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. I "Samson Captured by the Philistines" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. I "Samson Captured by the Philistines" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Samson Captured by the Philistines" - 1619; Olje på lerret; 75 1/4 x 93 1/4 in. (191,1 x 236,9 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Den ubesmittede unnfangelsen, maleri av Guido Reni ved Metropolitan Museum of Art #77
Guido Reni

Den ulastelige unnfangelsen

Dato1627SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat105 1/2 x 73 tommer (268 x 185,4 cm)

Plassen til "Den ubesmittede unnfangelsen" i samlingen avhenger ikke bare av forfatteren: Guido Reni kondenserer en epoke, en teknikk og en enestående måte å henvende seg til betrakteren på. Guido Reni gir "Den ubesmittede unnfangelsen" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. I "Den ubesmittede unnfangelsen" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. I "Den ubesmittede unnfangelsen" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Den ubesmittede unnfangelsen" - 1627; Olje på lerret; 105 1/2 x 73 tommer (268 x 185,4 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
The Coronation of the Virgin, maleri av Annibale Carracci ved Metropolitan Museum of Art #78
Annibale Carracci

Jomfruens kroning

Datoetter 1595SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat46 3/8 x 55 5/8 tommer (117,8 x 141,3 cm)

"Jomfruens kroning" har denne sjeldne kvaliteten på museumsmalerier: å være gjenkjennelig i reproduksjon og mye mer kompleks så snart du ser på kantene, gestene og stillhetene. Annibale Carracci gir "Jomfruens kroning" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på innenfor rammen. I "Jomfruens kroning" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. I "Jomfruens kroning" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. De offisielle landemerkene til "Jomfruens kroning" - etter 1595; Olje på lerret; 46 3/8 x 55 5/8 in. (117,8 x 141,3 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Korsfestelsen med jomfruen og Saint John, maleri av Hendrick ter Brugghen ved Metropolitan Museum of Art #79
Hendrick ter Brugghen

Korsfestelsen med jomfruen og Johannes

Datoca. 1624 -25SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat61 tommer. × 40 1/4 tommer. (154,9 × 102,2 cm)

I "Korsfestelsen med jomfruen og Johannes" justerer Hendrick ter Brugghen avstanden nøyaktig; verket tiltrekker seg først, for så å tvinge deg til å bremse Hendrick ter Brugghen gir "Korsfestelsen med jomfruen og Johannes" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på Ikonografien til "Korsfestelsen med jomfruen og Johannes" blir lesbar av gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke av en ettertankeforklaring. Ikonografien til "Korsfestelsen med jomfruen og Johannes" blir lesbar av gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke av en ettertankeforklaring. De offisielle landemerkene til "Korsfestelsen med jomfruen og Johannes" - ca. 1624-25; Olje på lerret; 61 tommer × 40 1/4 tommer (154,9 × 102,2 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Merrymakers at Shrovetide, maleri av Frans Hals på Metropolitan Museum of Art #80
Frans Hals

Merrymakers på Shrovetide

Datoca. 1616 -17SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat51 3/4 x 39 1/4 tommer (131,4 x 99,7 cm)

Tittelen "Merrymakers at Shrovetide" kunngjør motivet, men Frans Hals legger til en visuell struktur som forklarer dets varige tilstedeværelse i Met-galleriene Frans Hals gir "Merrymakers at Shrovetide" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på innenfor rammen. I "Merrymakers at Shrovetide" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Merrymakers at Shrovetide" - ca. 1616-17; Olje på lerret; 51 3/4 x 39 1/4 tommer (131,4 x 99,7 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
V
Asiatiske landskap, ansikter og horisonter

De siste tjue verkene flytter fra Nederland til Spania og Frankrike før de avsluttes med fire store malerier fra Kina og Japan.

Wheat Fields, maleri av Jacob van Ruisdael ved Metropolitan Museum of Art #81
Jacob van Ruisdael

Wheat Fields

Datoca. 1670SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat39 3/8 x 51 1/4 tommer. (100 x 130,2 cm)

I "Hvetefelt" fanger det første blikket motivet; det andre begynner å forstå hvordan Jacob van Ruisdael arrangerer møtet Jacob van Ruisdael gir "Hvetefelt" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på Landskapet til "Hvetefelt" er basert på dybde, vær og sirkulasjonen av lys i stedet for på en enkel setting. De offisielle landemerkene til "Hvetefelt" - ca. 1670; Olje på lerret; 39 3/8 x 51 1/4 tommer (100 x 130,2 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Fritid i en elegant setting, maleri av Pieter de Hooch ved Metropolitan Museum of Art #82
Pieter de Hooch

Fritid i en elegant setting

Datoca. 1663-65SamlingMetropolitan Museum of ArtFormatUtvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4 cm); original synlig malt overflate 21 5/8 x 26 tommer (55 x 66 cm)

Pieter de Hooch gir "Fritid i en elegant setting" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. I "Fritid i en elegant setting" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. De offisielle referansene for "Fritid i en elegant setting" - ca. 1663-65; Olje på lerret; Utvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4 cm); Original synlig malt overflate 21 5/8 x 26 tommer (58,3 x 69,4 cm); Original synlig malt overflate 21 5/8 x 26 tommer (58,3 x 69,4 cm); Original synlig malt overflate 21 5/8 x 26 tommer (58,3 x 69,4 cm); Utvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4 cm); Utvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4 cm); Utvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4 cm); Utvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4 cm); Utvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4 cm); Utvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4 cm); Utvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4 cm); Utvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4 cm); Utvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4 cm); Utvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4 cm); Utvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4 cm); Utvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4 cm); Utvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4 cm); Utvidet lerret 22 15/16 x 27 5/16 tommer (58,3 x 69,4

Se museumsmeldingen →
Merry Company on a Terrace, maleri av Jan Steen ved Metropolitan Museum of Art #83
Jan Steen

Merry Company på en terrasse

Datoca. 1670SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat55 1/2 x 51 3/4 tommer. (141 x 131,4 cm)

Med "Merry Company on a Terrace" forvandler Jan Steen et identifiserbart motiv til en konstruksjon av lys, rytme og tilstedeværelse Jan Steen gir "Merry Company on a Terrace" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Merry Company on a Terrace" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Merry Company on a Terrace" - ca. 1670; Oil on a Terrace", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Merry Company on a Terrace" - ca. 1670; Oil on a Terrace", relasjonene mellom figurer, rom og lys forklarer styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Merry Company on a Terrace" - ca. 1670; Olje på lerret; 55 1/2 x 51 3/4 in. (141 x 131,4 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
The Young Virgin, maleri av Francisco de Zurbaran ved Metropolitan Museum of Art #84
Francisco de Zurbaran

Den unge jomfruen

Datoca. 1632 -33SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat46 x 37 tommer (116,8 x 94 cm)

Den visuelle suksessen til "Den unge jomfru" skyldes en umiddelbart lesbar komposisjon som likevel fortsetter å gi detaljer etter reguleringsavgjørelsen foran kartellet Francisco de Zurbaran gir "Den unge jomfru" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Den unge jomfru" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle landemerkene til "Den unge jomfru" - ca. 1632-33; Olje på lerret; 46 x 37 tommer (116,8 x 94 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Saint Jerome som stipendiat, maleri av El Greco (Domenikos Theotokopoulos) ved Metropolitan Museum of Art #85
El Greco (Domenikos Theotokopoulos)

Saint Jerome som stipendiat

Datoca. 1610SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat42 1/2 x 35 1/16 tommer. (108 x 89 cm)

"Saint Jerome as Scholar" viser hvorfor El Greco (Domenikos Theotokopoulos) forblir essensiell for Mets reise: verket forteller, beskriver og organiserer rommet uten å forvirre overflod og uorden. El Greco (Domenikos Theotokopoulos) gir "Saint Jerome as Scholar" en presis identitet gjennom tegning, farger og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. Ikonografien til "Saint Jerome as Scholar" blir lesbar gjennom gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke gjennom en ettertankeforklaring. Ikonografien til "Saint Jerome as Scholar" blir lesbar gjennom gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke gjennom en ettertankeforklaring. Ikonografien til "Saint Jerome as Scholar" blir lesbar gjennom gester, attributter og hierarkiet av figurer, ikke gjennom en ettertankeforklaring. De offisielle landemerkene til "Saint Jerome as Scholar" - ca. 1610; Olje på lerret; 42 1/2 x 35 1/16 tommer (108 x 89 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609), maleri av El Greco (Domenikos Theotokopoulos) ved Metropolitan Museum of Art #86
El Greco (Domenikos Theotokopoulos)

Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)

Datoca. 1600SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat67 1/4 x 42 1/2 tommer. (170,8 x 108 cm)

Foran "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)" beveger blikket seg fra emne til materie og går deretter tilbake til emnet med litt tilleggsinformasjon og ideelt sett litt mer batteri. El Greco (Domenikos Theotokopoulos) gir "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på i rammen. I "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)", forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)", forholdene mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)", forholdene mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)", forholdene mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)", forholdene mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)", forholdene mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)", forholdene mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Kardinal Fernando Niño de Guevara (1541 -1609)", forholdene mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Kardinal Fernando Niño de Guevara (15

Se museumsmeldingen →
Selvportrett med to elever, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) og Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788), maleri av Adélaïde Labille-Guiard ved Metropolitan Museum of Art #87
Adelaide Labille-Guiard

Selvportrett med to elever, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) og Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)

Dato1785SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat83 x 59 1/2 tommer. (210,8 x 151,1 cm)

Stedet for "Selvportrett med to elever, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) og Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)" i samlingen avhenger ikke bare av forfatteren: Adélaïde Labille-Guiard kondenserer en epoke, en teknikk og en unik måte å henvende seg til betrakteren på Adélaïde Labille-Guiard gir "Selvportrett med to elever, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) og Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomhet på i rammen. I "Selvportrett med to elever, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) og Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomhet på i rammen. I "Selvportrett med to elever, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) og Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomhet på i rammen. I "Selvportrett med to elever, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) og Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomhet på i rammen. I "Selvportrett med to elever, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) og Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomhet på i rammen. I "Selvportrett med to elever, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) og Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomhet på i rammen klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt. De offisielle referansene til "Selvportrett med to elever, Marie Gabrielle Capet (1761 -1818) og Marie Marguerite Carraux de Rosemond (1765 -1788)" - 1785; Olje på lerret; 83 x 59 1/2 tommer (210,8 x 151,1 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Grevinne av La Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848), maleri av Elisabeth Louise Vigée Le Brun ved Metropolitan Museum of Art #88
Elisabeth Louise Vigée Le Brun

Grevinne de la Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)

Dato1789SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat45 x 34 1/2 tommer. (114,3 x 87,6 cm)

"Comtesse de la Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)" har denne sjeldne kvaliteten på museumsmalerier: å være gjenkjennelig i reproduksjon og mye mer kompleks så snart du ser på kantene, gestene og stillhetene. Elisabeth Louise Vigée Le Brun gir "Comtesse de la Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på i rammen. I "Comtesse de la Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på i rammen. I "Comtesse de la Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på i rammen. I "Comtesse de la Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på i rammen. I "Comtesse de la Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på i rammen. I "Comtesse de la Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste motiv. Landemerkene tjenestemenn i "Comtesse de la Châtre (Marie Charlotte Louise Perrette Aglaé Bontemps, 1762 -1848)" - 1789; Olje på lerret; 45 x 34 1/2 tommer (114,3 x 87,6 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Elizabeth Farren (født ca. 1759, død 1829), senere grevinne av Derby, maleri av Sir Thomas Lawrence ved Metropolitan Museum of Art #89
Sir thomas lawrence

Elizabeth Farren (født ca 1759, død 1829), senere grevinne av Derby

Dato1790SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat94 tommer. × 57 1/2 tommer. (238,8 × 146,1 cm)

I "Elizabeth Farren (født ca 1759, død 1829), senere grevinne av Derby" justerer Sir Thomas Lawrence avstanden nøyaktig; verket tiltrekker seg først, for så å tvinge deg til å bremse Sir Thomas Lawrence gir "Elizabeth Farren (født ca 1759, død 1829), senere grevinne av Derby" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Elizabeth Farren (født ca 1759, død 1829), senere grevinne av Derby", forklarer forholdene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Elizabeth Farren (født ca 1759, død 1829), senere grevinne av Derby", forklarer forholdene mellom figurer, rom og lys bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. I "Elizabeth Farren (født ca 1759, død 1829), senere grevinne av Derby", forklarer forholdene mellom figurer, rom og lys bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Elizabeth Farren (født ca 1759, død 1829), senere grevinne av Derby", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Elizabeth Farren (født ca 1759, død 1829), senere grevinne av Derby", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Elizabeth Farren (født ca 1759, død 1829), senere grevinne av Derby", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Elizabeth Farren (født ca 1759, død 1829), senere grevinne av Derby", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Elizabeth Farren (født ca 1759, død 1829), senere grevinne av Derby", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Elizabeth Farren (født ca 1759, død 1829), senere grevinne av Derby", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Elizabeth Farren (født ca 1759, død 1829), senere grevinne av Derby", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Elizabeth Farren (født ca 1759, død 1829), senere grevinne av Derby", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Elizabeth Farren (født ca 1759, død 1829), senere grevinne av Derby", forholdet mellom figurer, rom og lys forklarer bedre styrken til bildet enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Eli

Se museumsmeldingen →
Hagar in the Wilderness, maleri av Camille Corot ved Metropolitan Museum of Art #90
Camille Corot

Hagar i villmarken

Dato1835SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat71 x 106 1/2 tommer. (180,3 x 270,5 cm)

Tittelen "Hagar i villmarken" kunngjør motivet, men Camille Corot legger til en visuell struktur som forklarer dens varige tilstedeværelse i Met-galleriene. Camille Corot gir "Hagar i villmarken" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på innenfor rammen. I "Hagar i villmarken" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Hagar i villmarken" - 1835; Olje på lerret; 71 x 106 1/2 tommer (180,3 x 270,5 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Sibylle, maleri av Camille Corot ved Metropolitan Museum of Art #91
Camille Corot

Sibyl

Datoca. 1870SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat32 1/4 x 25 1/2 tommer. (81,9 x 64,8 cm)

I "Sibylle" fanger det første blikket motivet; det andre begynner å forstå hvordan Camille Corot organiserer møtet Camille Corot gir "Sibylle" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Sibylle" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Sibylle" - ca. 1870; Olje på lerret; 32 1/4 x 25 1/2 tommer (81,9 x 64,8 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Jalais Hill, Pontoise, maleri av Camille Pissarro ved Metropolitan Museum of Art #92
Camille Pissarro

Jalais Hill, Pontoise

Dato1867SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat34 1/4 x 45 1/4 tommer. (87 x 114,9 cm)

Camille Pissarro gir "Jalais Hill, Pontoise" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Jalais Hill, Pontoise" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Jalais Hill, Pontoise" - 1867; Olje på lerret; 34 1/4 x 45 1/4 tommer (87 x 114,9 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Haystacks: Autumn, maleri av Jean-François Millet ved Metropolitan Museum of Art #93
Jean-Francois Millet

Høystakker: Høst

Datoca. 1874SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat33 1/2 x 43 3/8 tommer (85,1 x 110,2 cm)

Med "Haystacks: Autumn" forvandler Jean-François Millet et identifiserbart motiv til en konstruksjon av lys, rytme og tilstedeværelse Jean-François Millet gir "Haystacks: Autumn" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på I "Haystacks: Autumn" forklarer relasjonene mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Haystacks: Autumn" - ca. 1874; Olje på lerret; 33 1/2 x 43 3/8 tommer (85,1 x 110,2 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Skogen om vinteren ved solnedgang, maleri av Théodore Rousseau ved Metropolitan Museum of Art #94
Theodore Rousseau

Skogen om vinteren ved solnedgang

Datoca. 1846-67SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat64 x 102 3/8 tommer (162,6 x 260 cm)

Den visuelle suksessen til "Skogen om vinteren ved solnedgang" skyldes en umiddelbart lesbar komposisjon som likevel fortsetter å gi detaljer etter reguleringsavgjørelsen for kartellet. Théodore Rousseau gir "Skogen om vinteren ved solnedgang" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på innenfor rammen. I "Skogen om vinteren ved solnedgang" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. I "Skogen om vinteren ved solnedgang" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Skogen om vinteren ved solnedgang" - ca. 1846-67; Olje på lerret; 64 x 102 3/8 tommer (162,6 x 260 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Young Ladies of the Village, maleri av Gustave Courbet ved Metropolitan Museum of Art #95
Gustave Courbet

Unge damer i landsbyen

Dato1851 -52SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat76 3/4 x 102 3/4 tommer. (194,9 x 261 cm)

"Young Ladies of the Village" viser hvorfor Gustave Courbet fortsatt er essensielt for Mets reise: verket forteller, beskriver og organiserer rommet uten forvirrende overflod og uorden Courbet gir virkeligheten en materiell vekt: ansikter, steiner, stoffer og jord okkuperer lerretet uten å be om å bli pyntet I "Young Ladies of the Village" forklarer forholdet mellom figurer, rom og lys styrken til bildet bedre enn dets eneste emne. De offisielle referansene til "Young Ladies of the Village" - 1851-52; Olje på lerret; 76 3/4 x 102 3/4 tommer (194,9 x 261 cm) - identifiser det uten å omslutte det i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Kvinne med en papegøye, maleri av Gustave Courbet ved Metropolitan Museum of Art #96
Gustave Courbet

Kvinne med en papegøye

Dato1866SamlingMetropolitan Museum of ArtFormat51 x 77 tommer (129,5 x 195,6 cm)

Foran "Woman with a Parrot" beveger blikket seg fra emne til materiale og går deretter tilbake til emnet med litt tilleggsinformasjon og ideelt sett litt mer batteri Courbet gir virkeligheten materiell vekt: ansikter, steiner, stoffer og jord okkuperer lerretet uten å be om å bli pyntet. I "Woman with a Parrot" konstruerer positur, klær, hender og blikk en sosial identitet like mye som et ansikt. De offisielle landemerkene til "Woman with a Parrot" - 1866; Olje på lerret; positur, klær, hender og blikk konstruerer en sosial identitet like mye som et ansikt. De offisielle landemerkene til "Woman with a Parrot" - 1866; Olje på lerret; 51 x 77 tommer (129,5 x 195,6 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Iriser på Yatsuhashi (åtte broer), maleri av Ogata Kôrin ved Metropolitan Museum of Art #97
Ogata Korin

Iriser ved Yatsuhashi (åtte broer)

Datoetter 1709SamlingMetropolitan Museum of ArtFormatBilde (hver skjerm): 64 7/16 tommer. x 11 fot. 6 3/4 tommer. (163,7 x 352,4 cm) Totalt (hver skjerm): 70 1/2 tommer. x 12 fot. 2 1/4 tommer. (163,7 x 352,4 cm) Totalt (hver skjerm): 70 1/2 tommer. x 12 fot. 2 1/4 tommer (163,7 x 352,4 cm) Totalt (hver skjerm): 70 1/2 tommer x 12 fot. 2 1/4 tommer (179,1 x 371,5 cm)

Plassen til "Irises at Yatsuhashi (Eight Bridges)" i samlingen avhenger ikke bare av forfatteren: Ogata Kôrin kondenserer en epoke, en teknikk og en enestående måte å henvende seg til betrakteren på. Ogata Kôrin gir "Irises at Yatsuhashi (Eight Bridges)" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen. I "Irises at Yatsuhashi (Eight Bridges)", lar objekter, blomster eller frukter farge, tekstur og varighet måles med en presisjon som gjør bordet overraskende ambisiøst. I "Irises at Yatsuhashi (Eight Bridges)", lar objekter, blomster eller frukter farge, tekstur og varighet måles med en presisjon som gjør bordet overraskende ambisiøst. I "Irises at Yatsuhashi (Eight Bridges)", lar objekter, blomster eller frukter farge, tekstur og varighet måles med en presisjon som gjør bordet overraskende ambisiøst. I "Irises at Yatsuhashi (Eight Bridges)", lar objekter, blomster eller frukter farge, tekstur og varighet måles med en presisjon som gjør bordet overraskende ambisiøst. I "Irises at Yatsuhashi (Eight Bridges)", lar objekter, blomster eller frukter farge, tekstur og varighet måles med en presisjon som gjør bordet overraskende ambisiøst. I "Irises at Yatsuhashi (Eight Bridges)", lar objekter, blomster eller frukter farge, tekstur og varighet måles med en presisjon som gjør bordet overraskende ambisiøst. De offisielle målestokkene for "Irises at Yatsuhashi (Eight Bridges)", lar objekter, blomster eller frukter farge, tekstur og varighet måles med en presisjon som gjør bordet overraskende ambisiøst. I "Irises at Yatsuhashi (Eight Bridges)", lar objekter, blomster eller frukter farge, tekstur og varighet måles med en presisjon som gjør bordet overraskende ambisiøst. I "Irises at Yatsuhashi (Eight Bridges)", lar objekter, blomster eller frukter farge, tekstur og varighet måles med en presisjon som gjør bordet overraskende ambisiøst. I "Irises at Yatsuhashi (Eight Bridges)", lar objekter, blomster eller frukter farge, tekstur og varighet måles med en presisjon som gjør bordet overraskende ambisiøst. I "Irises at Yatsuhashi (Eight Bridges)", lar objekter, blomster eller frukter farge, tekstur og varighet måles med en presisjon som gjør bordet overraskende ambisiøst. I "Irises at Yatsuhashi (Eight Bridges)", lar objekter, blomster eller frukter måles med en presisjon som gjør bordet overraskende ambisiøst. I "Irises at Yatsuhashi (Eight Bridges)", lar objekter, blomster eller frukter måles med en presisjon som gjør bordet overraskende ambisiøst. I "Irises at Yatsu papir; Bilde (hver skjerm): 64 7/16 tommer. x 11 fot. 6 3/4 tommer. (163,7 x 352,4 cm) Totalt (hver skjerm): 70 1/2 tommer. x 12 fot. 2 1/4 tommer. (163,7 x 352,4 cm) Totalt (hver skjerm): 70 1/2 tommer. x 12 fot. 2 1/4 tommer (179,1 x 371,5 cm) - identifiser den uten å omslutte den i en generell formel.

Se museumsmeldingen →
Old Plum, maleri av Kano Sansetsu ved Metropolitan Museum of Art #98
Kano Sansetsu

Old Plum

Dato1646SamlingMetropolitan Museum of ArtFormatTotalt (av alle fire panelene): 68 3/4 x 191 1/8 tommer (174,6 x 485,5 cm) Totalt (a): 68 3/8 x 47 5/8 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 121 cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173

"Gamle plomme" har denne sjeldne kvaliteten på museumsmalerier: å være gjenkjennelig i reproduksjon og mye mer kompleks så snart du ser på kantene, bevegelsene og stillhetene. Kano Sansetsu gir "Gamle plomme" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på i rammen. "Gamle plomme"-teknikken favoriserer linje, flate områder og dyrebare detaljer; den krever nærmere lesing enn olje på lerret. De offisielle "Gamle plomme"-teknikkene favoriserer linje, flate områder og dyrebare detaljer; det krever nærmere lesing enn olje på lerret. De offisielle "Gamle plomme"-landemerkene - 1646; Fire skyvedørspaneler (fusuma); blekk, farge, gull og bladgull på papir; Totalt (av alle fire panelene): 68 3/4 x 191 1/8 tommer (174,6 x 485,5 cm) Totalt (a): 68 3/4 x 191 1/8 tommer (174,6 x 485,5 cm) Totalt (av alle fire panelene): 68 3/4 x 191 1/8 tommer (174,6 x 485,5 cm) Totalt (av alle fire panelene): 68 3/4 x 191 1/8 tommer (174,6 x 485,5 cm) Totalt (av alle fire panelene): 68 3/4 x 191 1/8 tommer (174,6 x 485,5 cm) Totalt (av alle fire panelene): 68 3/4 x 191 1/8 tommer (174,6 x 485,5 cm) Totalt (av alle fire panelene): 68 3/4 x 191 1/8 tommer (174,6 x 485,5 cm) Totalt (av alle fire panelene): 68 3/4 x 191 1/8 tommer (174,6 x 485,5 cm) Totalt (av alle fire panelene): 68 3/4 x 191 1/8 tommer (174,6 x 485,5 cm) Totalt (av alle fire panelene): 68 3/4 x 191 1/8 tommer (174,6 x 485,5 cm) Totalt (av alle fire panelene): 68 3/4 x 191 1/8 tommer (174,6 x 485,5 cm) Totalt ( cm) Totalt (b): 68 3/8 x 48 3/4 tommer (173,7 x 123,8 cm) Totalt (c): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 121,3 cm) Totalt (d): 68 1/2 x 47 3/4 tommer (174 x 1

Se museumsmeldingen →
Rough Waves, maleri av Ogata Kôrin ved Metropolitan Museum of Art #99
Ogata Korin

Grov Waves

Datoca. 1704-9SamlingMetropolitan Museum of ArtFormatBilde: 57 11/16 × 65 1/8 tommer (146,5 × 165,4 cm) Totalt: 59 1/4 × 66 1/2 tommer (150,5 × 165,4 cm) Totalt: 59 1/4 × 66 1/2 tommer (150,5 × 165,4 cm) Totalt: 59 1/4 × 66 1/2 tommer (150,5 × 165,4 cm) (168,9 cm)

I "Rough Waves" justerer Ogata Kôrin avstanden nøyaktig; arbeidet tiltrekker seg først, og tvinger deg deretter til å bremse ned Ogata Kôrin gir "Rough Waves" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten innenfor rammen på. "Rough Waves"-teknikken favoriserer linje, flate områder og dyrebare detaljer; det krever en nærmere avlesning enn olje på lerret. De offisielle referansene til "Rough Waves" - ca. 1704-9; To-panels sammenleggbar skjerm; blekk, farge og bladgull på papir; Bilde: 57 11/16 × 65 1/8 tommer (146,5 × 165,4 cm) Totalt: 59 1/4 × 66 1/8 tommer (146,5 × 165,4 cm) Totalt: 59 1/4 × 66 1/8 tommer (146,5 × 165,4 cm) Totalt: 59 1/4 × 66 1/8 tommer (146,5 × 165,4 cm) Totalt: 57 11/16 × 65 1/8 tommer (146,5 × 165,4 cm) Totalt: 57 11/16 × 65 1/8 tommer (146,5 × 165,4 cm) Totalt: 59 1/4 × 66 1/8 tommer (146,5 × 165,4 cm) Totalt: 59 1/4 × 66 1/8 tommer (146,5 × 165,4 cm) Totalt: 59 1/4 × 66 1/8 tommer (146,5 × 165,4 cm) Totalt: 59 1/4 × 66 1/8 tommer (146,5 × 165,4 cm) Totalt: 59 1/4 × 66 1/8 tommer (146,5 × 165,4 cm) Totalt: 59 1/4 × 66 1/8 tommer (146,5 × 165,4 cm) Totalt: 59 1/4 × 66 1/8 tommer (146,5 × 165,4 cm) Totalt: 59 1/4 × 66 1/8 tommer (146,5 × 165,4 cm) Totalt:

Se museumsmeldingen →
Night-Shining White, maleri av Han Gan ved Metropolitan Museum of Art #100
Han Gan

Nattskinnende hvit

Datoca. 750SamlingMetropolitan Museum of ArtFormatBilde: 12 1/8 x 13 3/8 tommer. (30,8 x 34 cm) Totalt med montering: 14 tommer. x 37 fot. 5 1/8 tommer. (35,4 cm x 11,4 m)

Tittelen "Night-Shining White" kunngjør motivet, men Han Gan legger til en visuell struktur som forklarer dens varige tilstedeværelse i Met-galleriene. Han Gan gir "Night-Shining White" en presis identitet gjennom tegning, farge og måten å fordele oppmerksomheten på innenfor rammen. "Night-Shining White"-teknikken favoriserer linje, flate områder og dyrebare detaljer; det krever nærmere lesing enn olje på lerret. De offisielle "Night-Shining White"-landemerkene - ca. 750; Håndrull; blekk på papir; Bilde: 12 1/8 x 13 3/8 tommer (30,8 x 34 cm) Totalt med montering: 14 tommer x 37 fot. 5 1/8 tommer (350; Håndrull; blekk på papir; Bilde: 12 1/8 x 13 3/8 tommer (30,8 x 34 cm) Totalt med montering: 14 tommer x 37 fot 5 1/8 tommer (350; Håndrull; blekk på papir; De offisielle markørene for "Night-Shining White" - ca. 750; Håndrull; blekk på papir; Bilde: 12 1/8 x 13 3/8 tommer (350; Håndrull; blekk på papir; Bilde: 12 1/8 x 13 3/8 tommer (350; Håndrull; blekk på papir; Bilde: 14 tommer x 37 fot 5 1/8 tommer (350; Håndrull; blekk på papir; Bilde: 14 tommer x 37 fot 5 1/8 tommer (350; Håndrull; blekk på papir; Bilde: 14 tommer x 37 fot 5 1/8 tommer (350; Håndrull; blekk på papir; Bilde: 14 tommer x 37 fot 5 1/8 tommer (350; Håndrull; blekk på papir; Bilde: 14 tommer x 37 fot 5 1/8 tommer (350; Håndrull; blekk på papir; Bilde: 14 tommer x 37 fot 5 1/8 tommer (350; Håndrull; blekk på papir; Bilde: 14 tommer x 37 fot 5 1/8 tommer (350; Håndrull; blekk på papir; Bilde: 14 tommer x 37 fot 37 fot) x 37 fot

Se museumsmeldingen →

Hva rangeringen avslører

The Met har ikke noe mesterverk, den har flere etasjer

Rangeringen favoriserer først global beryktethet og historisk betydning, og balanserer deretter maleriets skoler, perioder, formater og funksjoner.

01

Berømmelse har mange ansikter

Et nasjonalt ikon av Leutze, et portrett av Sargent og et rom av Vermeer forteller ikke den samme historien, men hver har blitt en inngangsport til museet.

02

Givere tegnet galleriene

Havemeyer, Annenberg, Wolfe og mange andre private samlinger har gitt Met sine mest spektakulære ensembler.

03

En samling forblir i live

Attribusjoner, restaureringer, oppheng og forskning endrer stadig måten å lese verk på som vi trodde vi kunne utenat.

The Met på fem datoer

Fem landemerker før du går inn i galleriene

1870Fant et leksikonmuseum

Metropolitan Museum of Art ble født med ambisjonen om å gjøre kunst tilgjengelig for den amerikanske offentligheten.

1880Flytter til Fifth Avenue

Museet åpnet Central Park-bygningen, og utvidet den deretter til det ga ordet fløy en nesten geografisk betydning.

1917-1929Velkommen store samlinger

Donasjoner og arv styrket raskt europeiske og amerikanske malerier.

1950-1990Utvid historier

Nye fløyer, anskaffelser og forskning gir mer plass til verdens tradisjoner og modernitet.

IdagLegg på igjen for å fortelle bedre

The Met fornyer sine gallerier og opplesninger; selv kjente malerier endrer naboer og noen ganger mening.

Museet i dybden

Hvordan klassifisere et encyklopedisk museum uten å miste planen?

De første stedene kombinerer verdensberyktethet, historisk betydning og emblematisk rolle i samlingen. Washington Crossing the Delaware, Madame.

Rangeringen er ikke begrenset til de mest reproduserte verkene Den bevarer maleriene som forklarer Mets encyklopediske identitet: italiensk renessanse, nederlandsk gullalder, Spania, Frankrike, amerikansk maleri, persiske, indiske, kinesiske og japanske tradisjoner.

Hvert verk er verifisert i API og den offisielle kunngjøringen til Metropolitan Museum.Tittel, kunstner, dato, teknikk, dimensjoner og bilde må samsvare; duplikat identitet og visuelle nektes før publisering.

Bildene kommer fra Mets Open Access De vises i sin helhet med objekttilpasset beholder, blant annet for smale portretter og store horisontale formater, fordi et monumentalt maleri fortjener bedre enn en ufrivillig hårklipp.

Etter introduksjonen går besøket direkte til de hundre maleriene, ett verk per rad Ingen filter eller lysbildefremvisning avbryter klassifiseringen.

Fire besøksnøkler

Hvordan se på hundre malerier uten å blande alt sammen

En nyttig klassifisering må forbli lesbar: ser på dato, funksjon, herkomst og teknikk lar deg gå fra en middelaldersk Virgin til Van Gogh uten forvirrende hastighet og hastverk.

Dato

Finn før du sammenligner

To portretter atskilt med tre århundrer kan dele en positur, men ikke den samme sosiale verdenen eller det samme forholdet til betrakteren.

Funksjon

Spør hvorfor arbeidet finnes

Hengivenhet, politisk kommando, privat dekorasjon, studier eller moderne manifest endrer dypt måten å lese et maleri på.

Teknikk

Se på materialet

Tempera, olje, blekk, gull og ugjennomsiktig akvarell produserer overflater hvis digitale reproduksjon ikke skal slette forskjellene.

Galleri

Observer nabolagene

På Met går et verk i dialog med avdelingen, hengingen og arkitekturen; museet skriver også med vegger.

Oppslag, kataloger og forskning

Fortsett besøket etter nummer 100

Metropolitan Museums poster, Masterpiece Paintings-samlingen, Heilbrunn Timeline of Art History og MetPublications-katalogene lar deg sjekke datoer, teknikker, dimensjoner, herkomster og restaureringer.

Ofte stilte spørsmål

The Met uten trekkspillbrettet plan

Noen svar for å forberede besøket, forstå klassifiseringen og finne verkene i samlingen.

Hva er det mest kjente maleriet i Metropolitan Museum?

Washington Crossing the Delaware av Emanuel Leutze, Madame X av Sargent, Van Goghs og Vermeers er blant de mest kjente bildene Valget avhenger også av perioden og skolen du kommer for å se.

Hvor mange malerier har Met?

The Met opprettholder tusenvis av malerier spredt over flere avdelinger. Denne Topp 100 er et redaksjonelt utvalg, ikke hele beholdningen av samlingen.

Er alle disse verkene på permanent visning?

Nei. Opphengene endres, noen arbeider reiser eller holdes i reserve. Den offisielle Met-meldingen indikerer ofte om et maleri er synlig for øyeblikket og i hvilket galleri.

Hvorfor finnes asiatiske malerier i denne rangeringen?

Metropolitan Museum er encyklopedisk. Dens samlinger av kinesisk, japansk, indisk og persisk maleri er avgjørende; å ekskludere dem ville gi et kunstig snevert bilde av museet.

Kan bilder gjenbrukes?

Bildene som brukes her er merket som Open Access og offentlig eiendom av Met. Meldingen om hvert verk forblir referansen for å sjekke betingelsene og laste ned den offisielle filen.

Hvor kan man se Mets europeiske malerier?

Mye av det er i de europeiske malerigalleriene på Fifth Avenue. Gallerinummer og oppheng kan endres; se kartet og museumsinstruksjonene på besøksdagen.

Hvor lang tid tar det å se denne Topp 100 på museet?

Flere timer i hvert fall, og sikkert flere om du virkelig ser ut The Met rewards breaks; det spesielt sanksjoner sko som er for optimistisk.

Hvordan er denne Topp 100 rangert?

De fremste radene kombinerer internasjonal beryktethet, historisk betydning og mesterverkstatus i samlingen Suiten balanserer perioder, skoler og tradisjoner uten dobbeltarbeid eller image.

Hundredelsmaleriet er passert, museet fortsetter bak naboen

Hundre malerier senere er Met fortsatt ikke ferdig

Denne klassifiseringen strekker seg over flere århundrer uten å hevde å redusere Metropolitan Museum til et definitivt podium.De første verkene er ikonene som vi kommer til å gjenkjenne; de følgende gir museet dets dybde, dets motsetninger og dets skalaendringer.Den beste Topp 100 forblir til slutt den som gjør at du vil forlate listen, se opp på originalen og akseptere at et besøk til Met nesten alltid overstiger den planlagte tiden.

Utforsk Metropolitan Museum of Art reproduksjoner

0 commentaire

Laisser un commentaire

Veuillez noter que les commentaires doivent être approuvés avant leur publication.